DISEÑO POSTMODERNO:

A partir de los 60s en la arquitectura y en el diseño se empezará a popularizar la idea de ruptura con el movimiento racionalista que promovían Le Corbusier o Mies Van der Rohe. Se buscará que la casa ya no sea esa «máquina para vivir» sino que sea un lugar que realmente acoja al hombre y que esté pensado en función de que la casa se adapte a él y no él a la casa.

En este diseño postmoderno se volverán a usar elementos del lenguaje clásico creando así un diálogo entre tiempos. Los arquitectos en los movimientos anteriores no tenían en cuenta los vestigios históricos, y a partir de ahora, no solo se tendrán en cuenta, sino que además serán algo fundamental.

Como decimos, para generar esa cohesión se re introducirán las formas puras clásicas que ya habríamos visto con Le Corbusier.

Con estas se conseguirá de nuevo esa monumentalidad aunque los edificios presentarán una estética más pop y de un modo mucho más expresivo.

Veremos en la arquitectura y diseño no solo la influencia del Pop Art sino también del mercado de consumo y del mundo del espectáculo dando lugar a elementos mucho más llamativos, irónicos, y en ocasiones descontextualizados.

Se verá por lo tanto, una ruptura total con esa arquitectura racionalista, no solo con la nueva incorporación de símbolos, sino que además, a partir de ahora en el diseño y arquitectura, el gusto será tratado como un juicio válido para cuestionar el valor del diseño y generará propuestas tan expresivas que estarán destinados a unos pocos. El usuario realizará un mayor vínculo o conexión con el diseño por sus connotaciones expresivas o formales aunque probablemente lo hará un menor número de gente.

Este hecho será fundamental ya que cambiará el modo de mirar el diseño y de relacionarnos con él.

Ese cuestionamiento que veíamos que se empieza a dar tras los 60s se consolidará en los 80s con una visión mucho más problemática que se relacionará con la historia tradicional y reivindicará un valor constructivo.

Veremos obras en las que se ven muy bien reflejados estos ideales como:

-Stanley Tigerman, The Titanic, 1978:

En este montaje de Tigerman vemos como se hunde uno de los edificios emblemáticos de Mies van der Rohe simulando el hundimiento del Titanic.

Los edificios de Mies serán unas de las cosas más representativas de EE. UU. en la época y con esto el artista muestra y pone en evidencia el fracaso de los ideales de abstracción del movimiento moderno que tan bien se veían es las construcciones del arquitecto.

En relación con esto veremos un libro publicado en la época que se llama:

-The language of Post-Modern Architecture, 1977, Charles Jencks

El título en sí nos habla de la arquitectura postmoderna y de su lenguaje, es decir, en el 77 ya existe por lo tanto lo postmoderno y se ven edificios muy alejados de lo que podía ser un buen edifico en la época contemporánea. No comparten ya los mismos ideales.

Jencks también fijaba, como habíamos visto antes, en el momento de la decadencia del movimiento esa destrucción de los barrios residenciales como el momento de origen a toda la decadencia ya que se empiezan a dar cuenta de que son arquitecturas inhabitables:

-Minoru Yamasaki, Conjunto Pruitt Igoe, ST. Louis, Missouri, 1950-55, demolido, 1972-76:

En contraposición de estos dos conceptos de arquitectura veremos cartees como:

-Michael Vanderbyl, Cartel, 1984:

Como decimos aquí se ve una clara contraposición entre dos formas muy distintas de entender el objeto arquitectónico.

En primer lugar vemos un objeto impoluto, ejemplificando el ideal de la cultura postmoderna, es plano y aburrido. Tiene un muro cortina y todo lo que veíamos en los edificios de la época como el Seagram. Este se contrapone con un edifico más expresivo que incluso saca la lengua. Utiliza los distintos elementos arquitectónicos para crear símbolos y asociar la imagen del edifico con al de una cara. Vemos esa idea de humanizar y dar vida de nuevo a las construcciones, ya no interesa la “máquina para vivir”.

Vemos además como este edificio expresivo incorpora algunos modos de composición del pasado

como la simetría o la presencia de arcos de acceso que dan lugar a esa lengua y boca.

Por lo tanto el cartel ironiza sobre las dos maneras de edificar.

Vamos a hacer un pequeño repaso histórico para ver cómo se ha dado esa evolución de un modo más o menos paulatino:

HISTORIA Y MEMORIA:

En un principio, antes de la guerra, vimos estos proyectos idílicos de le Corbusier pensados para la gran escala:

-Le Corbusier, Ciudad contemporánea para 3 millones de habitantes, 1922:

Veíamos por lo tanto a principios del siglo 20 estas propuestas muy diferentes a lo que veíamos contemporáneamente.

Estos proyectos como vemos dejan completamente de lado a cualquier vestigio de la ciudad histórica. Se rompe esa concepción de ciudad basada en un trazado enlazado en la historia del lugar. No se identifica nada, ni monumentos ni edificios clásicos.

Muestra además una clara simetría y geometría, están generadas a partir de retículas. Todo parece muy calculado, siguiendo esos criterios del funcionalismo.

Por lo tanto se empezará a entender lo histórico como lo contrario de la funcionalidad.

Veremos otros proyectos de Le Corbusier en esta misma línea:

-Le Corbusier, Plan Voisin, París, 1925:

Todos los barrios de país han sido borrados y sustituidos por ese trazado que propone cuando diseña, borrando toda la identidad del lugar prácticamente

Vemos como también realizó un planteamiento de viviendas similar para Barcelona:

-Le Corbusier y GATCPAC, Estudio de supermanzanas para Barcelona, 1934:

-Le Corbusier y GATCPAC, Plan Maciá, Barcelona, 1933-35:

Plantea una nueva ciudad financiera en frente al puerto.

Dentro de este periodo vemos que se planeta otro tipo de discurso constructivo llevado a cabo sobre todo, por los regímenes totalitarios:

ITALIA

-Enrico del Debbio, Roro Mussolini, Roma, 1926:

En Roma se llevarán a cabo numerosas construcciones como estas que llevan a cabo una reinterpretación de las formas tradicionales de la Roma clásica de carácter monumental. De todos modos serán construcciones muy racionalistas.

Con este tipo de construcciones a diferencia de lo que veíamos antes con Le Corbusier enlaza muy bien con las formas del clasicismo y de los edificios clásicos.

ALEMANIA:

En Berlín veremos edificios como:

-Albert Speer, Zeppelinfeld, Núremberg, 1934/ Nueva Caneillería, Berlín, 1938:

-Albert Speer, Berlín, 1937-40:

Vemos de nuevo todo ese lenguaje clásico con elementos como cúpulas o arcos y con construcciones que recuerdan a templos clásicos. Además de nuevo, tiene todo ese carácter monumental que ensalzan enormemente la construcción y que enlaza con tradición del lugar.

Estos lugares con regímenes totalitarios usaran estas connotaciones clásicas para dar a su discurso político connotaciones de grandeza.

También se verán este tipo de construcciones en otros países como:

 Moscú:

-Boris Iofan, Palacio de los Soviets, Moscú, 1932:

Se ve claramente esa monumentalidad y guiño a las construcciones clásicas.

Por último, también se vio este conocimiento promovido por el régimen comunista en España a partir de construcciones como:

-Juan Bautista de Toledo, Monasterio de El Escorial, 1563-1584:

Vemos como todas estas construcciones remiten al ejército del aire ensalzando la arquitectura imperial buscando reivindicar esa resurrección del glorioso pasado imperial.

Como vimos en post anteriores, en Italia en la posguerra se producirá una división de estilos arquitectónicos, es decir se verán dos tendencias distintas aunque las dos compartirán elementos comunes como ese respeto por la tradición y diálogo con la historia para huir de muchas de las construcciones racionalistas que se dieron durante el fascismo.

ITALIA: UNA REVISIÓN CRÍTICA DE LA ARQUITECTURA MODERNA:

Como ya vimos anteriormente se dieron construcciones como:

-Ludovico Quaroni, Mario Ridolfi, Barrio Tributino, Roma, 1949:

«Nacido de la conciencia de un papel social de la arquitectura; La retórica, los delirios de grandeza, el autoritarismo del régimen fascista se opone a una modestia artesanal. Sin embargo, el hecho real es la necesidad de contener los costos: la dimensión «país» ofrece la solución más económica “ I. De Guttry, 2001.

Estas construcciones buscan reflexionar sobre la memoria del pasado y reflexiona sobre la posibilidad de enlazar con las formas modernas, creando así un diálogo entre ambas formas.

Se ven estas técnicas constructivas artesanales. Los techos tradicionales son inclinados y se ve el uso de materiales baratos. Todo el barrio muestra una estética campesina, será como una utopía regresiva.

En esta misma línea se darán construcciones como:

-BBPR Banfi-Belgiojosos-Peressutti-Rogers, Torre Velasca, Milán, 1950-58:

“A diferencia de la mayoría de la arquitectura moderna, que está perdida, rebelde y sin relación con su entorno inmediato, la torre milanesa demuestra que responde a las formas y sugerencias del entorno.”- M. Kallmann, 1958

Este fue uno de los edificios más discutidos de la época.

Cuando lo presentaron defendían que no era algo histórico sino moderno, tiene una forma que parece medieval, recuerda a un castillo, el dirá que era funcionalista. Lo de arriba son viviendas, por lo tanto, necesitan más luz que las oficinas, que se encuentran debajo. El edificio es de hormigón armado y lo buscan armonizar con el contexto histórico de Milán.

Intenta dialogar con los edificios clásicos en distintos aspectos como con el color. Se ve un intento de ser modernos ya que para ellos es también saber dialogar con el contexto y adoptar medidas distintas, buscan romper una cierta monotonía y dialogar con la historia y la memoria del lugar al mismo tiempo.

Se ve ese diálogo con el pasado y sus vestigios:

-Palazzo Vecchio, Florencia, siglo XIV:

Se llevará a cabo por lo tanto, una interesante reflexión entre lo histórico y lo moderno

Generando así una resurrección de las formas tradicionales.

Esto dará lugar a una visión más compleja de lo que es el objeto que se comunica.

Por lo tanto como vemos en Italia se dará de un modo evidente es discurso mostrando esa

necesidad de dialogar.

Se llevarán a cabo cosas como estos museos donde se ven esas formas o elementos clásicos o tradicionales que entran en conexión con lo moderno.

-Franco Albini, museo di Palazzo Bianco, Génova, 1950-51:

Aquí el diálogo se ve en las obras expuestas clásicas en un lugar mucho más moderno.

De este modo es cómo hacen que constantemente estos dos modos entren en contacto.

Muchos arquitectos y diseñadores defenderán que también es posible aprender del pasado

Poniendo en el centro esa relación más compleja con el presente.

Veremos en varios arquitectos esa intención por aprender del pasado de la arquitectura y de la ciudad.

Esto se ve de un modo evidente en construcciones como:

-Louis Kahn, Galería de arte de la Universidad de Yale, 1957:

–Louis Isadore Kahn (1901-1974)

Fue un reconocido arquitecto estadounidense-ruso cuyo estilo estaba influenciado por las antiguas ruinas, y que tendía a la monumentalidad y a la intemporalidad. Sus edificios no esconden su peso, sus materiales o su forma de construirse.

En la década de los 50s descubrió la grandeza de las culturas antiguas. Entendía el mediterráneo como una fuente de reflexión y de contacto con el gran pasado. A partir de este estudio y reflexiones aplicará esas observaciones en sus construcciones arquitectónicas.

“Volvamos atrás en el tiempo hasta la construcción de las pirámides. (…) Ahora vemos las pirámides en su plena presencia. Allá prevalece la sensación del Silencio, en la cual se percibe el deseo humano de expresarse. Eso existió antes de que la primera piedra fuese puesta (…)

Yo Observo que cuando un edificio está en construcción, libre de servidumbre, el espíritu de su presencia es noble -la hierba no crece a su sombra. Cuando el edificio está acabado y en uso parece deseoso de narrar la aventura de su edificación. Pero con todas sus partes en servicio, se convierte en una narración de escaso interés. Cuando el uso se agota y el edificio se convierte en ruina, lo admirable de sus orígenes vuelve a aparecer.” -Louis Kahn, Silence and Light, 1970

Estas ideas las veía plasmadas en las pirámides con ese deseo de expresarse.

Entenderá que la arquitectura no es solo algo que tiene que cumplir cierta funcionalidad como veíamos con Le Corbusier, sino que también es una fuente de expresión.

El defendía que los edificios eran mucho más interesantes cuando eran ruinas, es decir precisamente cuando perdían la funcionalidad.

“Entiendo firmemente que la arquitectura de Italia perdurará como fuente inspiradora de las obras del futuro. (…) Comparada con ella, la nuestra paree de hojalata; todas las formas puras han sido ensayadas aquí en todas sus variantes. Lo inexcusable es la interpretación de la arquitectura de Italia, como se relaciona con nuestro conocimiento de la construcción y con nuestras necesidades.” -Louis Kahn, 1950

Fue un arquitecto que reflexionó mucho sobre el prodigio de la arquitectura y por ejemplo habló de las columnas y de cómo generan una interacción más intensa con el paisaje que los muros, ya que se ve esa relación entre el interior y el exterior.

Todos estos aspectos de la complejidad de la arquitectura italiana los usará como fuente de inspiración.

En cierta medida es cierto que ya vimos cómo Le Corbusier ya había hablado de la potencia de las formas puras italianas:

-Le Corbusier, La lección de Roma, 1923:

Hablaba de cómo generaban su grandeza constructiva a partir del uso de forma geométricas básicas y cómo con ello generaban una gran monumentalidad.

Kahn en su discurso no mostrará una visión nostálgica del pasado italiano, sino como algo útil para guiar la labor del arquitecto moderno como él aplicará en su contracción de estas torres:

-Louis Kahn, Laboratorio Richards, Philadelphia, 1957-61:

 Aquí vemos cómo esa utilización de las formas básicas que generan estas torres sirve para articular los distintos espacios del laboratorio de un modo muy efectivo, funcional y estético.

Genera con todo esto una relación mucho más compleja entre los espacios.

Ahora se buscará la idea de que el espacio ha de estar connotado, es el espacio de la vida, no es algo frío ni alejado a la gente y esto lo intentará reflejar en esta ilustración en la que muestra el espacio cubierto por una bóveda:

-Louis Kahn, Architecture comes from the making of a room:

Se entiende que el espacio es lo que acoge a la gente y se vuelve a ver esa idea de mirada centrada en la persona, la arquitectura ha de estar al servicio de este y adaptarse al hombre, no al revés.

Esta idea se ve plasmada y materializada en edificios como vemos esa relación fértil con la casa Esherik:

-Louis Kahn, Casa Esherick, Philadelphia, 1959-61:

Vemos de nuevo esa recuperación de formas y espacios del pasado. Esta casa se inspira de hecho en el modo de construcción de los palacios escoceses tradicionales incluso a la hora de plantear los valores.

Él dirá que:

“Una calle quiere ser un edificio. Lo nuevos espacios surgirán de diseños basados en un orden del movimiento. (…) Las rutas son ríos que necesitan puertos. Las calles son canales que necesitan muelles. Las arquitecturas de los puntos de estacionamiento tienen una importancia igual a la de las murallas que rodeaban las ciudades medievales. El diseño de Carcassone se basó en un orden de defensa. Una ciudad moderna se renovará a partir de su concepto del orden del movimiento que es una defensa contra su posible destrucción por el automóvil. El centro de la ciudad es un lugar al que se va y no por el que se pasa. “– Louis Kahn, 1957

Por lo tanto no solo llama a la recuperación del uso de las formas clásicas a la hora de construir sino también de esa recuperación de los valores y lógicas de organización que se veían en esas construcciones.

Hablará del automóvil como centro en el que se ven los valores colectivos, que dice que ha de ser preservado y ofrecido a la comunidad.

Muchos de los edificios que se realizarán ofrecidos a esos parámetros son:

-Parlamento de Bangladesh, Dacca, 1963-84, Louis Kahn, 1963-84:

Se podría decir que este edifico fue la culminación del periodo moderno de la arquitectura y el comienzo de la era post moderna.

El rasgo principal del edificio es su carácter monumental junto con la gran masa de hormigón alineada con tiras de mármol, la pared exterior marcada por las aberturas geométricas y el predominio de las formas de hormigón circulares y rectangulares imparten una gran monumentalidad al edificio bastante coherente con las funciones nobles que en él se desarrollan.

La intención de Kahn para el parlamento fue producir una expresión ideal para la nueva democracia utilizando formas geométricas como el circulo, el medio circulo, el cuadrado y el triángulo.

Por lo tanto, aquí Kahn pone de nuevo en práctica esa realización de edificios que en cierto modo parecen ruinas.

Son lo que la llama ruina atemporal moderna como forma central.

Otra de las construcciones que vemos en la misma línea es:

-Biblioteca de la academia Phillips Exeter, Nuevo Hampshire, 1966-71:

 Vemos de nuevo un edificio con ese vínculo con la tradición y con esa constante relación con el pasado. Vemos ese uso además de formas geométricas otorgando la monumentalidad al edificio.

Muchas otras figuras de la arquitectura española como Rafael Moneo o Juan Navarro que también llevarán a cabo la práctica y plasmación de estos elementos en sus construcciones:

-Rafael Moneo, Museo de arte Romano, Mérida, 1979-85:

Vemos esa influencia de basílica romana, esa inspiración, para ubicar los vestigios arquitectónicos como columnas clásicas.

-Juan Navarro Baldeweg, Palacio de Congresos, Salamanca, 1985-92:

Sin duda alguna el volumen del palacio entra en contacto con los palacios renacentistas. Vemos de nuevo esos guiños a las construcciones clásicas con las formas geométricas o la cúpula y la monumentalidad.

En alguna otra construcción en la que también vemos estos ideales:

-John Soane, Casa en Lincoln’s Inn Fields 12-14, 1792-1835 Breakfast room:

En esta casa vemos una bóveda que parece que flote en el cielo.

Otra de las figuras más importante en este periodo arquitectónico será:

–Robert Venturi (1925-2018):

Venturi fue un arquitecto estadounidense muy importante en la cultura postmoderna. Fue galardonado con el premio Pritzker en 1991 y realizó una parte importante de su obra juntamente con su esposa, Denise Scott Brown.

“Me gusta la complejidad y la contradicción en arquitectura. No me gusta la incoherencia y la arbitrariedad de un obrar arquitectónico superficial, ni el refinado y pintoresco entrelazarse de las formas expresionistas. Yo más bien hablo de una compleja y contraria arquitectura basada en la riqueza y la ambigüedad de la experiencia moderna, que incluye también las artes visivas.”-Robert Venturi, 1966

Lo que intenta defender Venturi es que ya está bien de los discursos lineales como los que se estaban viendo hasta el momento, la vida es compleja y contradictoria. Pensará que, por tanto, la arquitectura también lo es. Ser complejo y contradictorio no es ser incoherente, es aceptar que hay ideas contradictorias, pero no por ello renunciaremos a ninguna de las dos.

Venturi será representativo además porque reivindicará también la observación de la arquitectura del pasado como fuente de inspiración.

 Llevará  a cabo edificios que expresarán ese juego como la casa que realiza para su madre:

-Robert Venturi, Casa Vanna Venturi, Philadelphia, 1959-64:

Esta casa explica esa complejidad y contradicción tanto en sus aspectos formales como funcionales y pronto vino a ser una plataforma desde la cual Venturi alcanzó un reconocimiento internacional. Será como una casa manifiesto.

Por lo tanto el arquitecto busca aquí recoger la imagen arquetipo de la casa que él cree la deal en el momento, la que recoge los ideales que quiere transmitir.

Esta casa no es un cubo asume que el movimiento moderno tiene una tradición y responde a programas funcionales diferentes.

La casa es a dos aguas, lo recupera, viendo así esa referencia a lo tradicional y lo clásico. Estas ideas también se ven en el arco, el cual en este caso es solo decorativo.

Pero al mismo tiempo utiliza estos aspectos clásicos añadiendo una deformación, no realiza una forma tan inmediata u obvia de articular los espacios entre sí. En esta casa las cosas pueden ser una cosa y parecer otra, habrá una ambigüedad en las formas.

El espacio deja de ser comprensible a un punto de vista y esto se manifiesta en distintos aspectos de la casa como el mobiliario.

Los muebles son mucho más acogidos en la casa que en construcciones que veíamos antes.

Otra construcción en la que se ver estas ideas plasmadas en la residencia guild house:

-Robert Venturi, Guild House, 1961-66:

Vemos otras formas que veíamos con Kahn, el centro de la fachada recuerda a un Tótem, recuperando esa connotación de los símbolos. De hacho toda la fachada busca recordar a una tv.

Venturi aquí ironiza con el diseño del edificio.

Nos habal de la importancia de la televisión como elemento fundamental de la cultura contemporánea y cómo los abuelitos se pasan el día viendo la televisión.

Por lo tanto con estas construcciones se manifiesta que no hay una forma única o normativa

como vemos en las propuestas de la casa ideal que realizará con su mujer:

-Robert Venturi y Denise Scott Brown, Propuestas de casa ideal, 1966:

Si que vemos ese lenguaje procedente de la historia pero cada cual es libre de usarlo a su manera y de reivindicar sus gustos y todos tiene derecho a la ciudadanía. Esto es lo que buscará expresar y así romperá completamente con ese discurso racionalista que consideraban tan frío y lejano al hombre y generará una estética no tan unificada y precisamente entrará en relación por esa diferencia.

Otra casa que vemos en esta línea:

-Casas Trubeck y Wislocki, Natucket island, Mass., 1970-71:

«Los exteriores tienen un parecido familiar y también los planos. Ambas plantas bajas son esencialmente una habitación grande que conduce a un amplio porche con vistas al mar, con cocinas escondidas en las esquinas. El piso del dormitorio de la casa más pequeña es un conjunto simple de habitaciones En el más grande, las complejidades espaciales alrededor de la escalera son notables, especialmente la división del corredor palladiano para iluminar tanto las escaleras como el baño del piso superior.

Las secciones también muestran ingenio, ya que, si bien la forma exterior puede tomarse prestada de una lengua vernácula, Venturi y Rauch han utilizado cada centímetro cúbico de espacio dentro de esa forma, para que la forma del techo se lea dentro de cada habitación”. – David Dunster. Edificios clave del siglo XX Volumen 2: Casas 1945-1989. p76-77.

Vemos claramente cómo estas casas buscan reivindican la arquitectura propia de pasado norteamericano ensalzando ese elemento tradicional de su arquitectura.

En este mismo periodo se llevará a cabo una publicación que también habíamos visto anteriormente:

-Learning from las vegas, Venturi, Scott Brown, Izenour, 1972:

Se llevarán a los alumnos a hacer una investigación a las vegas. Será un libro sobre todo de Denise Scott Brown pero Venturi también tendrá algo de participación. Este libro ayudó a fomentar el movimiento artístico posmodernista

Van a entender la ciudad al completo, añadiendo más elementos de los que habíamos visto hasta ahora al análisis, pero que a partir de ahora serán casi esenciales.

Observan a las propias formas de manifestación de las ciudades americanas y ven cómo la publicidad predomina sobre el espacio humano y casi las determinan.

En el libro entre otras cosas hablarán de cómo la identidad de los edificios es determinada por los carteles y cómo el edificio puede concebirse como caja decorada o el edificio en sí como un signo:

-Duck house:

“En términos de la arquitectura, la expansión urbana desordenada es un fracaso; en términos de espacio no tiene valor alguno. Es sólo mirando a los edificios como a símbolos en el espacio – no a formas- que dicho paisaje adquiere calidad y significado.”

Se plantean a partir de esto qué es lo que importa más en la arquitectura, si el signo es lo que importa o lo otro.

Con el letrero o los carteles a partir de ahora se reivindica la posición de monumento aunque el edificio no tenga nada, puede un elemento tan simple tener tanta importancia simbólica. Es por ello por lo que el diseño gráfico empezará a tomar aún más importancia.

A causa de esto empezará a surgir edificios como:

-“Binoculars Building”, Venice, Cal., 1985-91:

Los arquitectónico verán que no es tan importante la expresividad en sí de edifico y buscarán cada vez es convertir el edificio en un reclamo, como una atracción casi. Para ello jugarán mucho con la descontextualización y el cambio de escala.

Veremos más edificios así:

-Robert Venturi, Showroom de los productos de la cadena BEST, Oxford Valley, Penn., 1977:

Buscarán por lo tanto que llame la atención, cosa que no es una estrategia del todo nueva, pero será retomada.

En este edifico se aplicaba la idea del decorado ya que se envuelve el propio edificio como lo que vende: papel de regalo. Con esto se generarán muchas metáforas que visualmente serán llamativas.

Otro edifico muy relevante en la época en el que se ven muchas de estas ideas es:

-Charles Moore, Piazza d’Italia, New Orleans, 1975-78:

En este edifico vemos una vez más esa referencia a lo figurativo, al símbolo, y a la cita histórica, y al espectáculo, que serán cosas fundamentales en la cultura del momento.

Esta plaza juega además a la cita pop que ya habíamos visto, pero con elementos clásicos. Es un pop que vemos en el uso de columnas metálicas cromadas, lo que hará Moore es reciclar materiales ya conocidos.

Si lo miras con el contexto de la ciudad, esta plaza está ubicada en la parte más dura y rígida de la ciudad, lo concentra ahí para contrastar, es a lo que se opone en ese momento y con esta construcción genera un gran contraste.

Por lo tanto esta construcción busca generar una reconstrucción del paisaje urbano y de la ciudad italiana a modo de decorado, convirtiendo esas formas en signos.

Otros edificios que veremos:

-Philip Johnson, AT&T building, New York, 1980:

Este edifico es casi el anti Seagram por lo tanto se busca de un modo muy evidente esa ruptura con lo que planteaba mies. Este edifico plasma y evidencia lo que veíamos en un principio en ese cartel con esos edificios en el que había uno muy expresivo.

Es casi lo contrario, recubierto de piedra y con un coronamiento que se dibuja con un estilo gráfico más propio del s XIX que del XX, ahí vemos esa connotación histórica.

-Michael Graves, Ayuntamiento de Portland, Oregon,1980-83:

Este es otro ejemplo de los muchos edificios que se diseñarán así. Este estará tatuado como algo expresivo, con forma de águila que recuerda a los tótems, cosa que ya habíamos visto en algunos edificios.

Veremos un amplio repertorio de signos gráficos aplicados a los edificios.

-Michael Graves, Hervidor y servidor de té para Alessi, 1985-86

Michal Graves también será una persona muy importante en el sector de producto

y se caracterizará por jugar constátenseme con la ironía. Esto una vez más hará referencia a esos signos.

Pero estas ideas las aplicará del mismo modo en la arquitectura:

-Michel Graves, ministerio de salud, deporte y asuntos sociales, La Haya, 1993:

En Holanda realizará varios diseños de casas en los que remitía a las formas de las casas tradicionales holandesas pero de un modo más radical y expresivo. Claramente ves la diferencia con los edificios tradicionales holandeses. Vemos también esas ideas de cambio de escala, ya que las tradicionales sin mucho más pequeñas y aquí traslada los mismos modos de construcciones a un edificio mucho mayor.

“La ciudad objeto de este libro, viene entendida en él como una arquitectura. Hablando de arquitectura, no quiero hacer referencia solo a la imagen visible de la ciudad y al conjunto de sus arquitecturas, sino más bien a la construcción. Me refiero a la construcción de la ciudad en el tiempo. Considero que este punto de vista, (…), pueda constituir el tipo de análisis más completo de la ciudad, esta se dirige al dato último y definitivo de la vida de la colectividad, la creación del ambiente en el que vive.”- L’architecttura della cita, introducción, 1966

En esta misma línea veremos otras casas:

-Aldo Rossi, edificio de viviendas en Kochstrasse, Berlín,1987:

La ciudad será toda ella una manifestación más propia y vinculada entre sí que busca que se vaya desarrollando con el tiempo, de un modo constante y cíclico, es decir lo que ellos creen coherente. A diferencia de lo que se veía con Le Corbusier en el que se planteaba una ciudad prácticamente toda igual entera de golpe. Aquí las ciudades parecen mucho más un collage.

Y se entiende que habrá vestigios de cada generación pero ellos no lo ven como algo malo.

Por lo tanto se intenta en su arquitectura vincular esa complejidad de la manifestación de la forma urbana como arquitectura contemporánea.

Habrá un constante dialogo entre el presente y el pasado.

Esto se ve también plasmado en el arte en pintores del xx como los metafísicos:

-Giorgio de Chirico, Enigma 1914:

Se ve ese diálogo en la incorporación de elementos clásicos como arcos o estatuas y al mismo tiempo la incorporación de fábricas, todo en un mismo plano de ciudad.

Todos estos ideales serán aplicados al diseño, especialmente de producto.

Como decíamos muchos arquitectos y diseñadores optarán por proponer una operación de cambio de escala también:

-Aldo Rossi, Arquitectura doméstica, 1972-74:

-Aldo Rossi, La cónica, 1982:

Se verá un nuevo concepto de arquitectura doméstica donde veremos colecciones como estas cafeteras en las que presentan unas mimas formas.

Serán formas que crearán conjuntos y que remiten a una cierta monumentalidad como la que veíamos en esos edificios clásicos. Muchas veces también usarán esas formas básicas.

Veremos muchos otros diseñadores que serán vinculados al movimiento postmoderno:

-Sillón Proust, Alessandro Mendini, Alchimia, 1978:

-Paul Signac, La nube rosa, Antibes, 1916:

Aquí vemos esa inspiración en la forma que es de un sillón clásico y como se le aplican los trazos neoimpresionistas de Signac propios del puntillismo generando así un claro diálogo entre estilos reconocido en un único objeto.

Otro diseñador que será un claro exponente de esto es Javier Mariscal:

-Sillas Garriri y tTorera, 1987:

Serán objetos muy propios de la cultura post moderna y su propio imaginario. Jugarán con esa descontextualización de la que hablábamos recuperando ese tono irónico y desenfadado y que al mismo tiempo es llamativo.

Todos estos serán objetos pensados para el uso domésticos.

Otros grupos y objetos que vemos en este contexto de consumo serán los realizados por Mendini

como sus sacacorchos:

-Alessandro Mendini, Sacacorchos Anna G, 1993:

Vemos en estos objetos cómo no solo juega lo funcional sino que aquí los objetos son transformados en personajes en sí. Vemos una vez más esa expresividad y cómo los productos son dotados de vida de nuevo. Se busca animar la función que realizan.

“En la sociedad actual, que los teóricos llaman postindustrial, los grandes mercados de masas han desaparecido. Han sido reemplazados por un mercado policéntrico, es decir, por varios mercados sectoriales organizados alrededor de grupos culturales con diferentes lenguajes, tradiciones y comportamientos. El nuevo diseño se propone identificar productos que no son para todos, sino que al contrario son capaces de elegir a sus propios usuarios: el objeto es una cultura específica y los productos, por tanto, tienen fuertes connotaciones culturales.”- Andrea Branzi

Como vemos ahora habrá un cambio completo de la interacción con el público y los objetos. No se buscará tanto el que vayan bien para todos o sean adecuados para todo el mundo, sino que han sido desplazados.

Se ven esos nuevos diseños de productos que no son para todos sino que escogen a sus propios usuarios.

Son productos con una fuerte connotación cultural.

El usuario a la hora de relacionarse con estos productos escoge en función del mensaje que transmite y lo que empatiza con el usuario.

Hay una gran diferencia del nuevo mensaje connotado a ese más distante al que veíamos en la escuela de Ulm por ejemplo.

Un gran ejemplo de esto son los objetos realizados por Escottsass que realizará objetos para Memphis, 1981-88:

-Ettore Scottsass, Lámpara Ashoka, 1982:

Estos objetos muestran relaciones muy complejas y significados que enlazan o connotan a otra cosa como aquí a una cabra por ejemplo.

-Michael Graves, Esmerald, 1985:

Veremos también ese frecuente uso de los plásticos y de los nuevos materiales.

-Apartamento de Karl Lagerfeld, Montecarlo, 1983:

En el apartamento de Lagerfield se decora todo con esas piezas generando así una

nueva manera de entender el interior doméstico.

Vemos además un entorno mucho más neutro porque los muebles ya en sí están muy cargados y serán grandes ejemplos de cómo se aplicará el diseño gráfico.

Algún ejemplo de esa gráfica aplicada:

-Portada de Brochure para Geigy, 1966:

En esta época tomará una gran importancia escuelas como la escuela gráfica suiza, donde en sus diseños la expresividad prima sobre la comprensión o legibilidad de los mensajes.

Será todo un juego mucho más formal que de comunicación como ya veíamos aplicada a los productos o edificios.

Casi cuesta hasta leer los mensajes y habrá una gran individualidad de las formas y de las composiciones.

-Rosemarie Tissi, Zurich Tipografías Sinaloa, 1972:

Veremos como ya los juegos tipográficos serán expresivos en sí mismos.

-Wolfgang Weingart, cartel 1982-83:

-Manhatan Design, Logo MTV, 1980:

Un ejemplo de logo que será muy representativo y que expresa mu bien estos ideales e el de MTV.

Vemos como hay una gran reivindicación de la individuad y esto se hace partir de un concurso en le que se permitía a los usuarios tunear el propio logo para identificarse más con él pero logran que no se pierda la reconocibilidad de la empresa.

“Todas las tentativas de estar “fuera”, todas las tentativas de proyectar culturas fuera o al lado de la cultura industrial han fracasado en mayor o menor medida por ahora, absorbidas, fagocitadas por el ímpetu, por la potencia bárbara y las inolvidables añagazas e la cultura industrial.”- Ettore Sottsass, Carta a los diseñadores, 1988

Vemos por lo tanto cómo este movimiento había queridos servir de crítica y cómo se acaba convirtiendo en mainstream y se ha inundado de las lógicas de mercado del mundo contemporáneo en el que cualquier valor es utilizado como estrategia para aumentar en los productos esas filosofías dominadas por el marketing comercial.

LOS NUEVOS CAMINOS DEL ARTE (1960-80):

En esta época surgirán además nuevos movimientos artísticos que serán de gran relevancia.

Entre ellos surgirá el arte conceptual que se caracteriza por ese predominio de la idea o concepto sobre la forma de la obra. Invita a la reflexión sobre la idea que transmite muchas veces impuesta por la propia percepción de la obra. Se caracterizarán por usar nuevos medios como herramienta artística incluyendo a la industria por ejemplo. Dentro de este movimiento predominarán el minimalismo y el Land Art.

El land Art se caracteriza por el uso del propio paisaje y naturaleza como material artístico. El artista interactúa en el paisaje modificando o intensificando en cierto modo su naturaleza. Esto nos puede recordar en cierta medida a la concepción japonesa de lo natural que veíamos en los principios metabolistas. Este movimiento será muy relacionado con al espiritualidad.

Dentro de estos movimientos artísticos surgirán muchos como motivo de crítica social como vemos con el grupo Fluxus por ejemplo. Fluxus, a diferencia del arte conceptual, retornará a la realidad haciendo una referencia directa a esta como veíamos en otros movimientos como el pop art. Será reivindicativo y presentará nuevos medios de expresión que a veces se relacionarán con el Movimiento abstracto norteamericano. Se caracterizarán entre otras cosas por el uso del vídeo arte.

Dentro de estos movimientos de crítica social veremos otros como el arte povera, que como los planes de reformas y reconstrucción tras la guerra mundial, se caracterizarán por el uso de materiales de connotaciones pobres, aunque aquí se llevarán estas ideas al extremo usando incluso desechos y a modo de crítica.

Además surgirán otros medios mucho más cercanos al pueblo y en este caso al vandalismo como es el grafiti con Banksi como principal representante. Se usará ese medio para transmitir de un modo muy irónico, tono que ya veíamos en el pop art, las críticas sociales que al mismo tiempo irá muy en relación con los modos de expresión de la publicidad actual.

Otras de las ideas que más se mostrarán en el arte de la época es al reflexión acerca del cuerpo y el género. El cuerpo empezará a ser tratado como objeto de reflexión especialmente centrándose y criticando esas visiones ideales que a lo largo de toda la historia de arte se han demostrado y que ahora también se ven en la publicidad de un modo aún más evidente.

El arte invitará a la reflexión sobre el cuerpo a partir de formatos como la performance que ya habíamos visto en el Dadaismo por ejemplo. Este modo artístico abre la posibilidad de generar una interacción y un diálogo más evidente con el público.

Por otra parte, como decimos, también se tratará mucho el tema del género especialmente criticando la falta de reconocimiento de la mujer en el mundo artístico y de la coacción que sufre en la sociedad.

MINDMAP PREVIO:

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–1960-80:

Estas serán décadas muy importantes en el mundo del arte. Aparecerán fenómenos nuevos dentro del mundo artístico, el arte explora dimensiones que no habían sido tocadas por el discurso artístico, por lo tanto será un momento innovador y creativo.

-REFLEXIONES OBJETO:

. ARTE CONCEPTUAL:

A lo largo del siglo xx se ha aproximado la idea de que lo importante de la obra de arte no es la habilidad del artista y lo que hace el autor, el valor de la obra se centra en la propuesta que hay detrás, es decir que lo importante pasa a ser la idea. A partir de esto aparecerán movimientos artísticos como le arte conceptual que se caracteriza justamente porque la conceptualización o la idea es más importante que la obra de arte en tanto objeto físico. El aspecto artístico importante es el concepto que muestra, favoreciendo la reducción a lo mental y prescindiendo de la realización material, la técnica que se use para representarlo será algo mucho más insignificante e indiferente. SE caracteriza además por la ruptura de la tradición y la tendencia a la geometrización.

“En el arte conceptual la idea o concepto es el aspecto más importante de la obra. Cuando el artista se vale de una forma de arte conceptual, significa que todo el proyecto y las decisiones se establecen primero y la ejecución es un hecho mecánico. La idea se convierte en una máquina que produce arte” -Marchán Fiz 1986

En estas obras se centran en un concepto a modo de expresión de un pensamiento que se materializa visualmente. Bajo estos principios empezarán a aparecer obras como la siguiente de Joseph Kosuth:

Joseph Kosuth: (EE. UU. 1945):

Es uno de los líderes más importantes del arte conceptual y tomará el tema artístico como un problema filosófico y lingüístico. Será uno de los artistas que más hablen o pongan en duda el mundo de la cultura sobre el rol de la comunicación y el lenguaje, sobre los procesos lingüísticos y cómo se establecen en la comunicación.

«El arte que yo denomino conceptual lo es porque se basa en una investigación en torno a la naturaleza del arte» Joseph Kosuth

Una de sus obras más conocida será:

-Joseph Kosuth, One and three chairs, 1965.

En esta obra de Kosuth es una de las primeras obras conceptuales que realizó y propone otra reflexión sobre el objeto y cómo podemos interpretarlo y leerlo de múltiples maneras o a través de distintos canales pero preguntándose cual es el que hace que el objeto sea más real.

Vemos en una misma obra tres perspectivas distintas:

Vemos una silla real, refiriéndonos el objeto concreto con el cual podemos apreciar el material y la construcción de la pieza física.

Luego encontramos la fotografía de la silla, donde se capta alguno de los valores del objeto a través de un proceso mecánico.

Y por último una definición, una descripción verbal, aquí usa únicamente el lenguaje explicando qué es una silla.

De este modo nos presenta tres formas distintas de visualizar y representar un mismo objeto a partir de un código objetual, un código visual y un código verbal.

De este modo nos invita a reflexionar sobre cuál es el mejor modo de representar un objeto y si una de las representaciones es más “verídica” que las otras.

Otra performance del arte como algo que no es materializable es la siguiente:

-On Kawara, One Million Years, Past, 1970-71; and Future, 1980:

Kawara es un artista japonés que a lo largo de su carrera se ha centrado mucho en el tiempo, es algo que a veces es percibido pero que al mismo tiempo muchas veces se nos escapa. En estas series habla del tiempo pasado y el tiempo futuro.

Ambas series constan de un conjunto de veinte archivadores cada uno con doscientas páginas en las que On Kawara mecanografió las fechas de un millón de años pasados y las de un millón de años hacia el futuro. El artista le dedicó entre seis y siete horas diarias a la elaboración de estos volúmenes.

La obra por lo tanto consiste en leer uno tras otro la secuencia de un millón de años mostrando y evidenciando que es una concepción del tiempo tan amplia que se nos escapa.

Al leerlo la persona es más capaz de tomar conciencia de lo largo que son 1 millón de años y ayuda a percibir o valorar más el paso del tiempo, intentando ser más consciente.

Otras obras conceptuales que fueron importantes en la época:

-Robert Morris, Instalación en la Galería Leo Castelli, New York: Sin Título (Tres vigas en L), 1965-66:

Robert Morris (1931-2018) fue un escultor estadounidense, artista conceptual y escritor y es considerado como uno de los teóricos más destacados del Minimalismo

Esta es una obra que realizó en la instalación Green Gallery y es una de sus muestras de minimalismo. El minimalismo se caracteriza por reducir a lo esencial y por despojar a las obras de los elementos sobrantes. Surge en los Estados Unidos a comienzos de la década de 1960 y junto con el pop art serán las dos representaciones propiamente más americanas hablando artísticamente. El minimalismo se centra en objetos que son sobre todo percibidos y tiene una función artística y de interacción con el espectador, como hemos dicho busa mostrar lo más elemental, la mínima expresión.

En estas obras no hay nada más detrás de lo que estamos viendo

Busca que la mirada se centre en la percepción de una manera del objeto, como vemos en esta obra. Esta percepción cambiará según la posición del observador respecto al objeto. Los objetos por lo tanto, establecen una forma de ser observados y determinará la forma de interacción del usuario.

Algunas otras obras de la época:

-Donald Judd, Sin Título, 1969, 1973, 1989:

Otro artista que se vinculará con el movimiento minimalista será Donald Judd (1928-1994).

La obra del artista se basa en una constante búsqueda por la claridad del objeto construido sin mostrar una jerarquía aparente. En su trabajo predomina la serialidad y la repetición. Usará formas que no requieren de una intervención técnicas, es decir, que usará piezas en serie de producción industrial intentando acentuar la idea de monumentalidad.

De este modo consigue apelar también a la voluntad de percepción del espectador.

“Half or more of the best new york in the last few years has been neither painting nor sculptura. (…)

Another reason for listing the insufficiencies of painting and sculpture first is that both are familiar and their elements and qualities more easily located. (…) The main things wrong with painting is that it isa rectangular plane p`laced flat against the wall. A rectangle is a shape itself; it is obviously the whole shape; it determines and limits the arrangement of whatever i son or inside of it.

(…)

The use of three dimensions makes it posible to use all shorts of materials, either recent inventions or things not used before in art. Little was done until lately with the wide range ofindustrial products. Almost nothing has been done with industrial techniques and, because of the cost, probably won’t be for some time. Art could be massproduced, and possibilities itherwise unvaiable, such as stamping, could be used.” -Donald Judd, Specific Objects, Arts Yearbook 8, 1965.

Judd criticaba que la pintura y la escultura eran las formas de arte más utilizadas pero para él tenían unas grandes limitaciones que limitaban esa exploración de los objetos en la dimensión material haciendo que el resto de objeto no pudiesen ser consideradas como objetos artísticos.

Donald Judd en cambio ampliará los recursos técnicos del arte incorporando a la industria.

Con esta introducción ellos productos industriales reivindicaba que la intervención del artista no tiene por qué ser manualmente con respecto a la materia, es decir, el artista es quién determina la obra, pero las piezas no han de estar hechas necesariamente por artistas.

A partir de esta disposición de las piezas de origen industrial llegará a una dimensión más amplia y paisajística de la disposición de estas piezas:

-Donald Judd, Marfa, Texas:

Este espacio era un rancho originalmente pero lo usará para llevar sus obras a una escala mayor.

Otro artista relevante será:

Dan Flavin: (1933-1996)

Fue otro artista conceptual minimalista, pero fue el primero que empezó a usar la luz como elemento de expresión artística, no es que no se usase antes, pero será el primero que usará elementos luminosos hechos con luces fluorescentes como instrumentos artísticos.

-Dan Flavin, Monument 1 for V. Tatlin, 1964:

Como vemos sus obras primero conectarán con un discurso más propio del discurso ruso constructivista como el de Tatlin

-An artificial barrier of blue, red and green fluorescent light, 1968:

Estas obras son hechas con piezas ready make también, mostrando así las ideas de producción en masa y consumismo.

Sus montajes le permiten interactuar con el espacio y modificarlo con la luz creando sí unos efectos ópticos muy sorprendentes con el uso de unos pocos colores de luz. Por lo tanto, también lo connotan de características cromáticas nuevas.

Algunas de sus instalaciones artísticas más recientes son las siguientes:

-Dan Flavin, Sin título (In honor to Harold Joachim) 3, 1977:

-Dan Flavin, Untitled (to my dear bitch, Airily), 1981:

Sigue desarrollando esos conceptos buscando cada vez gamas cromáticas más ricas y obras más complejas que sean visualmente muy atractivas.

Dentro de esta línea de arte minimalista vemos a otros artistas como:

Carl Andre: (1935)

Es un escultor y poeta y una de las figuras más relevantes dentro del minimalismo estadounidense.

-Lever, 1966:

Andre actuará con el nivel del suelo jugando con cómo los materiales transforman la percepción del espacio creando poemas visuales.  Aquí también vemos la estandarización y uso de piezas industriales eliminando la huella del artista. Andre actúa influenciando en la manera de actuar de los espectadores de la obra, generando ciertas limitaciones espaciales a través de las piezas geométricas.

Pero además incorporará la idea de interacción con la obra. Esto lo veremos por ejemplo en que algunas de sus obras podrán ser pisadas por lo tanto no se limitará al campo tradicional visual sino que cambia el modo de interacción.

Otros artistas que mostrarán la idea de intervención con los objetos del minimalismo serán:

–Richard Long: (1945)

Long es un escultor, fotógrafo y pintor inglés, uno de los artistas de land art británicos más conocidos.

El Land Art es una corriente del arte contemporáneo en la que el paisaje pasa a estar muy unido a la obra de arte. Los artistas utilizan a la naturaleza como material para intervenir en sí misma. La obra final es generada a partir del propio lugar en el que se ha intervenido de alguna manera. El paisaje por lo tanto juega un papel cada vez más determinante en las obras artísticas.

Alguna de las obras más importantes de Long que serán parte de este movimiento Land Art son:

-A line in the Himalayas, 1975 /Sahara Line, 1988:

En estas obras vemos como Long enlaza con la idea de arte como fenómeno ancestral se ve cierta concepción del hombre que nos remite a la relación con el universo y la divinidad que muchas veces se ha visto incluida en la naturaleza. Hay cierto primitivismo en esta concepción espiritual.

La intervención del artista en estos casos consiste en recorrer el paisaje e ir transformando el entorno con los materiales que se encuentra en el propio lugar. No lo hace a partir de cosas que lleve consigo sino que como decimos, utiliza esas propias piezas del entorno.

Vemos esa referencia a la geometrización que es un gesto muy humano.

En estas obras vemos una línea que apunta a una cumbre de las montañas. Esto evidentemente no es lago casual, la cumbre de la montaña es un elemento singular del paisaje que en las culturas antiguas ha sido ensalzado y considerado como una divinidad, por lo tanto, es un hito paisajístico.

Ya en la Antigua Grecia a la posición de los templos estaba escogida según la ubicación de los paisajes, es decir, se tenían en cuenta la representación de la naturaleza a la cual estaban dedicados esos templos. Por lo tanto ya allí la ubicación entraba en sintonía con la manifestación de los dioses y de la naturaleza.

Muchas de estas intervenciones seguían esa misma intención, es por ello por lo que decimos que hay cierto primitivismo, porque se vuelve a querer representar esos mismos principios que se tenían en cuenta.

-Richard Long, Ireland, 1967:

Jugará con otras formas pero transmitiendo los mismos ideales.

Otro artista será Michael Heizer (1944):

Es otro de los grandes representantes del Land Art y su trabajo refleja una clara pasión por el paisaje. Trabajará sobre todo utilizando la tierra como material con un gran potencial ya que entiende que la tierra es el origen de todo material. Trabajará a partir de la excavación como vemos en:

-Michael Heizer, Double Negative, Virgn River Mesa, Desierto de Mohave, Nevada, 1969-70:

Se pone en relación el proceso de erosión natural del propio paisaje, trabajando así en una gran escala. Pondrá en relación ese proceso de la naturaleza de erosión con otra acción que es una excavación artificial generando así lo que él describe como una línea en negativo. Esa será la acción humana generando así una manera de intervenir que pone en relación con la natural haciendo que la obra esté sujeta a un proceso doble comparando la naturalidad y la artificialidad humana.

En este caso la línea solo puede ser percibida visualmente.

Esta forma de actuar interactuar con las líneas del paisaje recuerda a las líneas de Nazca de Perú :

-Líneas Nazca, Perú, 400-650 d.C:

También son a gran escala en el paisaje.

Otros artistas que trabajan en la misma línea serán:

James Turrell: (1943)

La obra de este artista más importante será la que realizará en un cráter de un volcán apagado. Trabajó modificando el cráter y añadiendo excavaciones con las cuales se llegaba al centro del cono volcánico como vemos en las imágenes:

-James Turrell, Roden Crater, 1974:

Quiso actuar en la naturaleza del paisaje del volcán para transformarlo en un observatorio celestial. A partir de una construcción de túneles consiguió cambiar la percepción del volcán logrando una visión sorprendente del paisaje.

Aquí también se ve una reconexión con la dimensión natural y cósmica, vemos cierta espiritualidad en la concepción del espacio.

Con la intervención artística logra arquitectónicamente modificar el paisaje.

Como decíamos esto muestra cierta conexión con los orígenes de la arquitectura y los rituales más primitivos. Busca de un como evidente revelar esa dimensión espiritual del hombre.

Jugará incluso con el hecho de que en algunos momentos del año la luz incide en la arquitectura generando unos fenómenos visualmente muy asombrosos y consiguiendo así unos grandes efectos luminosos como con las pirámides egipcias.

Otros artistas que jugarán con la representación arística de la naturaleza serán:

-Walter de María, Lightining Field, Quemado, New Mexico, 1974-77:

Walter de María trabaja provocando que la obra desencadene y forme parte de un fenómeno natural logrando que todo ello se eleve a la categoría de obra artística y sea admirada por su belleza. Esta obra es de un formato muy grande y se ubica en una zona desértica en Nuevo Méjico. La obra consiste en un grupo de estacas metálicas colocado de forma geométrica y regular en el terreno.

Cuando se desatan tormentas eléctricas estas estacas funciona a modo de atractores y hacen que caigan una gran cantidad de rayos concentradas en esta zona de terreno. Todo el lugar se convierte en algo aterrador pero de una gran belleza, dejando que la propia naturaleza desate su potencia.

Otras obras que siguen el mismo discurso:

-Robert Smithson, Spiral Jetty, Gran Lago Salado, Utah, 1970:

Esta obra es un gran muelle en forma de espiral que se adentra en el lago y que gira en sentido contrario a las agujas del reloj. También es una obra perteneciente del Land Art y se va modificando a causa del paisaje ya que el agua actúa sobre esta dejandola incluso en algunos momentos del año totalmente sumergida.

La forma de espiral ha tenido muchas reminiscencias a lo largo de la historia. En muchas culturas ha sido concebida como la vida y el sol.

Además, es una forma que presenta una doble posibilidad de recorrido, es decir, un doble movimiento.

Además presenta también una conexión con la forma del universo y de las galaxias. Por lo tanto vemos una vez más todas esas referencias a la espiritualidad.

Puede además ser percibida como forma aérea y visualizada des del cielo.

Otras teorías han dicho que la forma en espiral remitía también a la cultura local ya que dicen que hay un torbellino en el lago que permite acceder al interior de a tierra, es decir que funciona a modo de portal.

Otros artistas de gran renombre:

-Christo y Jeanne-Claude, Valley Curtain, Rifle Gap, Colorado, 1970; Running Fence, 1973-76:

Estos artistas serán conocidos por realizar intervenciones en el paisaje a partir de lonas o telas, generando así líneas que intervienen modificando la estructura natural del paisaje.

Las líneas textiles que usarán llegarán a medir incluso km, recordando así a construcciones como la gran muralla china, por ejemplo.

De este modo potenciarán la expresión del material jugando también con el cromatismo de las telas y viendo como este actúa sobre el paisaje.

Estas telas nos remiten y nos recuerdan a construcciones como presas.

Adeás estos artistas llevarán a cabo intervenciones en entornos urbanos, buscando modificar la percepción del lugar:

-Arboles cubiertos, Basilea, 1998:

Vemos aquí cómo con las telas en los árboles juegan con el cómo ondean en el viento remitiendo también a los propios follajes de los árboles pero acentuando así la percepción de los observadores sobre estos. Será por lo tanto como una metáfora con el follaje de las hojas.

-Reichstag, Berlín, 1995:

Estos serán otros de los proyectos que realizarán donde se dedicarán a envolver edificios y monumentos. Las obras se transforman cuando son envueltas, hay aspectos que se reconocen y otros que no, eso hace reflexionar también y acentuar esa percepción sobre las formas.

-En esta época también será usado el arte como crítica social:

–FLUXUS:

Es un movimiento que se desarrolló en Norteamérica y Europa muy importante que se dio principalmente en las artes visuales pero también en música, literatura y danza. Llegó a su punto más álgido en las décadas de los 60s y 70s. El Fluxus puede ser entendido como el contrincante del pop art en el momento.

«antes que todo un estado del espíritu, un modo de vida impregnado de una soberbia libertad de pensar, de expresar y de elegir. De cierta manera Fluxus nunca existió, no sabemos cuándo nació, luego no hay razón para que termine» -Robert Filliou

A diferencia del arte conceptual muestra una referencia directa e inmediata con la realidad cotidiana.

-Georges Maciunas, Manifiesto de Fluxus, 1963:

“Fluxus-arte-diversión debe ser simple, entretenido y sin pretensiones, tratar temas triviales, sin necesidad de dominar técnicas especiales ni realizar innumerables ensayos y sin aspirar a tener ningún tipo de valor comercial o institucional”- Georges Maciunas

Se redactó un manifiesto del Fluxus donde llamaban a la acción en la propia realidad, a diferencia de lo que se estaba viendo en el arte conceptual.

Se inspiraba en el dada, llevando a cabo acciones reivindicativas, performance y actuaciones y arte con una gran actitud revolucionaria. Ellos entendían que el arte no había de ser confinado en las galerías ni puesto como objeto de mercado, no era propio de las altas instituciones sino que es algo que involucra a cualquier persona. Fluxus por lo tanto, fue un movimiento que llegó a abrir una tienda donde podías adquirir obras de pequeños formatos y también arte incluso postal. Cambiaron la concepción y formatos tradicionales en los que “consumir” arte.

-Tienda Fluxus o FluxShop, Amsterdam, 1964-65:

–

Ellos defendían que una obra de arte también podía viajar en esos medios y introducirán la idea de obras de arte portátiles como la que vemos aquí. Además realizarán performance como por ejemplo destruir un piano y estarán en contacto con el diseño gráfico creando nuevas familias tipográficas según sus intereses, acercando así el arte a la gente.

Para el grupo Fluxus muy importante lo de convertirse en los propios activistas de arte, añadiendo así un valor reivindicativo:

-Skigeko Kubota, Vagina Painting, 1965:

 Aquí vemos esa reivindicación en el hecho de pintar una obra con su propia vagina, luchando y protestando así también contra temas del momento como el machismo o la violencia de género.

Lo hace del mismo modo que Pollock pinta sus obras, alude al action painting y al hecho de que el pintar ya sea como una performance en sí:

Otro ámbito y medio que surgirá en la época será el video arte:

-Videorecorder Sony. 1964-67:

Sony lanzará precisamente en esa época al mercado las primeras cámaras de video, haciendo así que la captación de imágenes sea una forma más de documentación a la que todo el mundo tenía acceso, sin ser expertos, habiendo así que se pudiera convertir en un instrumento más de creación artística.

Nacerá por lo tanto lo que se conocerá des de ese momento como video arte el cual será muy usado por el grupo Fluxus. Algunos de los artistas que más usarán este medio serán:

Nam June Paik (1932-2006)

Fue un compositor y videoartista surcoreano de la segunda mitad del siglo XX Y fue uno de los miembros del grupo Fluxus. Realizó muchas obras entre las cuales encontramos:

-Nam June Paik, TV Chair, 1968:

Como decimos será uno de los pioneros del videoarte incorporando el hecho de modificaba la proyección de sus imágenes en muchas de las ocasiones como vemos saquí por ejemplo, a través de unos imanes.

Con esto incitaba a una reflexión de cómo el mass media, es decir la publicidad, interfería en el modo en el que se percibían las imágenes. Esta idea también la expresará con la siguiente obra:

-Tv buddha, Galería Bonino, New York, 1974:

Exponía la mediatización con el buddha y al comparaba con la contemplación que hacemos de la pantalla de la televisión como nuevo elemento donde se dan casi lo que se puede denominar rituales. Con ello incitaba a la reflexión en este aspecto y con respecto al consumo de estas tecnologías.

Relacionada con esta idea también hará otras obras como:

-Charlotte Moorman, TV Cello, 1976:

Esta es otra que realizó y que consistía en un tv cello. Con ella proponía una humanización de la tecnología, no solo se quedaba en la crítica sino que era una manifestación y un modo de humanizar la tecnología y hacerla más tecnología. Con respecto a esta obra dijo:

“Utilizando la televisión como un sujetador, como una de las prendas más íntimas de un ser humano, demostraremos que la tecnología está al servicio del hombre y estimularemos la imaginación del espectador, pero no de una manera inconfesable, sino incitándole a buscar nuevas, imaginativas y humanistas formas de utilizar la tecnología.” -Nam June Paik, 1969

Algunas otras instalaciones más recientes que realizó fueron:

-Electronic Superhighway:

En esta obra vemos ya esa instalación de los nuevos medios de comunicaciones en el espacio electrónico además de ver las ideas del automóvil y la interconexión como hecho súper fundamental en nuestra cultura.

Otros grupos que en la época adquirían posturas más críticas será por ejemplo Ant Farm.

Ant Farm fue un grupo de arquitectos que se dio en Norteamérica y que se unieron para fundar así un grupo alrededor del 1968. Estaban fascinados por los coches y la cultura pop y se expresaron a partir de la realización de vídeos, manifiesto y performances hasta el año 1978 que es cuando se acabó el grupo. Entre sus creaciones más destacadas encontramos:

-Ant Farm, Media Burn, 1975:

Utilizaron un Cadillac que era uno de los coches más emblemáticos de la cultura americana del momento y lo modificaron para que pareciese una nave espacial y lo lanzaron conta una barrera de televisiones. Todo esto lo grabaron a modo de denuncia del condicionamiento de este aparato sobre las masas.

En ese momento además se estará dando en Europa un nuevo movimiento conocido como Arte Povera o pobre:

El arte povera surgirá en Italia y será un movimiento que se caracterizará por el uso de materiales humildes y pobres, generalmente no industriales como plantas, sacos de lona, grasas, cuerdas, tierra o troncos. Estos materiales se valoran principalmente por sus cambios, ya que a medida que se van deteriorando, transforman la obra.

Además defendían el uso de materiales procedentes de la vida cotidiana como restos basura o deshechos y se redirigían a contrastar con el predominio del arte americano y el pop que se estaba viendo en le momento.

Aquí se ponía como centro el valor de la artesanía, del valor manual, haciendo al mismo tiempo una crítica a la sociedad contemporánea.

Una de las obras más relevantes será:

-La venus de los harapos, 1967, Michelangelo Pistoletto:

Esta obra muestra un claro contraste entre la escultura clásica ideal de belleza junto con lo que contempla que es un cumulo de vestidos usados, es decir de basura. Llamamos basura a aquello que ya no nos apetece llevar, poniendo así en evidencia que nos hemos convertido en parte de ese sistema de la sociedad de consumo donde los objetos son basura por hechos pocos comprensibles. Sin embargo el cuerpo no tiene que ser adornado, como el de la venus, se afirma por lo tanto un discurso a distancia entre los dos ideales, entre una sociedad que busca la impermanencia contra lo efímero. Pero al mismo tiempo, se manifiesta también la imposibilidad ya que al final esta venus no es una escultura clásica, sino una copia barata que de hecho solían estar en ese momento en todos los jardines, ejemplificando así también efecto de la cultura de consumo.

Otras obras relacionadas con estas ideas serán:

-Jannis Kounellis, 12 cavalli, 1969:

En esta obra se muestra la idea de arte como producto con valor en el mercado. En esta obra se ponían 12 caballos reales, es decir, no esculturas, generando así una critica al hecho de que no es una obra que pueda ser reproducida sino que es perecedera, no tiene valor en sí, no se puede comprar como el resto de las obras del momento, como mucho se puede documentar con fotografías o vídeos pero es algo perecedero y busca desmotar o proponer otras formas de consumo.

En relación con esta obra vemos también la realizada por:

-Giuseppe Penone, Albero di 8 metri, 1969:

Giuseppe buscará generar una reflexión sobre la pobreza de los materiales y lo que ocultan en el interior.

Esto se ve por ejemplo con esta viga de madera en la que muestra lo que encierra, la memoria del árbol al cual pertenecía. El artista busca sacar esto a la luz con un proceso de deconstrucción del material mostrando el tronco, como si fuese un fósil natural. Aquí la intervención humana revela las nuevas características de ese material.

Otro artista relevante en este contexto artístico será:

–Mario Merz (1925-2003)

Fue un artista italiano que como decimos se relacionó con el arte povera. Ha pasado a la fama sobre todo por sus iglués como el siguiente que vemos:

-Objeto, escóndete, 1968-77:

En estas obras con forma de un iglú hacía una referencia a la cultura nómada mostrando así otra forma de relacionarse con el territorio y hablando de la movilidad.

Los iglúes son construcción que se realizan con los materiales de los que dispone la gente en el lugar y Merz usará esta forma para mostrar una relación entre espacio protegido y el exterior que es el de interacción con el usuario. Realizará numerosos iguales con la isma estructura pero variando el formato y lo que representa cada uno.

En las obras de Merz muchas veces estos iglús que realiza tienen un texto o frase, con elementos luminosos como el que vemos aquí donde pone “objeto escóndete”. Con esto critica el protagonizo de los objetos en la sociedad consumista y materialista contemporánea.

Relacionado con el movimiento povera vemos la cultura del Grafiti :

Estas pinturas están hechas en espacios públicos y destacan por la ilegalidad. En esta época se popularizará este método a modo de protesta. Son las otras formas que nacen como manifestación, sobre todo en las grandes ciudades donde vemos un gran número de colectivos que se sienten marginados. Es un modo de criticar precisamente que estas formas de construcción de espacio público son algo definido y que no dejan espacio para la expresión de la individualidad.

Este será un modo de intervenir en esos ámbitos que eran más marginales y se usarán para reivindicar ese espacio humano que creen que merecen.

Encontraremos muchos artistas entre los cuales destaca:

–Banksy, 2006:

Banksy es el seudónimo de un artista de arte urbano británico. De desconoce su identidad. Se caracteriza por llevar a cabo grafitis con tonos satíricos sobre la política y cultura del momento. Su obra la realiza a partir del esténcil y aunque son imágenes sencillas son muy impactantes y consigue trasmitir justo lo que busca. Estos son algunos de sus grafitis:

Busca transmitir mensajes que van en contacto de cómo son usados o infrautilizados esos espacios, es decir tiene muy en cuenta el entorno y lo usa para desarrollar sus grafitis.

Como decimos a veces son muy sencillos pero muy ingeniosos.

Otro artista que usó esta técnica y con el que se ha relacionado mucho  a Banksy era  Blek le Rat:

«Cada vez que creo que he pintado algo ligeramente original, me doy cuenta de que Blek le Rat lo hizo mejor, sólo que veinte años antes«.- Banksy

–Bleck Le Rat, 1981:

Fue un artista de grafiti parisino. Su nombre es Xavier Prou pero recibió este nombre tras dibujar ratas por toda la ciudad.

“Intento exponer las mejores cosas de la vida mediante inesperadas imágenes que distraen y deleitan a los peatones, sacándolos de sus preocupaciones cotidianas. A pesar de las represalias por parte de la policía en contra del graffiti, continuaré asaltando las calles en la oscuridad, ya que para mí, llevar el trabajo directamente a las calles es parte primordial de la evolución del arte…”-BLEK Le Rat.

Se ve una clara influencia de este artista en Banksy.

Una de las últimas obras que llevó a caboo elartista y que fue una de las más reivindicativas fue:

-Banksy, autodestrucción programada de la obra “Niña con Globo” después de ser vendida en subasta en Sotheby’s, 2018:

Como decimos fue una de las intervenciones más polémicas de Banksy. Cuando se estaba vendiendo una de sus obras “Niña con globo”, al final de la subasta la obra se autodestruyó a partir de una trituradora colocada en el propio marco del cuadro.

Esto fue performance en sí misma. Al día siguiente se volvió a presentar la obra ya que no se destruyó del todo y fue vuelta a presentar convertida en otra obra a la que llamaron:

-Love is in the bin, 2018:

Este simple hecho hizo aumentar el valor de la pieza.

Con esto Banksy jugó con la referencia de la obra de arte y con el hecho de que el valor de la obra depende de unos mecanismos de mercado y de intervenciones sobre la propia obra.

Otro grupo relevante es este contexto son:

Adbusters(1989)

Esta es una organización anticapitalista que busca llevar a cabo un ataque a los medios de comunicación y de la filosofía consumista que estos promulgan. Su objetivo es utilizar la publicidad como un medio de comunicación de ideas y compensar así la manipulación que ejerce la publicidad sobre la sociedad.

Algunas de las publicaciones que realizaban eran las siguientes:

-Adbusters, Cateles para el Buy Nothing Day:

Esta organización se convierte en una operación de modificación de los sentidos contra el marketing contemporáneo y su manipulación.

Llevarán a cabo grandes campañas de reflexión sobre los mensajes del marketing. Como vemos en las siguientes  :

-Culture jamming sobre bebidas, 2014:

-Culture jamming sobre os anuncios de perfume Calvin Klein:

Llevarán a cabo lo que se conoce como culture jamming que busca ironizar sobre la naturaleza de la posición cultural, en este caso de las marcas o grupos para criticar la “falsa” imagen que muestran sobre el producto que pormocionan.

Estas intervenciones no se han de confundir con las llevadas a cabo desde el propio marketing para imponer una imagen que se entiende como publicidad de guerrilla:

“el Marketing de Guerrilla se diferencia del Marketing tradicional del mismo modo que la guerrilla de la guerra tradicional. Más que trabajar con el presupuesto como una división de infantería, el Marketing de Guerrilla contraataca con todos sus recursos para obtener el máximo impacto” – Jay Conrad Levison

Lo que se plantea con estas medidas de publicidad es hasta qué punto las marcas intervienen en el espacio público con fines publicitarios.

En el último bloque de este tema vemos el

CUERPO Y GÉNERO

La imagen del cuerpo muchas veces ha sido usada como objeto de reflexión y como vehículo para manifestar unas ideas concretas, es decir, como herramienta. Esto se ha visto de un modo evidente en la propagandaa lo largo de la historia.

Durante la historia hemos visto muchas veces una visión idealizada cuerpo (adaptada a los ideales de belleza del momento).

En los regímenes totalitarios tuvieron un gran cuidado de realizar esta imagen del cuerpo idealizado además que la usaron muy frecuentemente como vemos aquí:

-Enrico de Debbio, Foro Mussolini, Roma, 1928-38:

Se ensalza la figura humana casi divinizando los cuerpos. Pero toda esta imagen idealizada se opone a otras imágenes del cuerpo humano que hemos visto destruido y torturado , es decir por culpa de acciones humanas, como con las víctimas de la bomba atómica de Hiroshima:

El arte propondrá imágenes muy diferentes a las del cuerpo idealizado como vemos por ejemplo en las obras de Alberto Giacometti:

-Alberto Giacometti, Trois hommes qui marchent, 1948

El propio Giacometti describía esta obra como “seres que se encuentran con sus soledades en el período inmediato de posguerra “

Esta será una imagen muy diferente del hombre a la que veíamos en el momento.

Otras obras en las que se representa en el mundo artístico el cuerpo humano de formas muy distintas:

-Jean Dubuffet, Voluntad de poder, 1946:

“Después del dadaísmo, aquí está el cacaísmo”, escribió el crítico-(el crítico)Henri Jeanson 

A este pinto se le define su estilo como “pintarrajeado infantil” vemos un retorno a un arte mucho más primitivo que busca mostrar una visión más problemática.

Otro artista que podemos relacionar con esto es:

-Francis Bacon:(1909- 1992)

Francis Bacon fue un famoso pintor de estilo figurativo idiosincrásico, es decir que jugaba con la herencia de las imágenes figurativas, y era muy caracterizado por el empleo de la deformación pictórica y gran ambigüedad en el uso de los planos. Entre estas deformaciones que producirá en la mayoría se centraba en el cuerpo humano y realizará obras como:

-The Studies for Figures at the Base of Crucifixion, 1944:

Vemos en estos cuadros de Bacon imágenes del cuerpo fragmentado, deformado, que son partes características de lo humano pero están desdibujadas y deformadas haciendo incluso que sean difíciles de reconocer.

Dentro de estos cambios de representación y perspectiva del cuerpo humano jugarán un papel fundamental las performances:

Una performance es como una forma de llamar al juego del cuerpo del artista para expresar así un mensaje concreto. Esto se podría relacionar con otras manifestaciones que habíamos visto tiempo atrás como a los espectáculos del cabaret voltaire, del dadaísmo:

Jugaban con la presencia del artista en escena que será lo fundamental en estas obras.

Ahora se retomará este formato de representación artística y se popularizará como algo innovador. temporalidad esencial, efímera

La performance además muchas de las veces requieren de cierta interacción con el público y eso será algo nuevo porque en la mayoría de las veces las obras artísticas solo se pueden percibir, traen un discurso unidireccional pero con esto se abrirá la opción a dialogar con el público. Además de esta manera la obra está sujeta y es sensible de un modo mucho más evidente al tiempo.

Algunas de las performances más representativas que se producirán son:

-Joseph Beuys, Performnce How to Explain Pictures to a dead hare, 1965:

En esta obra el artista se encierra en la galería de arte y le explicaba los cuadros de la exposición a una liebre muerta que llevaba cargando en su regazo.

La cara de la artista además como percibimos en la imagen está recubierta de pan oro y miel que son materiales que a lo largo de la historia han sido muy relacionados con la fertilidad, la resurrección, y la vida tras la muerte. Estas son un poco las ideas con las que el artista busca jugar en la performance.

Otra performance que fue representativa en la época fue una de la artista japonesa Yoko Ono:

-Yoko Ono, Cut Piece, 1964-65:

En esta performance se ve claramente la acción del público ya que el público podía cortarle los vestidos que llevaba puesto la artista.

En esta obra se busca mostrar esa relación imprevista e improbable con las piezas del cuerpo además de que revela y pone en evidencia el valor del vestido como aspecto de construcción de la identidad de las personas.

El vestido funciona a modo de mediador entre el cuerpo desnudo y la manera en la que aparecemos en público. La obra muestra por lo tanto esa compleja relación del vestido y el gesto de destruirlo y muestra una metáfora en sí con el uso de las tijeras que son objeto de violencia.

Algunas otras performances en la misma línea que se llevarán a cabo:

-Marina Abrmovic, Rhytm o, 1974:

Aquí de nuevo la artista usaba esa interacción del público y dejaba su propio cuerpo expuesto, es decir, se exponía a las acciones que el propio público podía realizar con varios objetos que se dejaban allí.

La artista revelaba y llevaba al límite esa situación en esta obra, se mantenía indefensa a la acción imprevista del público con todo lo que eso pudiese conllevar.

Aquí vemos también de un modo muy evidente cómo se desarrollaba una acción doble, la de la propia artista y la del público que no tiene los frenos que suele haber en el ámbito de interacción social ni con el arte. Como decimos busca esa radicalización y llevar al límite esta interacción.

Fue una performance muy intensa.

Esta misma artista realizó otra performance relevante:

-Marina Abranmovic, The artista is present, MoMA, 2010:

En esta otra la artista se sentaba en una mesa y el público se podía sentar delante e interactuar con ella pero solo se llevaba a cabo un juego de miradas. Puede parecer una interacción más sencilla pero con poco lograba mucho.

Esta artista juega mucho con las situaciones llevadas al límite y aquí como decimos lo hace simplificando la interacción sin usar las palabras. Por lo tanto es una interacción en la que cualquier persona del mundo podría participar, la mirada es un lenguaje global.

Otras performances que veremos en el momento son algo más radicales como las de Gina Pane:

-Gina Pane, Psiché, 1974:

Esta artista lleva a cabo una acción algo más violenta llegando incluso a la auto lesión sobre su propio cuerpo. Esto es una exposición completa del cuerpo humano, habla mucho más de esa destrucción y fragilidad que veíamos en las víctimas de la bomba atómica y no de la idealización.

En la obra hacía fluir su sangre y con ello no solo revelaba la fragilidad el cuerpo también la del valor del sufrimiento como valor de la experiencia sensorial.

Veremos otras acciones dolorosas sobre el cuerpo de otros artistas como:

-Chris Burden, Trans-fixed, 1974:

Este artista se crucificó a sí mismo en un fiat 500. Con esto no solo juega con las ideas de sufrimiento y con toda la idiosincrasia que hay detrás de la imagen de la crucifixión de cristo, sino que además lo hace en un coche que es uno de los iconos del momento y uno de los más vendidos, abriendo así en el debate todas las ideas del mercado de consumo. No solo convierte al coche una vez más en un icono, si no que vemos cierta crítica ya que la cruz mató a cristo y aquí el coche nos habla del consumo en cierta medida.

Otro artista que centrará su discurso en el cuerpo humano y que usará las performances como formato artístico será:

-Stelios Arcadios, Third Hand, 1980-2002:

Arcadios fue por otro camino, hablando de la interacción con el propio cuerpo y la tecnología. Ponía en evidencia la idea del proceso de selección natural junto con esa referencia a la inteligencia artificial.

En esta obra la idea se refleja con la incorporación en su propio cuero de un tercer brazo mecánico abriendo a debate la importancia del momento contemporáneo de la tecnología y su nuevo horizonte en la evolución humana. El cómo los cuerpos humanos podrían evolucionar con la incorporación de la tecnología.

Planteaba por lo tanto otra reflexión es este nuevo territorio explorando las tecnologías digitales.

Hablará de esa síntesis de biotecnología y técnicas digitales.

Otro artista que nos mostrará una nueva perspectiva o interpretación del cuerpo es:

-John Coplans, 1985-2000:

Es un fotógrafo que busca mostrar una imagen no idealizada del cuerpo mostrando y ensalzando la fragilidad y materialidad del cuerpo. Vemos en sus imágenes además cómo observa el paso del tiempo sobre el cuerpo y cómo este se ve afectado. Es esa idea de sensibilidad ante el tiempo que vemos en las performances.

Son imágenes de cuerpos reales acentuados por el claro oscuro.

Otra performance algo más reivindicativa fue:

-Carolee Schneemann, Interior Scroll, 1975:

En esta performance la artista Schneemann no solo se exponía al completo su cuerpo, al desnudo, sino que además sacaba de su propio cuerpo, de la vagina, un texto poético.

Vemos en esta performance una reivindicación del cuerpo además en la idea el feminismo.

Vemos esa utilización de cosas que tienden a ser ocultas y reivindica el derecho a esa expresión.

Esta performance se enlaza con otras tendencias de reivindicar el protagonismo de las mujeres en el mundo el arte como vemos en grupos como las guerrillas girls:

–Guerrilla Girls, New York, 1985:

Las Guerrilla Girls es un colectivo artístico anónimo de artistas feministas y antirracistas. El grupo nació en Nueva York en el año 1985​ y se denominó así por usar en su activismo tácticas de la publicidad de guerrilla y que usarán para denunciar la discriminación de las mujeres en el arte.

Ellas defendían por lo tanto que el mundo del arte había estado dominado por los hombres y lo reivindicaban.

Lo harán exaltando y dando visualización a aquellas figuras que habían existido de mujeres que habían sido figuras de relevancia silenciadas o puestas en un segundo plano, y con esto como decimos, querían darles una mayor visibilidad reivindicando la acción y protagonismo de las mujeres.

Vemos como este principio de reivindicación será algo cada vez más evidente.

Veremos figuras como:

-Louise Bourgeois, Casa-mujer, 1994:

Será una de las personas más evidentes en esta reivindicación de la importancia de las mujeres en el mundo artístico.

Realizó muchas representaciones como la que vemos aquí de mujeres y un entorno doméstico ya que era el “entorno que les había correspondido” durante un largo periodo.

Vemos una escultura en un cuerpo femenino pero que en la cabeza en cambio el rostro queda ocultado por la máscara o volumen en forma de casa. Esta es una clara expresión de este concepto que quiere representar. Ese rol doméstico es lo que ha ocultado a la mujer tanto tiempo.

Realizará un gran número de esculturas con el mismo concepto, donde muestra a esta mujer vinculada y confinada al entorno doméstico y lo hará denunciándolo.

Otras obras que tratan temas como estos son:

-Judy Chicago, the dinner party, 1974-1979:

Esta es una exposición que se realizó en varios lugares.

La obra usa un triángulo como base jugando con todo lo que la forma representa como la espiritualidad y divinidad. Vemos una mesa dispuesta en esa forma triangular y encima 29 cubierto dedicado a las mujeres que habían tenido un papel fundamental en la cultura humana.

Esta imagen recuerda a la última cena, connotación con la que la artista también busca jugar. Los dos vehículos de expresión de la mesa son el bordado y la cerámica, por lo tanto vemos un claro vínculo con labores que se habían relacionado con el género femenino durante la historia. Se busca esa idea de estas mujeres importantes y esas labores, mostrando que han podido ir más allá d esas limitaciones o impartimento social.

Además, cada uno de los cubiertos está personalizado, exponiendo la personalidad de la mujer.

Otro personaje importante en esta representación del rol será:

El fotógrafo Robert Mapplethorpe:

-Brian Ridley and Lyle Heeter, 1979:

Fue un famoso fotógrafo de la época que jugará con la identidad de género generando cierta ambigüedad con la postura y las actitudes que han sido relacionadas con lo masculino o lo femenino.

Por lo tanto, en su obra se cuestiona muchas veces la identidad y el rol de cada género.

Además con su fotografía revelaba otros aspectos relacionados con otras prácticas sexuales

que se desvinculan de esa construcción lógica de la identidad y que revelaba a través del cuerpo artístico.

Otra artista que jugará con la imagen de la mujer:

-Cindy Stermann, United Film Stills, 1977:

Esta artista se disfrazará de figuras relevantes femeninas que han sido vistas en el mundo del cine hablando de cierto modo de nuevo de esos cuerpos ideales o impuestos por la publicidad y cine del momento.

Otra artista que tratará temas del cuerpo:

-Barbara Kruger:

Esta artista hablará del cuerpo como campo de batalla, no solo mostrará imágenes estereotipadas sino que también hará una clara referencia a la cultura de consumo.

En sus obras se revelaban los mensajes contradictorios que son construidos al rededor del cuerpo y de la industria de productos de belleza moda u otros implican que implican esa referencia al cuerpo.

Por último veremos una artista que llevará esto a un punto muy radical:

-Orlan (Mireille Suzanne Francette Porte) artista francesa, estrategias de post-identidad, 1990:

Orlan fue una artista francesa que se realizó y se sometió a numerosas operaciones de cirugía estética para adecuar la imagen de su rostro a los ideales de belleza que se veían en el mundo del arte, evidenciando la exageración, imposibilidad y casi “fealdad” de eso ideales tan irreales.

En este caso, ella misma es una performance que realiza para plantear una reflexión conjunta a cerca de dichos ideales.

De hecho, realizó un manifiesto del arte donde exponía sus intenciones y hablaba del arte carnal entendido como trabajo de autorretrato y que era una operación de re-figuración de la propia imagen del cuerpo como una imagen del arte refigurado. Es decir replantea esa mirada sobre el arte refigurándolo.

Exponía que lo importante del arte carnal era el proceso, no se interesa por los resultados finales sino por el hecho de que esta intervención diese lugar a un debate público sobre ese tipo de intervenciones que se realiza la gente para parecerse más a lo impuesto por los ideales de la época.

El arte carnal abre la posibilidad de reivindicar la libertad individual del artista creador

en contra de la cirugía estética que ella no considera como un vehículo válido para nada.

En estos procesos el cuerpo adquiere una imagen normativa incluso des de la transformación de su aspecto haciendo que mucha gente acuda a la cirugía. Ella pone en evidencia que se ven problemas éticos en el cambio del cuerpo. Y para hacerlo más evidente trabaja con conceptos como lo grotesco.

Se opone y denuncia a la presión social sobre el cuerpo humano y sobre lo inconformista

abriendo una reflexión sobre los mensajes construidos hoy en día y lo hace a partir del propio sacrificio de cambiar su cuerpo para mostrar esto.

IMAGINARIO POP: ARCHIGRAM Y PSICODELIA:

En relación con el imaginario pop que vimos el otro día surgirán nuevos materiales como los plásticos.

Uno de los grupos a los que se relaciona con esta estética y uso del material es Archigram que al igual que en EEUU promocionarán sus ideas a partir de una revista.

El grupo Archigram tendrá muchas ideas relacionadas con el Metabolismo y de hecho serán ellos los que por primera vez les publicarán en serio.

Archigram publicará proyectos en los que imaginan la ciudad del futuro. Al igual que toda la arquitectura vinculada con el imaginario pop que hemos visto se declaraban antibauhaus y usarán la tecnología buscando esa concepción de lo blando, como habíamos visto en la space age, haciéndola así más cercana y cambiando las concepciones negativas tras la guerra.

Archigram tratará temas del momento como el automóvil o la juventud. De hecho, en este momento será cuando nazca la juventud. Se alejarán de los adultos en el momento en el que se lleven las radios a sus habitaciones definiendo así su identidad con la música y esto se debe principalmente al invento del transistor que vimos con al informática.

Surgirá también la psicodelia que se manifestará a partir del libre consumo de drogas como modo de liberación y reivindicación del propio cuerpo, poniendo una vez más en evidencia esa mirada puesta en el hombre. Además, serán un ejemplo más de esas tecnologías bélicas redirigidas al uso propio, cotidiano, ya que algunas drogas como el MDMA se inventaron como modo de torturar en la guerra.

Además se fomentará la introducción de nuevas culturas como vimos en las reformas urbanísticas o el metabolismo.

Las ideas que expresaban y defendían los psicodélicos poco a poco se irán radicalizando hasta crear grupos comos los Punk en los que y todo esto se llevará al extremo.

Además se llevarán a cabo numerosas protestas y manifestaciones, cosa que llevará a cabo una estética de batalla en la que influenciarán mucho los grafitis y carteles de protestas. Toda esta estética contaminará el diseño y se hará evidente en artistas como Warhol.

Del mismo modo esta radicalización de las ideas se plasmará en el diseño llegando a todos los ámbitos y hogares. Estos grupos del «radical design» defenderán el gusto como razón válida para juzgar el diseño, cosa que en un principio ya se empezó a dar en el pop art de un modo mucho menos evidente. A partir de ahora por lo tanto, tanto el gusto como la subjetividad del diseñador, se verán reflejados en los diseños de un modo mucho más evidente.

MINDMAP PREVIO:

Como hablamos en los últimos posts la estética pop tendrá una gran importancia e influencia en la época. Dentro de los materiales que se popularizarán y se podrán de moda el plástico tendrá un gran protagonismo. De los plásticos de los que hablamos en la primera parte uno de los más usados será el poliéster:

Es un plástico sintético proveniente de fracciones pesadas del petróleo. Este será uno de los plásticos más importantes que surgirán y que tendrá mucho que ver con uno de los grupos que ahora trataremos:

-David Greece (ARCHIGRAM). Fiberglass Project (1961):

Como decimos se hace muy extensivo su uso y uno de los colectivos que usará este material o que lo proyectará en sus arquitecturas será:

-ARCHIGRAM colectivo 1961-70/ 1974- UK

Archigram fue un grupo creado en la década de 1960 —principalmente en la Asociación de Arquitectura de Londres. El colectivo se centraba en representar arquitecturas de ciudades del futuro las cuales la mayoría no construibles cuando se dibujan. Iban más con el antidiseño, y eran futuristas, inspirándose en la tecnología proyectaban una nueva realidad basada en sus proyectos hipotéticos. Los principales miembros eran Peter Cook, Jhoana Mayer, Warren Chalk, Ron Herron, Dennis Crompton, Michael Webb y David Greene.

Archigram en verdad era el nombre de una revista. Fundarán la revista y alrededor de esta se se acaban conociendo como el grupo Archigram

Será un grupo que tendrá mucho que ver con el metabolismo.

Entendía la ciudad como un proceso continuo, no creían o defendían la permanencia, y se basaban en el desarrollo de la tecnología.

Ellos entendían que la obra es algo abierto, y el uso la va definiendo y transformando

Querían entender la arquitectura como una piel más.

Y estos nuevos materiales de la época, como el poliéster del que hablábamos, inflaman nuevas maneras de entender el espacio

-David Greene (ARCHIGRAM). Spray Plastic House (1961):

Este será un gran ejemplo de esa arquitectura de la que hablábamos que se va transformando y definiendo según el uso.

Es un gran cubo de poliéster en el que en el interior la familia lo escarba, luego se fija por dentro el envoltorio y por último se quema lo de fuera y queda solamente la casa con esas formas hechas por los habitantes.

Se ve mucho lo que llamarán tecnología bruta.

-Peter Cook: (1936-1958)

Fue un famoso arquitecto inglés. Fue un estudiante de arquitectura en la Bounemouth College of Art, pasando más tarde a la Architectural Association School of Architecture, en Londres, donde se graduaría en 1960. Mientras trabajaba en la oficina de James Cubitt & Partners Cook fue uno de los miembros fundadores del grupo Archigram, que fue muy influyente en los sesenta. En 1969 recibió una beca de la Graham Foundation por su trabajo con Archigram. Aunque el grupo no tiene un líder como tal si que fue el que probablemente más influyó y guió al grupo.

-1968, Info-Gonks, Gafas TV Peter Cook:

Este es un ejemplo de uno de los diseños que proyectaban, es un poco un antecedente a la realidad virtual, se ve esa idea de virtualidad, eso que veíamos con el mass media y con esa incorporación de la tecnología, hablan de que lo que es real ahora es lo de las pantallas.

Y esto es una buena prueba de esa especulación des del diseño con productos que en el momento no se pueden hacer, pero que marcarán el futuro. Se adelantan mucho a su tiempo.

Vemos que hay un punto de actualidad muy fresco en sus diseños. Como hemos dicho aunque Cook no es el “líder” sí que será el que tire más de Archigram.

Como hemos dicho su medio principal era la revista, que comenzó a publicarse en periodos muy irregulares a partir de 1961. Mientras que la revista al principio solo circulaba entre grupos pequeños, pronto se convirtió en una publicación de mucho mas reconocimiento. El grupo se dio a conocer en la primera exposición conjunta “living city” celebrada en el instituto de arte contemporáneo de Londres en 1963 y a partir de ahí empezó a ser mucho más reconocida.

Lo que caracterizaba a la revista es que cada número tenía un formato muy distintivo, haciendo así referencia o queriendo dar protagonismo a distintos temas que en el momento eran relevantes a nivel de diseño o arquitectura.

Todo esto comenzará y se desarrollará en Inglaterra.

Empezarán a desarrollar la revista siendo simplemente unos estudiantes de arquitectura, pero empezarán a hablar de arquitectura de las que nadie habla, intentando huir de ese racionalismo arquitectónico que tanto se veía en la época, dando así voz a muchas otras ideas que estaban naciendo al rededor del mundo y que ellos creían que serían determinantes. Además propondrán y expondrán ideas y proyectos propios. Entre sus publicaciones hablarán también de sus propios proyectos finales de carrera.

Estos serán algunos ejemplos de las publicaciones que realizarán:

-ARCHIGRAM n1 (1961):

Este será el primer número de revista que realizarán. La revista se mandaba por correo, será algo muy personalizado y tradicional, muy homemade.

Veremos que su estética es interferida o influenciada por los eslóganes y la publicidad de la época.

El grupo se declara anti bauhaus abiertamente, como hemos dicho buscará huir de ese racionalismo arquitectónico.

El imaginario de la revista será mucho más pop, estaban bastante “modernizados”.

Algunos otros números de la revista:

-Revista sobre que se pliega nº8 (1968):

Es una revista hecha con las tarjetas, como vemos serán muy originales a la hora de jugar con los formatos de la revista, y precisamente querrán innovar en eso. Conseguirán que cada número sea realmente interesante y único.

Como hemos dicho una de esas cosas más características será ese punto tan artesanal que tendrá la revista, a pesar de esto era muy innovador y nada cutre, acabarán construyendo un gran imaginario de futuro sin disponer de los mejores recursos para hacerlo.

Aquí vemos ese acabado “casero” del que hablábamos. Usarán frecuentemente técnicas como el collage:

-Montaje original de una de las páginas de Archigram nº8n (1968):

Estos son algunos de las construcciones arquitectónicas que llevaron a cabo algunos de los participantes del colectivo:

-1954-57 Prospect Country Colege for Girls (London Country Council, Ron Herron, Peter Nicholl):

-1956  Secondary school for 1200 students in Shoreditch, East London, Warren Chalk, London Country Council (LCC):

Herron y Chalk, entre muchos de ellos trabajaron para el ayuntamiento haciendo viviendas sociales.

Con estos ejemplos vemos que realmente tenían un control muy evidente del discurso racionalista. Sin duda, vale como muestra de que sí que sabían mucho de construcción por lo tanto sabían muy bien de lo que hablaban y teniendo la capacidad de realizar estas construcciones, paralelamente harán y trabajarán en desarrollar la revista.

Veremos en su trabajo que la parte mediática será muy importante, del mismo modo que lo estaba siendo en la realidad. Estos serán algunos de los proyectos que proyectarán en relación a esta temática:

-1968, Soft Scene Monitor, Peter Cook i Dennis Crompton:

Los miembros de Archigram son muy consciente del poder de la electrónica y de la televisión. Buscarán ser un ejemplo de lo que está pasando en el mismo tiempo, aparte de proyectar esas nuevas ideas o proyectos más futuristas.

Todo esto lo expondrán en su revista. Con esto la revista rompe los límites entre disciplinas y le hace ser una propuesta muy técnica.

Tienen en cuenta la realidad y abre a debate o a reflexión temas muy futuristas.

Alguno de los otros proyectos que realizarán:

-Michael Webb The Sin Centre 1959-62:

Este será uno de los proyectos que realizará Michael Webb y que realizará en el 59, siendo aún muy joven.

Cuando realiza este proyecto aún está entre ser estudiante y profesional

Este centro que diseñará era un centro de diversión para jóvenes.

En el proyecto tendrá en cuenta ya a la juventud. En la época no tenían espacios propios para ellos, para los jóvenes, pero él se adelanta y crea un espacio dedicado únicamente a este nuevo colectivo. Es un ejemplo de esa conciencia del presente y de lo que está sucediendo en la realidad del momento.

El centro es festivo, lúdico y ultra tecnológico.

Piensan en poner hasta una rampa para coches.

Además de que en sí muestran una estética que tiene que ver mucho con lo espacial.

Por lo tanto también estarán muy al día de todo lo que está sucediendo en cuanto a modas o estilos.

Algunos otros proyectos que llevarán a cabo:

-1964 The walking city, Ron Herron:

 Este será uno de los proyectos que dibujarán para la revista.

Ellos entendían que era importante explicar la visión del mundo desde la forma y esto lo explicarán sobre todo dibujando. Es un gran modo de representarlo, además que al ser estudiantes de arquitectura dominan la técnica. En este proyecto lo que representan es la ciudad que camina, son edificios con patas que transportan ciudades enteras. Vemos de nuevo esa estética pop, de ciencia ficción, y con algo de cómic. Es cierto que hoy en día no es así la ciudad, pero la condición nómada que tenemos ahora es mucho más presente que cuando ellos lo dibujaron. Y esto es en lo que sí que se adelantan. Actualmente hay mucha más movilidad y es un factor fundamental en la sociedad, la civilización se mueve mucho más por todo el planeta y es normal viajar por trabajo, estudios o asuntos varios, por lo tanto este proyecto explica en el fondo la ciudad de hoy aunque no sea  a modo literal.

Toda la civilización es mucho más móvil y mezclada, interconectada, mientras que en la mayoría de los países europeos de la época no había mucha presencia de otras etnias.

Algunos otros de los proyectos más importantes que realizarán:

-Peter Cook (ARCHIGRAM): The Plug-in City (1964):

Esta idea que plantearán tendrá mucho que ver con el metabolismo. La plug in es la ciudad enchufable, parece una roulotte tecnológica.

Este proyecto será como resultado de una serie de reflexiones que se centran en aspectos como la cultura del consumo desde el punto de vista de la obsolescencia y la sustitución, la aplicación de nuevas tecnologías a las nuevas estructuras urbanas y la variedad y flexibilidad de las partes en el conjunto.

La Plug-in City se forma a partir de una gran megaestructura en red que contiene los accesos y servicios principales. En esta estructura se sitúan de forma temporal las diferentes unidades destinadas a cubrir las necesidades de la población y que se establecen respetando las ideas de flexibilidad y sustitución, de manera que cada una está pensada para una determinada durabilidad.

El sistema es jerárquico, donde vemos elementos destinados a una mayor o menor duración y también puede observarse una tendencia a la estandarización de los diferentes elementos.

Como decimos estas ideas nos recuerdan mucho al metabolismo, y de hecho, Archigram serán los primeros que publicarán en serio a los metabolistas.

Como decimos vemos una relación clara, es esa concepción de la ciudad como algo móvil, está concebida como una placa base de un ordenador.

Vemos todos esos conceptos que habíamos tratado y visto en el metabolismo como son la transformación o la movilidad.

Por lo tanto desde la concepción o visión utópica se apuntará a imaginarios de ciudades del futuro y en muchos puntos acertarán.

Como decíamos en muchas de sus obras se ve todo ese imaginario espacial como en las siguientes obras:

-1966 Cushicle, Michael Webb:

En este proyecto de Webb se estudia la casa como una tercera piel.

En él por lo tanto, investigará sobre el concepto de vivienda como una cáscara o envolvente que es fácilmente transportable y hecho de fabricación en serie.  Según el propio Webb, la Cushicle  permite a las personas transportar consigo un hábitat completo, que es entendido como ambiente en el que vivimos.

Se cree que la casa ha de ser cambiable y un dispositivo que nos ayude a hacer de la arquitectura algo mucho más adaptada al cuerpo, pero al mismo tiempo se busca que sea algo blando, que se ajuste al hombre y no al revés.

El término Cushicle con el que se denomina el proyecto deriva de la unión de las palabras cushion (almohadón) y vehicle (vehículo). Con ello por lo tanto, combina el confort y comodidad con la facilidad de transporte o espíritu de vivienda nómada.

Se busca que la casa pueda cambiar en función de muchas cosas pero al mismo tiempo que lo haga con un gran rigor técnico. Ellos no pueden o pensar sus proyectos o ideas fuera de la tecnología y la construcción. Eso es lo más básico para ellos.

Su proyecto sin embargo, no excluye la idea de que somos materia y diseñamos con materia.

Realizarán happenings como este, es decir que no se limitarán únicamente al dibujo. Lo harán también con este proyecto, mostrando esa tercera piel inflable, que es una ropa y una burbuja protectora al mismo tiempo.

Alguno de los otros números que llevarán a cabo:

-ARCHIGRAM Nº7 (1966):

En el número 7 que realizará Archigram te regalaban un transistor junto con la revista. El transistor será un elemento que revolucionará el mundo de la comunicación, como ya vimos en anteriores entradas del blog.

Antes de este gran invento las maquinas como los ordenadores iban y funcionaban con válvulas y todo era muchísimo más grande y frágil. Es por ello por lo que los transistores marcarán un antes y después.

Cuando pasamos a esto todo se disparará aún más el imaginativo tecnológico y se podrán inventar cosas mucho más novedosas.

Un hecho tan relevante en el mundo tecnológico había de ser remarcado por los jóvenes arquitectos ya que es un paso más cerca en esas ciudades futuras que ellos imaginan y presentan en sus números.

-1969 Electronic Tomato, W Chalk i R Herron:

Aquí vemos muy bien reflejada esa estética pop que veíamos. Harán también una referencia constante al consumo y a la baja cultura como los cómics, además de lo frecuente que será el uso de fotomontajes. Por lo tanto en sus publicaciones habrá un diálogo muy coherente con todo lo que estaba sucediendo en la década.

Otro de sus proyectos más relevantes fue:

-1964, Computer City, CROMPTON:

Este tiene mucho que ver con el de Plug-in City que hemos visto anteriormente.

“Las actividades de una sociedad organizada toman lugar en una red equilibrada de fuerzas que interactúan naturalmente con el fin de crear una cadena continua de cambios. La metrópolis se sitúa en el punto dónde la energía interactiva producida es más fuerte, allí donde los campos de fuerza son más complejos.

En la Computer City este campo de energía se une a una sensibilidad mayor que está programado para responder a las transformaciones sufridas por la ciudad a través de las actividades.

Los cambios que se producen en el tiempo son procesados por un ordenador con el fin de que la respuesta a una causa natural sea la óptima.

Esta zona de la Computer City puede sustentar a unos cien mil habitantes. La red sensible descubre todos los cambios de actividad, los dispositivos sensoriales reaccionan en relación a los datos proporcionadas por el programa […]” Dennis Crompton, 1964.

En este proyecto lo básico es el centro de conexiones de la ciudad. Lo importante por lo tanto, no es el volumen en sí de la ciudad, como las conexiones que permiten esos centros de conexiones.

Volviendo al tema de esa estética pop veremos números como en el siguiente. Aquí vemos una clarísima referencia al mundo del comic:

-Nº 4 Archigram:

Todo el número se realizará con una gráfica propia de los cómics. Es cierto que son muy psicodélicos también. Lograrán conectar con el imaginario de la juventud de un modo muy evidente y exitoso.

Tanto en la revista como en todo tipo de publicaciones de la época será muy presente la estética Rubber, que recibe este nombre por el redondeo de las formas:

En sí esta estética presenta unas connotaciones de cierta voluntad hedonista, feliz y optimista, donde la tecnología se adapta a nosotros y no nosotros a ella.

Algunos ejemplos donde veremos plasmadas estas ideas y formas serán:

-1964 Capsule, Warren Chalk:

Este es otro de los proyectos realizados por Archigram donde veremos muchas de las ideas que ya habíamos visto antes como la del plug-in city.

Se concibe además tomando como base la idea de construcción a partir de módulos. Este tipo de construcción recuerda a algunas otras que habíamos visto como la Torre Nagakin metabolista.

Veremos además esa referencia directa de la tecnología “blanda” ya que está penada para que nos reconforte.

Será muy frecuente además ese uso de colores propios del plástico que como dijimos será uno de los materiales más de moda y usados en la década. Pero además posee la cualidad de ser concebido como amable con el cuerpo ya que es mucho más moldeable. Con esa modelación y formas curvas conseguirán esta percepción de la tecnología de lo blando.

Algunas otras construcciones que harán referencia  esas formas curvas y redondeadas de un modo evidente serán:

-1961 david Green, Seaside Entertainments Building Project:

-Michael Webb 1957-8. Furnishing Manufactures Building in High Wycombe. Proyecto de estudiante:

En estas construcciones se verá una clara referencia con las formas vesiculares. Por lo tanto es una construcción que se basa en formas curvas y orgánicas, así que se ve de un modo evidente ese estudio y referencia al cuerpo.

Esto también se relaciona con que en el momento también los cuerpos están cambiando, será cuando empiece a aparecer y a popularizarse el uso de la cirugía plástica estética.

Ya habíamos visto esa referencia a la cirugía en otras obras:

-ANDY WARHOL, Before and After (1962):

Esto es un claro reflejo de esa consecuencia de la sociedad de consumo y cómo se nos imponen esos ideales publicitarios hasta el puto de querer exponer nuestro cuerpo a cirugías para lograr alcanzarlo.

Con ese proceso el cuerpo también es concebido como una máquina en cuanto a que la tecnología tiene ya la capacidad para intervenir en el cuerpo des de lo biológico. Es decir, no consigue un resultado mecánico, sino que opera manteniendo esas formas y logrando una gran naturalidad orgánica.

Esto empezará a ser algo muy común en la época y será un ejemplo de cómo hablarán de esos temas de gran actualidad.

Se empezará a concebir y a hablar de la tecnología biológica la cual comúnmentenos remitirá a imaginarios muy psicodélicos.

Empezarán a aparecer publicaciones muy populares como las siguientes:

-The beatles “Yellow Submarine” Cartel original de la película (1968):

Esta será una de las portadas más famosa de la época y ese submarino amarillo nace claramente inspirado por la estética Archigram que veíamos en sus publicaciones.

Se veía es esa clara referencia a la estética rubber.

-A Clockwork Orange (Kubrick, 1971):

La naranja mecánica que será una película muy popular en la época que hablaba de un futuro pesimista pero de todos modos seguimos viendo esas formas redondeadas.

Otro de los temas más importantes tratados en la época es el de la juventud, como habíamos visto en una de las publicaciones de Archigram:

-Hacia un nuevo mundo, Robert Kennedy:

-Robert F. Kennedy (1925-1968):

Robert Francis Kennedy fue un abogado estadounidense, fiscal general de los Estados Unidos. Era uno de los hermanos menores del presidente de los Estados Unidos John F. Kennedy y uno de sus consejeros de mayor confianza.

Dedicará el inicio de este libro precisamente a hablar de este nuevo colectivo existía la juventud antes de los 50.

Antes en un solo día pasabas de niño a adulto, de llevar bermudas  a pantalón largo. En ese momento, no había un espacio para lo juvenil no se concebía, ahora en cambio, se alargará y todos los aspectos de la sociedad han sido invadidos por esa estética joven.

Este libro de Robert Kennedy será como un manifiesto político. En los 50 sucederán estos fenómenos inexplicables que son incomprensibles fuera de ese contexto de consumo, cuando empiezan a tener dinero para consumir es cuando les empiezan a atender como colectivo, llegará primero a América.

En Europa llegaba todo algo más tarde como ya habíamos visto, y llegará en los 60s.

Estas son unas fotos de esos jóvenes de los 50s, vemos como poco a poco van marcando la diferencia respecto a los adultos y los niños, hasta que se soparán por completo creando su propio colectivo:

Empezará por lo tanto la publicidad únicamente dirigida para jóvenes, al igual que una gran gama de productos ya que serán considerados como esos nuevos objetos de ese mercado de consumo.

En Inglaterra por ejemplo se desarrollará una amplia estética vinculada al free cinema a partir de algunas películas como:

-Saturday night- Sunday Morning.

Se empieza a explicar la vida de esos jóvenes que es algo que nunca antes se había hecho. Serán el foco para muchos sectores y se convertirán en uno de los principales colectivos en los que se centrarán los distintos colectivos.

Se explica la aparición de ese nuevo sujeto joven y se aplicará como decimos a numerosos productos que se dirigirán expresamente para ellos:

El Mini por ejemplo es un coche que será pensado especialmente para los jóvenes:

Este era el coche más popular de los fabricados en Gran Bretaña en la época. Era un modelo que se puso muy de moda, y como decimos era inglés, pequeño, barato, y consumía poco. Algunos productos como estos se convertirán prácticamente en iconos de este colectivo además de que este modelo influyó sobre una amplia generación de fabricantes de automóviles.

Al mismo tiempo veremos otro tipo de coches como deportivos donde también veremos esa referencia a la velocidad que será muy vinculada a lo juvenil.

-jaguar E-Type (1961-75) Malcolm Sayer:

Vinculadas a esa estética juvenil veremos también representaciones en otros ámbitos como el cine con películas como:

-The Wild one (Laslo Benedek, 1953):

Esta es una película dramática de moteros rodada en 1953, fue dirigida por László Benedek y con el actor Marlon Brando encarnando al jefe de una banda de motoristas disconformes con la sociedad. Esta película fue relevante porque fue la primera película que explicaba lo que son los rockers y que vinculará mucho a toda esa estética que se verá en la época.

Vinculada con esta veremos productos que serán muy populares en la época como:

-Triumph Bonneville T120 (1959-75). Edward Turner:

-Norton Dominator 650SS (1969):

Estos fueron unos delos modelos de motos más populares y con un gran diseño, y formarán parte de toda esa estética de los moteros convirtiéndose así en elementos súper icónicos.

Otro elemento fundamental en esta época serán las radios de las que ya habíamos hablado en algunos posts anteriores:

-1954 RADIO DE TRANSISTORES:

Una radio de transistores eran esos pequeños receptores de radio portátiles que utilizaban circuitos electrónicos a base de transistores. Este invento también cambiará radicalmente a partir de la invención del transistor en 1947, estas radios se convirtieron en los dispositivos de comunicación más populares de la época. Al reducir su tamaño produjeron un gran ámbito en los hábitos de las personas ya que les permitía usar el aparato en cualquier lugar.

Con estos transistores por lo tanto, la radio deja de ser un producto gigante y te la puedes llevas a donde sea. Los jóvenes se lo podrá llevar a su cuarto pudiendo escuchar lo que les apetezca, convirtiéndose así también en otro consumidor del producto y de las cadenas de radio. Es decir, se realizarán programas destinados a estos jóvenes, al igual que música.

Antes los jóvenes solo podían escuchar lo que sus padres decían o escuchaban, no tenían elección. Pero en el momento en el que se les da la opción de elegir será el inicio de la liberación y de la ruptura del modelo familiar tradicional del sxix

Al darles elección la juventud encontrará su propia identidad fuera del mundo de los adultos.

Algunos de los personajes célebres que empezarán a surgir en la época:

-Little Richard (finales de los 50):

(1932-2020)

Fue un cantante, compositor y pianista estadounidense de rock and roll. Es considerado como uno de los pioneros más influyentes e importantes de aquel género y una figura influyente en la música y la cultura popular durante siete décadas.

Era un cantante negro y gay que como decimos será toda una sensación ene le momento. Será un gran ejemplo de cómo las percepciones y mentalidades de la época están cayendo.

Rock and Roll será la gran ruptura y marcará un antes y después en la sociedad americana.

Al mismo tiempo en Europa en los años 60s estarán pasando más cosas. Se pasará de un sistema de ídolos individuales a los grupos, al sistema del colectivo. El ejemplo más representativo serán los Beatles que serán una de las cosas más importante que sucederán el siglo SXX.

-The Beatles: (1960)

Los Beatles fue una banda de rock de origen​ inglés que estuvo activo a partir de la década de 1960, es sin duda alguna uno de los grupos más relevantes de la historia de la música popular y de la música rock y uno de los más admirados en la época. Formada en Liverpool, estuvo constituida desde 1962 por John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr. Su fama llego a crear el fenómeno conocido como “beatlemanía”

Como vemos en la imagen en un inicio eran 4 chicos jóvenes, de un aspecto muy similar, parecen casi clones en la fotografía. Ya des del momento en el que empiece su fama se popularizará su estilo haciendo que muchos jóvenes los tomen como ideales y referentes.

En un principio su imagen se caracterizaba por ese uso del flequillo sobre todo, que como decimos se popularizó entre la juventud y elementos tan sencillos como estos marcaran un estilo e identidad propia.

Sin duda, este grupo también será un gran ejemplo de la gran revolución definitiva que esto marcará en la juventud y así en la sociedad.

Al igual que con las radios aparecerán aparatos como los portadiscos portátiles y a pilas. Con ellos te podías llevar la música, tú música, a cualquier lugar.

Para la época que la juventud se fuese a cualquier sitio era una gran ruptura. Y a causa de esto empezarana aparecer lugares como las primeras discotecas, como la siguiente:

-The London Astoria, Charing Cross Road, Londres, 1963:

Será uno de esos primeros espacio destinados únicamente para los jóvenes que veíamos con Archigram. Será un ejemplo claro de esa conciencia de las necesidades del nuevo colectivo.

En los Beatles y grupos de la época veremos una estética de un diseño de portadas “no diseñadas”, es decir no se verá tanto esa intención clara de generar buenos diseños, aunque, por otra parte, las fotografías sí serán de calidad, hechas por importantes fotógrafos.

A partir de todo esto se producirá una nueva estética propia de cada grupo. Todo ello tendrá mucho que ver con lo que hablábamos de las identidades y cómo los jóvenes cogerán atributos y características y los tomarán como propios, creando y definiendo así su personalidad a partir de rasgos que los definen.

Por lo tanto, cada grupo tendrá una estética propia:

-Please Please Me, 22 marzo 1963 (fotografía Angus McBean):

-With the Beatles, 22 noviembre 1963:

-The Rolling Stones (1965) fotografía de David Bailey:

Mientras que los Beatles con sus portadas transmiten una imagen “amistosa” y “simpática”, Los Rolling Stones en cambio transmitirán más “el mal” y “el peligro”.

En esta última portada de los Rolling Stones vemos que eran muy modernos en cuanto a cómo elaboraban sus portadas, o al menos era lo que intentaban. Esto se ve en el hecho de que no le pongan título a la portada del disco y únicamente sea la imagen.

Como decimos se popularizará el uso de grandes fotógrafos como David Bailey, que era un fotógrafo muy importante de los 60s.

En esa época hasta la ciudad será reflejo de esos cambios de identidad junto con la estética pop del momento y veremos imágenes como estas, donde Londres se llena de color y esto estallará en los 60s también:

-Picadilly Circus, Londres 1963:

Fue un momento exclusivo ya que luego muchas de las normativas hicieron que todas esas pantallas se tuviesen que quitar, pero es un ejemplo muy claro de cómo esa ciudad se encuentra en evolución.

Veremos que habrá otros aspectos como en la moda donde también estarán surgiendo ideas revolucionarias:

-Mary Quant inventa la minifalda 1963:

Mary Quant es una diseñadora de moda británica y que  debe su fama principalmente a la creación de la minifalda.​ Con sus diseños logró representar una moda para jóvenes y sus modelos se difundieron a gran escala. Su estilo contrastaba con la seriedad de la moda que predominaba en el momento, precisamente ese contraste será lo que hará que los jóvenes se identifiquen con él. Su diseño se pone a la venta por primera vez en su pequeña boutique Bazaar en Chelsea, Londres pero de ahí revoluciona la moda a nivel global.

Será un ejemplo también de cómo la mujer se hace dueña de su cuerpo y de sus decisiones.

Será toda una revolución liberadora. Junto con esta idea va relacionada la invención de:

-El Enovid 10:

ES la comúnmente conocida como píldora anticonceptiva. Fue desarrollada por el Dr. Gregory Pincus y fue aprobada por primera vez el 10 de junio de 1957 por la Administración de Drogas y Alimentos de los EE. UU. para el tratamiento de trastornos menstruales.

Esto ponía en manifiesto cuál era la gran coacción de la mujer antes, la mujer no se sentía tan libre en el aspecto sexual como el hombre por culpa de las consecuencias que podían tener sus actos y que podían perjudicarla a ella de un modo mucho más evidente que a él. El problema era de la mujer y se hacía responsable.

La mujer se preocupaba mucho más de lo sexual en cuanto a ese aspecto pero después de este invento ya no se sentirá tan coaccionada por eso.

Empezará la liberación sexual que llegará a su punto más álgido con los psicodélicos.

En ese momento veremos en los jóvenes una estética pop que será muy extravagante pero que será con lo que se identificarán para alejarse de los adultos.

Veremos sobre todo dos grupos que predominarán en la época: los rockeros y los mods.

Los mods reciben su nombre de la palabra “modernistas”. Ambos grupos se concentraban en Inglaterra y será la mayor división que habrá entre los jóvenes.

Estas divisiones llevarán a peleas entre los dos grupos. Estas peleas sucedieron durante la Semana Santa y la Pascua de 1964 en el Reino Unido, en los pueblos costeros de veraneo de la Gran Bretaña como en Clacton, Brighton, Margate, Bournemoth y Broadstairs. Centenares de adolescentes desmadrados y defendiendo “sus ideales” se pelearon con el mobiliario de las propias playas.  Los rockers eran algo más mayores que los mods, llevaban tupés, chupas negras, grandes motos y se identificaban con el rock’n’roll. Los mods en cambio eran más jóvenes aún, se sentían tremendamente modernos, con sus jerséis de cuello alto, se identificaban con el modern jazz y llevaban motos italianas, a lo Scooters.

De pronto aparece ese mundo juvenil que los adultos no lo entienden. La juventud no tiene suficiente espacio para ellos.

Realmente la pelea parece algo muy primario y absurdo pero aunque se hable de violencia en verdad son mucho más pacíficos que los adultos de la poca que han vivido la guerra y donde se mataban por razones menos propias a su identidad. Son peleas pero no guerras, no tomarán como sello identitario la patria como los adultos, sino un gusto musical o un corte de pelo y en ese aspecto son mucho menos primitivos.

Tendrán unos valores más propios

Empezaremos a ver en esa cultura juvenil cosas como esta:

-The Who, I Can’t Explain (1965):

Veremos cómo los blancos hablarán como negros, serán blancos adorando la música de negros. Con la juventud todos los valores de occidente se desmoronarán por la música y la moda. Eso será algo trascendental, cómo algo tan primitivo conseguirá cambiar la mentalidad de las personas, es por ello por lo que esta juventud cambiará tanto las cosas, llevará consigo unos principios muy revolucionarios.

Esto acabará llevando a la psicodelia.

La psicodelia es aquello que favorece la irrupción de cuestiones psíquicas que, por lo general, se encuentran escondidas y al mismo tiempo califica a lo que provoca una potenciación de elementos psíquicos, como ciertas drogas. Lo psicodélico es aquello que modifica o altera la percepción. El movimiento psicodélico que surgirá en los 60s será un colectivo que se caracterizará con el consumo de drogas como huida de la realidad hacia otros mundos más deseados.

Este movimiento psicodélico se expresará con el arte, la música y el diseño y surgirán grandes publicaciones como las siguientes:

-Dr Pepper’s Lonely hearts club band, the beatles:

Ya habíamos hablado de este disco anteriormente. Los Beatles cambiarán su imagen e identidad y pasarán a formar parte de este movimiento psicodélico. La moda psicodélica inundará todo.

La estética psicodélica tendrá también mucho que ver con todo lo espacial y lo galáctico, es una paradoja ya que la juventud se hará madura en cuanto a que lleva a cabo una introspección interior. Habrá una gran valoración por las otras culturas y por el autoconocimiento.

-The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators (1966):

Vemos cómo también seguirán con toda esa estética Rubber de la que habíamos hablado y cómo encajará a la perfección con esas formas psicodélicas.

La revolución psicodélica será además un tema muy presente en todos los ámbitos de la época y hasta se hicieron reportajes de una gran importancia en revistas de un calibre como en la life que era muy mainstream y estaba en la casa de todas las personas de la época.

Veremos números y reportajes como:

-Barbara Dunlap, una ama de casa bajo los efectos del LSD, (LIFE 25 marzo 1966):

-Syd Barrett (el líder de la famosa banda inglesa Pink Floyd) con dos terrones empapados en ácido:

En el momento la revolución psicodélica se tomará como la gran cruzada juvenil que será todo un fenómeno social.

-Wes Wilson (1937-2020)

Fue uno de los cartelistas psicodélicos más importantes de la época.

Elaboró algunos de los carteles más importantes como:

-Cartel Fillmore Auditorium 19 febrero de 1966:

Vemos en las formas algunas similitudes con Archigram que resultan muy evidentes gráficamente. Además, vemos una clara referencia con el Art Nouveau y a las tipografías realizadas por Alfred Roller. Se incorporarán estas mismas tipografías modernistas pero deformándolas:

-Alfred Roller, Carteles 1898-1905:

Roller hará carteles y tipografías como estos casi un año antes pero que al mismo tiempo son muy parecidos a los de Wilson, entablando así una clara similitud:

-West Wilson cartel psicodélico, 1967:

Se usarán colores vivos y planos, formas curvas y distorsionadas, siguiendo la estética rubber pero reflejando esa distorsión de la percepción causada por las drogas.

Estos carteles al final serán un ejemplo más de que se pondrá de moda otra vez la estética modernista. Veremos cómo hasta en el modo de vestir y con las barbas y las ropas, se ve una clara influencia.

Estos son los hippies de la época:

Y estos eran los modernistas del SXIX:

Habrá una clara recuperación de los valores que se ensalzaban en el art noveau.

–Alan Aldridge: (1938-2017)

Era un artista, diseñador e ilustrador inglés y que será muy conocido por sus obras artísticas psicodélicas. Será el que llevará a cabo muchas portadas de los Beatles. Pero al mismo tiempo realzará obras reivindicativas como:

Trabajará mucho con los cuerpos desnudos, pero no como pornografía como veíamos con la revista playboy, sino a modo de reivindicación del cuerpo.

Todas estas publicaciones beben también mucho del surrealismo, se ven esas ideas de alteración o de confusión al ahora de percibir la realidad, las drogas tienen mucho que ver con esa representación del subconsciente, de lo no filtrado por la razón.

Veremos más fotos y publicaciones de los Beatles de carácter psicodélico

-The Beatles por Richard Avedon (9 enero 1968):

Se mezclará de un modo evidente lo galáctico y lo psicodélico.

En EE. UU. Habrá una división y veremos dos principales gurús del movimiento:

–Timothy Leary: (1920-2996)

Leary fue un escritor, psicólogo estadounidense que promovía la investigación y uso de sustancias psicodélicas, las que no consideraba como drogas y proponía por sus beneficios terapéuticos y espirituales del uso del LSD, la psilocibina y el DMT.

–Ken Kesey: (1935-2001)

Fue un escritor y periodista estadounidense. Escribió novelas en las que hablaba de su propia experiencia con el autoconsumo de drogas psicotrópicas. Él y sus amigos fueron pioneros en la experimentación lúdica y espiritual con LSD y marihuana y fueron los que llevaron a cabo un autobús pintado con colores fluorescentes que llamaron «Further» («Más Allá») y con el que repartían drogas e invitaban a la gente a formar parte de la revolución psicodélica por el país.

–Dr Albert Hofmann: (1906-2008)

Hofmann fue un químico e intelectual suizo que adquirió su fama al escribir la estructura de la quitina, pero que fue especialmente conocido por ser el primero en haber sintetizado, ingerido y experimentado los efectos psicotrópicos del LSD.

El Lsd fue comercializado des del 1947 para tratamientos psiquiátricos:

El LSD es una sustancia psicodélica semisintética que se obtiene de la ergolina y de la familia de las triptaminas y que produce efectos psicológicos. Sus efectos pueden incluir alucinaciones, sinestesia, percepción distorsionada del tiempo, la alteración de la percepción, la conciencia y los sentimientos, además de sentir sensaciones o visualizar imágenes que al consumidor le pueden parecer reales pero que no lo son.

Lsd era por lo tanto más antigua y se inventó como remedio para curar una gangrena de los pies, buscando cómo curarlo se descubrirá. Es decir que no se pensó en un principio con los fines que tuvo.

Toda esta tecnología tuvo mucho que ver con la tecnología desarrollada durante la guerra.

Se desarrollaron otras tecnologías como el MDMA:

-Fritz Haber:

MDMA (1891):

El MDMA es usualmente conocida como éxtasis, es una droga empatógena perteneciente a la familia de las anfetaminas sustituidas. El consumo de MDMA puede inducir euforia, sensación de intimidad con los demás y disminución de la ansiedad. Produce una pérdida de la timidez, volviendo al individuo más extrovertido, una sensación de alegría absoluta y de hiperactividad, aumento de la tensión muscular, dilatación de las pupilas, puede causar una pérdida parcial del sentimiento de dolor físico.

Se inventarán otro alucinógeno, Fritz Haber fue un químico que fue galardonado con el Nobel de Química y fue el inventor del gas que usaban los nazis en la guerra para matar. El MDMA fue al fin y al cabo una droga alucinógena de invento de tecnología militar que fue pensada para torturar pero los psicodélicos justamente lo cogerán y lo convertirán en algo lúdico, usarán el arma a su favor.

Se llevó a cabo un bus para distribuir las drogas por todo el país y dar a conocer el movimiento:

-Acid Test Graduation, bus in San Francisco, 1966:

Será además un elemento icónico del colectivo. Serán los famosos trips festivals donde los jóvenes estarán todo el día bailando y drogándose. Se repartía gratis el LSD por todo el país, lo fabricaban gratuitamente los estudiantes de química de las universidades americanas.

Las drogas en ese momento no eran una industria como es hoy la noche, hoy sería imposible que se llevase a cabo algo así.

Se popularizará la filosofía de que si “Quieres cambiar el mundo, Cámbiate a ti mismo”

Los hippies llevarán a cabo centros clínicos y muchas acciones sociales:

-Haight-Ashbury Free Medical Clinic:

Montarán sistemas de atención médica  y recogerán comida y la repartirán.

-The Diggers:

Realizarán numerosas fiestas y ocupación de los barrios de pobres

Esa revolución psicodélica también llegará la imaginario cinematográfico:

-Roger Corman, The trip:

Y en el diseño se contaminará todo hasta llegar a los aspectos más cotidianos como juegos de cartas para niños donde veíamos esa estética blanda, pop, rubber:

-Juego de cartas, Richard Hefter i Martin Stephen Moskof, 1970:

Todo tendrá que ver.

Este es el antes y el después de los Beatles, la psicodelia marcará un cambio y una ruptura radical:

En esta moda veremos la influencia de otras culturas como la cultura india sobre todo en la ropa, los colores y las formas:

-Architectura without architects by Bernard Rudofsky (1964):

Se publicarán libros dedicados a otras arquitecturas, ya no se centrarán en el europeo blanco que domine, ahora se absorberá y se investigarán estarán muy interesados en aprender de las otras culturas. Tendrá que ver con la huida a otros mundos.

Habrá un gran estudio del supuesto mundo subdesarrollado y eso se aplicará a la cultura juvenil. En las bandas por ejemplo se incorporarán instrumentos de otros sitios. Serán parte de la cultura:

Al mismo tiempo veremos:

-Brixton Market en los años 60:

Será en los 60s cuando las colonias se desmoronarán y de pronto la población de las colonias se irán a las metrópolis, los jóvenes convivirán de un modo mucho más directo con ellos. En esa convivencia inspirará a los blancos y será por ello por lo que lo veremos en su música y en su estilo.

El joven flipará y se inspirará, habrá una clara influencia se va a producir una simbiosis racial que será esa muestra de la apertura de la mente de la sociedad y de los jóvenes y que llevará a una clara evolución.

Veremos incluso esa influencia en arquitecturas de un calibre más importante:

-Frei Otto Pablelo, Expo Pabellón Montreal 67 (1965):

–Frei Otto será un personaje fundamental, fue un arquitecto, profesor y teórico alemán que adquirió su fama gracias a su gran experiencia en construcción y que le han dado un lugar entre los arquitectos más significativos del siglo XX.

Como decimos es una construcción de una mayor hight technology.

Vemos en esa construcción toda esa tecnología moderna aplicada a la textil en un pabellón de alta tecnología inspirada en la jaima árabe, cosa que muestra como decíamos todos ese interés otras culturas.

MUNDO DEL DISEÑO

–Portada de la revista Casabella nº 377 (1972):

Aparecerá un movimiento llamado Radical Design, también conocido como antidiseñofue un movimiento o tendencia que nació en esta época y se caracterizaba por el uso de nuevos materiales como los plásticos pero sobre todo buscaban esa acción provocadora de cara al público. Se dio sobre todo en Italia, y es que en este periodo apareció una generación de diseñadores italianos que se identificaban con el movimiento de izquierdas y buscaban una protesta.

Este grupo cogerá toda estética pop y del mundo del juego, junto con esa estética juvenil y la aplicarán en sus diseños.

Algunos de los grupos que surgirán en esta corriente serán los siguientes:

Superstudio que estaba formado por Adolfo Natalini, Piero Frasinelli y Cristiano Toraldo di Francia. Inspirados en el Art Nouveau, el art déco, el pop-art y el arte kitsch, realizaron una serie de diseños de tono irreverente que cuestionaban la funcionalidad y buen gusto del diseño visto en épocas anteriores y también concibieron proyectos de ciudades utópicas del futuro, donde la tecnología liberaría al ser humano del trabajo manual.

Algunas de sus obras más conocidas fueron:

-SUPERSTUDIO, Passifiora (1966) Luz de techo o pared:

En sus diseños se ve una clara critica al impresionismo de la época. Ellos protestaban sobre que en la época no se entendía el gusto como criterio artístico. Para ellos todo era un mundo gris y cuadriculado.

A partir de ahora el gusto es revolucionario significa aceptar la subjetividad de todo acto

totalitario poniendo al gusto en primer plano, también es reivindicar la parcialidad y el punto de vista, todo ello muestra por lo tanto que es una sociedad conflictiva.

El diseño italiano pop será revolucionario.

Otros ejemplos son:

-STUDIO DA Pillola (1968) Luz de pie:

Es una lámpara en forma de pastilla. Será muy común también ese uso de la descontextualización o del cambio de escalas.

Vemos también el uso del plástico por lo tanto se ve esa conciencia y noción de la realidad con el uso de los nuevos materiales.

Otros diseños que se producen:

-ETTORE SOTTSASS Ultrafragola (1970)

Vemos en este espejo plasmadas un poco esas ideas de la psicodelia y en parte recuerda a la estética rubber y espacial con el redondeo de las formas. Todo estará muy relacionado.

Uno de los diseños más importantes de la época será:

-Verner Panton. Panton Chair (1958-1967):

Panton fue muy importante en el mundo del diseño de los 60s y 7s y quiso experimentar con las múltiples posibilidades del plástico. Su objetivo era crear una silla de una sola pieza que fuera cómoda y que pudiera utilizarse en cualquier sitio, se ve esa gran atención a la ergonomía. La preproducción de la Panton Chair comenzó en 1967. Causó sensación y recibió numerosos premios. Uno de los primeros modelos de esta silla forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Actualmente la Panton Chair se considera un clásico del diseño moderno.

Este diseño llega en el momento clave, aunque se empezó a desarrollar 10 años antes,

pero resume todo, vemos el redondeo, ergonomía, estética espacial, pop art, psicodelia, todo queda plasmado en una sola pieza.

Otros diseños que surgirán en la época que también plasman muchas de las ideas:

-Piero Gatti, Cesare Paolini, Franco Teodoro: Butaca Sacco, 1969:

Vemos como el estudio y experimentación del cuerpo llega a tal punto que con objetos se investigan nuevos métodos de interactuar, como aquí que busca otras maneras de sentarnos.

Hay un nuevo uso del cuerpo.

-Gruppo Strum, Sofá Pratone, 1971:

Estos diseños invitan a comportarse de otra manera.

-STUDIO 65, BOCCA (1970):

Todos estos diseños son potentes y llevan a cabo el uso de esos nuevos materiales para realizar formas en función del gusto con una clara referencia al popart como vemos aquí.

Veremos también como a parir de ahora se buscarán cada vez más las ideas de crear un espacio domestico más transportable y dinámico como el de los japoneses, es decir más abierto al cambio.

Uno de los grupos arquitectos que habíamos nombrado SUPERSTUDIO:

Superstudio fue un grupo arquitectónico italiano desarrollado entre los años 1966 y 1978. Enmarcado en el antidiseño, se fundó en Florencia en 1966, que por lo tanto, será opuesto al racionalismo.

También realizaban diseños utópicos como habíamos visto con Archigram, lo espacial sirve para repensar lo humano.

Veremos toda esa fascinación tecnológica.

En general todos estos grupos que vemos serán partidos de izquierdas que al final de los 60s se irá radicalizando cada vez más, hasta el 68.

En el 68 se producirá el gran estallido, se llevará a cabo una radicalización política y se producirán episodios por todo el mundo como en Milán, París, Praga, Anti-Vietnam Black Panthers, El arte se empezará a usar como acción centrándose y exaltando su poder reivindicativo.

Ahora sí que se verá toda esa violencia que en cierto modo estaba reprimida. No todo será de un carácter tan alegre como antes.

En Nueva York se producirá:

-Velvet Undergound (The Factory Ny, 1968):

Fue una banda de rock estadounidense, activa entre 1964 y 1973, formada en Nueva York por Lou Reed y John Cale y que fue uno de los grupos más importantes e influyentes de la década de 1960.

En sus temas ensalzaban ideas que antes no se veían tanto como el masoquismo, y en general todos los temas que tractaba de Factory como la transexualidad. Será una visión de lo hippy con es libertad sexual y en todos los aspectos pero más oscura.

Poco a poco toda esa estética psicodélica que era tan alegre se cambiará cada vez más adaptándola a la de calle.

Uno de los diseños que veremos en la época será la portada de Warhol:

-The Rolling Stones, Sticky Fingers (23 abril 1971):

Esta portada fue un diseño muy revolucionario porque la cremallera de la tapa se podía bajar y debajo estaban los anuncios y la famosa lengua. Es un gran diseño y nos muestra cómo esa estética se va endureciendo. No se parece tanto a los diseños realizados por Warhol en su época más pop.

Tiene por lo tanto mucho que ver con toda esa estética de calle.

Otro diseño que realizará Warhol para el grupo será:

-Logo Andy Warhol para los Rolling Stones:

En Nueva York veremos personas muy importantes como los siguientes, que son los dos componentes más claros de ese paso a esta estética más dura:

–Patti Smith y Robert Mapplethorpe (1946-1989):

Robert Mapplethorpe fue un fotógrafo estadounidense, famoso por sus fotografías en blanco y negro de gran formato, especialmente de flores y desnudos masculinos. El contenido sexual de algunos sus trabajos, calificados de pornográficos, generó más de una polémica durante su carrera.

es una cantante y poeta estadounidense.

Patti Smith saltó a la fama durante el movimiento punk, es una cantante y poeta estadounidense.

Vemos que ya no es una estética tan juvenil como antes, por todos los frentes se les da la vuelta

 al concepto final.

Como decíamos el año 68 será muy relevante porque se producirán cosas como la triennale bloqueada:

–La Triennale-occupata, 1968:

ISOZAKI:

“1968 was the year the cultual revolution spread over the entire world.

I continued to harbor simpathy for the cultural revolution, and I thought of my concept as a challenge to the present condition of cities. However, the demostrations occupied the exhibit to pr

otest  the Triennale system itself.

“Design” is a system that the industrial society has developed as a way og giving from its products, and we who use the language and methhod generated by that system to formulate ideas were being criticited, even as we used that language and method to critize society.”

 Durante la inauguración de la Triennale fue ocupada y dañada por trabajadores, estudiantes y artistas a modo de protesta. Estos querían un cambio inmediata y democrática de todos los lugares e instituciones culturales de la sociedad.

Se empezará a ver de un modo muy directo toda una estética de la protesta que llegará al diseño como con Warhol, generando y buscando una gran transgresión y protesta. El medio principal para esto será el grafiti ya que ha de ser rápido. Veremos obras como:

-Andy Warhol, Mao Te Tung (1972):

Uno de los grupos más relevantes en esa estética de protesta será:

–Atelier Populaire:

Estudiantes, artistas y obreros ocuparon el taller de la Escuela de Bellas Artes de París y lo rebautizaron con atelier Populaire. Allí realizaron alrededor de 500 diseños de carteles diferentes d ellos cuales se hicieron unas 120.000 copias. Claramente sus diseños contaminaron a todos los ámbitos del diseño de la época.

Mostraban por lo tanto una gran grafica revolucionaria que se usará que las manifestaciones.

Algunos de los carteles que realizaran:

-La policía os espera cada tarde a las 20h, Atelier Populaire (1968):

Su grafica como vemos no solo busca lo estético sino también esa urgencia del mensaje

Será por lo tanto una estética mucho más de protesta y de batalla.

-Mayo Francia (1968):

En Francia será uno de los lugares en los que sea más evidente toda esta revolución. Esta serie de protestas espontáneas fue iniciada por grupos estudiantiles contrarios a la sociedad de consumo, el capitalismo, el imperialismo, el autoritarismo, y que en general desautorizaban las organizaciones políticas y sociales de la época, como los partidos políticos, el gobierno, los sindicatos o la propia universidad. Pero pronto se unieron grupos de obreros industriales, los sindicatos y el Partido Comunista Francés​ dando como resultado la mayor revuelta estudiantil y la mayor huelga general de la historia de Francia, y posiblemente de Europa occidental.

-La primavera de Praga (1968):

Lo que pasa en el occidente afectará a todo el mundo.

Otros diseños de carteles de la época:

-Atelier populaire carteles, París, 1968:

A partir de todo esto la estética se contaminará e inundará de técnicas como el esténcil que se realizan de modo rápido con plantillas.

Como decimos esto lo contagiará todo.

Otros ejemplos de carteles que se producirán en la época a partir de esa estética desarrollada por los carteles:

-1970 C Venceremos, anónimo poster estudiante mejicano:

-Willy Fleckhaus, paginación interior de Twen:

Este será un ejemplo de toda esa nueva gráfica alemana con uno de sus máximos exponentes: Willi Fleckhaus.

Era un diseñador como vemos mucho más transgresor y no tan racionalista.

Será muy frecuente el uso de colores planos, al igual que en los carteles de las manifestaciones además de una impresión barata, con imágenes de no tanta calidad a propósito.

Además en ese momento se percibirá la guerra en directo, cosa que producirá un gran cambio de paradigma:

Se popularizará la acción de los fotógrafos de guerra acercando las duras imágenes a todas las casas.

Cambia por lo tanto completamente el paradigma, no se verá la heroicidad sino la crueldad, sufrimiento y destrucción humana.

Por lo tanto a diferencia de lo anterior empezará a surgir un movimiento antiguerra, la guerra se entiende de otra manera.

Empezaremos a ver actos trascendentales como:

-Tommie Smith y John Carlos en la olimpiada de México, 1968:

Fue un momento que ha pasado a la historia. Un símbolo contra el racismo que se en un atleta norteamericano en las olimpiadas. Un país tan “grande” como América tiene grandes niveles de racismo y aquí se hace evidente a nivel mundial. El atleta con este gesto dice que el antes que americano es negro.

Será como decimos un momento trascendental dentro de un país que es el modelo del mundo hay racismo.

En relación a esto veremos todo el movimiento que se llevará acabo de los:

BLACK PANTHERS:

La principal actividad de los Black Panthers era la de formar patrullas de ciudadanos armados para vigilar el comportamiento de los agentes de policía, y así desafiar la brutalidad policial contra los afroamericanos en Oakland, California. En 1969, instauró programas sociales dirigidos a la comunidad, lo que se convirtió en la principal actividad del partido. Los más célebres fueron los desayunos gratuitos a niños y las clínicas de salud locales.

Se caracterizaban por llevar chaquetas de cuero negras, pelos afros y boinas negras de lado.

Esto será parte de toda esa estética de batalla que se estaba dando.

Uno de los temas más presentes será el tema racial y el que se les criticaba por sus rasgos.

Será también un momento en el que se empezará a ver todo ese movimiento de black is beauty.

Uno de los personajes que se identificará con este movimiento será Agela Davis, que es una  filósofa, política marxista, activista afroamericana antirracista y feminista,

Veremos cómo se identificará con esa estética dejándose el pelo afro.

Junto con este movimiento se empezará a reconocer esa estética de la herencia africana, lo veremos en diseños como:

-Miles Davis, Live Evil (1971):

Esta estética y esta temática llegará atodos los ámbitos como el cine:

-“She´s the godmother of them all”:

También la moda se verá inundada por esta estética:

-Super Fly African American fashion models circa (1970)

Como decimos uno de los elementos más característicos de este movimiento que será algo icónico será el pelo afro. El pelo será una marca de naturaleza, ya no se lo plancharán, se lo dejarán crecer, orgullosos.

Al mismo tiempo se darán movimientos como el black mask que defenderán muchas de las mismas ideas de los black panthers pero siendo blancos y muy potentes:

 Black Mask fue un grupo que se dio en la misma época principalmente en EEUUU. Declaró que el arte revolucionario debería ser «una parte integral de la vida, como una sociedad primitiva, y no un apéndice de la riqueza.» y se manifestaban interrumpiendo eventos culturales en Nueva York y otras ciudades.

Eran una vez más como esos hippies que veíamos antes pero más oscuros.

Para ellos las obras de arte están en la calle y son todas esas polémicas.

A partir de todos estos ideales empezaremos a ver toda esa estética PUNK:

El Punk es un género musical que nació a mediados de los años 1970. Este género se caracteriza por su actitud independiente y contracultura. En sus inicios, el punk era una música de estructura de composición minimalista, muy simple y cruda, a veces descuidada: un tipo de rock sencillo, con melodías agresivas de duraciones cortas, sonidos de guitarras amplificadas poco controlados y ruidosos cargados de mucha distorsión, pocos arreglos e instrumentos y, por lo general, de compases y tempos rápidos. Junto con el género musical llegará una estética que ejemplificará sus ideales de ruptura e inconformidad.

Alguno de los grupos más representativos de este género que estábamos viendo son los Sex Pistols:

Fue una banda punk de origen inglés formada en 1975. Serán de los personajes más iónicos y representativos de este movimiento.

En sus gráficas de portadas y publicidad veremos cómo se plasmará toda esa estética punk que ejemplifican.

-Jamie reid:

Será frecuente el uso de imágenes chocantes muchas veces con temas políticos a modo de protesta y reivindicación.

Será una muestra de otra generación que ha cambiado radicalmente y que nace tras la protesta post hippy.

En sus representaciones como vemos serán muy dadas utilizando frecuentemente los collages para crear contrastes e imágenes impactantes y desiguales.

Será además esa continuación del intento de acabar con el diseño racional.

LA CULTURA CORPORATIVA:

Las tecnologías se pudieron desarrollar tanto en este periodo gracias a grandes corporaciones que empezaron a surgir. El desarrollo de estas empresas se debe precisamente al Welfare que EEUU proporcionó a Europs.

Las empresas ocuparán un lugar tan importante que querrán demostrar su importancia a través de distintos aspectos como por ejemplo rascacielos. Se llevarán a cabo muchas de estas construcciones que se equipararán con las mejores tecnologías y más innovadoras. Será la manera de evidenciar la importancia de la empresa de un modo físico y elegante.

Además, buscarán generar una imagen corporativa unificada como ya vimos en días anteriores en un mayor profundidad con empresas como Braun. Esto lo harán a partir del diseño, por lo tanto, el diseño será algo fundamental, no solo para transmitir los mensajes que desean, sino también para colocar a las empresas en el punto que quieren del mercado.

En este contexto será por ejemplo el uso de símbolos que ya vimos que introdujo el pop art para así crear conexiones emocionales con el cliente. Se buscará generar una forma memorable pero que sea acorde con una función y con la compañía a la que representa.

Se verá mucho esa incorporación de las tecnologías bélicas para desarrollar nuevas técnicas en el diseño además de esa atencióna la ergonomía y esa mirada centrada en el cuerpo que tanto hemos visto ya.

Veremso como esto lo llevarán a cabo empresas de productos auromóviles electrónicos y todo tipo. Pero todas buscarán esa idea de generar un diseño versátil y combinable que es lo que aún a día de hoy busca el diseño.

Siempre se buscará esa perfección en el diseño y atención al detalle junto con una humanización del producto para acercarlo a la gente.

Todo esto hará que el diseño evolucione hasta llegar al nivel al que se encuentra hoy en día.

MINDMAP PREVIO:

Está muy relacionado con el tema anterior

Tecnologías que fue posible desarrollar por la presencia de grandes corporaciones que pudieron poner a disposición esos sistemas.

También es fundamental para entender el otro gran punto sobre el que se fundamenta la sociedad en las épocas de posguerra:

A partir de la consolidación del sistema del estado de bienestar, toda la cultura está basada en grandes empresas que son al fin y al cabo la estructura central del sistema. Muchas de estas empresas crecerán tanto que tendrán ingresos y una cantidad de dinero superior al PIB de muchos estados. Por lo tanto, se verá una gran evolución de las mayores corporaciones del país.

Muchas de las compañías del sector tecnológico son de las primeras corporaciones del sistema global, y esto no será casualidad ya que al tratar con temas y productos tan innovadores se harán con el mercado. Estas son las empresas que se encuentran en lo más alto de este sistema de mercado:

Estas grandes empresas se incorporarán a las ciudades realizando o encargando grandes edificios. Lo harán porque no solo se manifestarán a partir de productos, también lo harán a gran escala con estos rascacielos que a su vez será un modo excelente de demostrará su alto estatus y su gran importancia. Enaltece estas empresas en cierto modo.

Uno de los edificios más importantes que se llevaron a cabo en la época:

– William van Alen Chrysler Building, new york, (1978)

El Edificio Chrysler es un rascacielos de estilo art déco situado en la intersección de la Calle 42 con Lexington Avenue, en Nueva York. El edificio tiene 77 plantas y 319 metros de altura, fue el edificio más alto del mundo durante once meses, hasta que lo superó el Empire State Building.

El edificio Chrysler fue diseñado por el arquitecto William van Alen, es un ejemplo clásico de la arquitectura art déco y muchos arquitectos contemporáneos lo consideran uno de los mejores edificios de Nueva York.

Este es otro ejemplo emblemático de la cultura y diseño art decó de la época.

Walter Percy Chrysler quería que quedara claro que fabricaba automóviles cuando encargó el edificio, decorándolo con águilas, cubiertas de radiadores y tapacubos inspirados en los modelos Chrysler, todo ello basado en una arquitectura del más puro Art Déco, que lo convierte en un rascacielos con un estilo único. Es por ello por lo que en el diseño vemos ostentaciones de materiales innovadores como aluminio.

Dentro, el vestíbulo triangular con entradas y salidas a los lados está iluminado de una forma muy teatral y decorado con acero inoxidable, mármoles africanos y granito de todo el mundo. En el techo hay un enorme mural de 36 metro de largo por 26 metros de ancho pintado por Edward Trumbull que representa imágenes del progreso, los transportes y la energía.

Otro de los grandes edificios que se llevarán a cabo en la época será:

-Reymond Hood, Rockefeller Center, 1930-39:

El Rockefeller Center es un complejo de 19 edificios comerciales, que cubre 22 acres entre las calles 48 y 51 en la Ciudad de Nueva York. En esta zona se encuentran algunas de las boutiques más lujosas de Nueva York, fue declarado un National Historic Landmark en 1987 y es sin duda uno de los lugares más emblemáticos de la ciudad.

Muchas de estas empresas se acomodarán aquí.

 También vemos numerosos diseñadores que se vinculan a esa sociedad corporativa incorporando sus aportaciones y veremos:

-La profesionalización del diseño industrial en Estados Unidos, del conocido como streaming al styling:

Esto sucederá tras el crac los 29, cuando los diseñadores empezarán a  estar contratados por numerosas empresas para potenciar el consumo. Los diseñadores serán figuras de una gran importancia y necesidad:

– Black Thursday, 29:

Un jueves del año 1929 se produjo el colapso de Wall Street. Fue el colapso más importante del mercado de valores. Comenzó en septiembre y terminó a fines de octubre, cuando colapsaron los precios de las acciones en la Bolsa de Nueva York. Fue el colapso más devastador del mercado y de la historia de los Estados Unidos , sobre todo cuando se tiene en cuenta el alcance y la duración de sus efectos posteriores.

Las 5 figuras más reconocidas del diseño industrial de la época que conseguirán su fama a partir de esa alta demanda de las empresas por diseñadores:

Henry Dreyfuss

Norman bel Geddes

Walter Dorwin Teague

 Raymond Loewy

Gilbert Rohde

Serán los que mejor atenderán a las demandas de las grandes compañías.

Indican a las compañías de un modo muy acertado cual es el camino para seguir para desarrollar sus empresas del modo deseado y de un modo exitoso.

Estos son algunos de los diseños y evoluciones de las empresas que veremos en la época:

–              Raymon Loewy, Evolution Chart of design, 1930:

Los diseñadores buscarán ese punto intermedio entre demanda y oferta y realizarán el producto más deseable para el público. Es decir que se basarán en un amplio estudio y observación del mercado y de lo que quiere la gente, es decir de los consumidores:

En esta época será cuando surja una amplia gama de productos aerodinámicos:

–Norman Bel Geddes, maqueta de estudio para la Motorcar n. 9, 1933-34:

Norman Bel Geddes (1893-1958), fue un diseñador industrial y teatral estadounidense que como decimos se enfocó sobre todo en el estilo aerodinámico.

Otro ejemplo de ese desarrollo automovilístico e investigación del estilo aerodinámico:

–              Raymond Loewy, Hupmobile, 1934:

Los coches empezarán a hacer referencia con su forma a los cohetes. Usarán su estética por su gran funcionalidad y la aplicarán para conseguir así modelos más veloces que se sirven del viento y el aire en su favor. Todos estos modelos tendrán detrás un amplio estudio para conseguir la mejor funcionalidad posible.

Otros modelos que surgirán en estos primeros años:

-Chrysler Airflow, 1934:

Con el gran diseño lograrán despertar el interés en el público y así estimular su deseo. Crearán las necesidades.

-Harley Earl, Cadillac Eldorado, 1953:

Llegarán incluso a inventar y definir nuevos productos como los medios de transportes como vemos en los siguientes ejemplos:

-Norman Bel geddes, Air Liner n.4, 1929:

Este diseño se pensó para reemplazar los grandes transatlánticos que viajaron entre Europa y América del Norte antes de la Segunda Guerra Mundial, aunque nunca llegó a ser construido. Querían mostrar cómo sería el avión intercontinental.

Otro ejemplo sería:

-Norman bel geddes, Ocean liner, 1932:

Era un transatlántico aerodinámico pensado por Bel Geddes.

Apareció por primera vez en el libro Horizons de 1932 de Geddes y se presentó una patente general en 1933 con una patente detallada que siguió en 1934. A fines de la década de 1930 se hizo una oferta por los derechos del diseño, que Geddes rechazó, ya que todavía esperaba vender a un constructor naval estadounidense, pero el barco nunca fue construido.

Al mismo tiempo empezarán a aparecer numerosos productos como la nevera que se planteará como productos útiles y deseables que ayudan mejorar la calidad de vida.

Todas estas cualidades se transmitirán a partir del diseño:

-Raymond Loewy, Styling de la nevera Coldspot para la empresa Sears Roebruck Co., 1935-37:

Veremos también numerosos productos que presentarán esta estética streamline:

-Raymond Loewy, Sacapuntas, 1933:

 Al igual que numerosos inventos muy modernos en la época como son las radios:

 -Bluebird Radio, 1935

-Norman bel geddes, patriot radio, 1939:

Veremos un diseño que transmite un mensaje y aumenta así el deseo. Aquí juega con un mensaje patriótico, pero veremos todo tipo de mensajes de los que se aprovecharán para llegar a más gente y del modo que ellos desean. Generarán así una conexión emocional con los usuarios.

Constantemente el centro de la atención será dirigido a la forma como vemos en los siguientes diseños:

–              Henry Dereyfuss, teléfonos para la compañía bell:

La forma será memorable y adaptada a la función para lo que son diseñados esos productos:

-Raymond loewy, Styling para coca-cola, 1940 ca.

Coca-Cola creará toda su comunicación gráfica. Será un ejemplo de esa visualización de una compañía y corporación

«Entre dos productos del mismo precio, la misma funcionalidad y calidad, se vende más el más bonito». –Raymond Loewy

El diseño será el vehículo de ese estilo de vida mostrando el comportamiento deseable. Coca cola será un ejemplo de ello, es la bebida de moda, es americana y moderna. Será la imagen de coca cola y será llevada por todo el planeta, mantendrá el valor de bebida de moda a actual

Otras corporaciones que beben del diseño en estos aspectos:

Johnson Johnson:

-Frank LLoys Wright, S. C. Johnson & Son., Racine, Wisconsin, 1936-39 y 1943-40

Encargará en este periodo el proyecto de toda su sede.

Generará nuevos entornos de trabajo que se centran en que el trabajador se encuentre lo más cómodo posible para ser así lo más productivo posible.

Generará una gran imagen que la asocia a un lugar de distinción, con ideas innovadoras y muy avanzado a su tiempo.

Las corporaciones empezarán a necesitar estos escaparates en los que conectarse y hacer que el mundo imagine cómo será el mundo del mañana.

La feria de Nueva York fue un buen ejemplo de este escaparte en el que dar a conocer el mundo del futuro. Se verá esta intención en todos los aspectos de la exposición:

-Cartel Albert Stahele, 1939:

Esta visión se centrará mucho en la industria automovilística en NY:

-Albert Kahn Inc., Ford Building, 1937-39:

Las corporaciones automovilísticas llevarán a cabo importantes pabellones a modo de exposición:

 Walter Dorwin fue un diseñador industrial relacionado con el estilo Art Deco, pero destaca sobre todo por su protagonismo durante el período de Streamlining en Estados Unidos tras la crisis del 29. Lo que hacía era explicar en productivo el producto para que el cliente entendiese el funcionamiento y darle valor que lo que hacían. Lo desglosaba por decirlo de alguna manera como vemos en esta exposición, haciendo que se entendiesen así  mejor los componentes.

-Walter Dorwin Teague, Ford Cycle of Production, 1939:

En ese momento dar trabajo y consumir productos del país eran modos de ser patrióticos y de fomentar la economía del territorio.

Otros ejemplos que se verán en la época relacionados con el sector automovilístico serán los siguientes:

-Albert Kahn, fabrica Ford de River Rouge, Dearborn, Michigan, 1917-28:

 General motors y Ford serán dos empresas automovilísticas muy interesadas en ir más allá y en fomentar todos esos idéales de los que hemos estado hablando.

General motors quiere vender coches sin duda alguna, pero sabe que sin un sistema de carretas por el que puedan transportarse más coches no tendrán tanto mercado. Por lo tanto, se llevarán a cabo estrategias como las que promocionará general motors de ampliar y mejorar el sistema de autopista y la conexión de todo el país a partir de carreteras. Esto no solo les ayudará a ellos, sino que afectará a lo que es el país en sí.

-Albert Kahn Inc., general Motors Building, 1937-1939:

Esa construcción de carreteras y esa promoción por lo tanto serán algo estratégico.

La red de highways es fundamental para poder fomentar el desplazamiento de las tropas en caso de ataque a gran escala por el territorio americano. Se convierte como comentábamos en un proyecto estratégico, y construirá la red fundamental de esta con una gran inversión. Toda esta amplia red de carreteras y autopista aún existe hoy en día.

-Planificación de la red de las U:S Highways en 1965, Interstate Highway System, 1955: 

En estas exposiciones además se llevarán a cabo proyecciones cinematográficas e hipótesis en todos los ámbitos posibles para que a gente se planteas cómo sería ese futuro ideal que no veían tan lejano con todos los avances de la época. Estas son algunas imágenes de los visitantes de Futurama:

 En esta visita los espectadores quedan proyectados en una calle del futuro y les dan el pin de i have seen the future, con esto entendemos que ellos se lo creen, realmente creen que ese futuro, ese gran futuro, está a la vuelta de la esquina:

Todos los ciudadanos participaran y colaboraran para que eso se convierta en una realidad.

-Cultura corporativa

Como decíamos la cultura corporativa será concebida como otro fenómeno relevante de las épocas de posguerra, en la que predominará y se popularizará la idea de que las grandes compañías necesitan una participación del diseño a varios aspectos. Uno de estos aspectos era donde los diseñadores de producto se ponen al servicio de las nuevas aportaciones, por lo tanto, buscarán diseñar nuevos productos al agrado del público, y al mismo tiempo harán que se posicionen, aunque a veces de un modo muy inconsciente. Pero además,

Las corporaciones no solo necesitan productos, también necesitarán una imagen reconocible a gran escala como será con los rascacielos que veíamos que serán imagen de estatus. Incluso algunas corporaciones que nacen de propuestas de un interés como el caso de general motor con los coches y cómo consiguen influenciar determinadas políticas del estado como con las autopistas.

Se intensificará por lo tanto todas estas políticas de productos a un mercado muy amplio, y a partir de ahora se podrá consumir objetos que habían sido fabricados con técnicas y tecnologías que se usaban principalmente para la industria bélica.

Como con las férulas, por ejemplo:

-Charles y Ray Eames, Férula para pierna, 1942:

Esta clase de productos no solo serán muy funcionales y útiles, también permitirán investigar con técnicas que hasta el momento no se habían podido desarrollar tanto como es el doblamiento prensado y plegado de la madera.

Esta es una imagen de como se llevaba a cabo esta “deformación” de la madera:

Por lo tanto, ahora se empezarán a ver más productos que ya hemos visto en otros momentos pero que serán observaros des del punto de vista de la imagen corporativa:

Aunque algunos serán corrientes, sí que serán productos innovadores en muchos aspectos:

-Ensayos de curvatura de madera contrachapada en tres dimensiones mediante prensado:

Vemos como decíamos como esas mismas técnicas que se habían usado en la tecnología militar (como era en las férulas de los lisiados de guerra), o que se habían desarrollado a partir de la guerra se añadirán como mecanismos más de desarrollo de ese diseño. Este es un producto por lo tanto corriente, que ya habíamos visto, una silla, opero que será tratada de un modo innovador como sería esa técnica de prensado.

Veremos a partir de entonces algunos modelos fabricados por grandes compañías de mobiliario que en el momento en EE. UU. serán grandes referentes en el mercado:

-Ch. Eames, Silla Eames, 1946:

-Silla LCW, 1945-6:

Este es un icónico diseño de Charles y Ray Eames que data del periodo en el que experimentaban con contrachapado de madera moldeado tridimensionalmente. Buscaron nuevos procedimientos para adaptar la madera laminada moldeada tridimensional a las formas del cuerpo humano. El resultado fueron las sillas del Plywood Group, que se han convertido en clásicos con un aspecto que sigue siendo contemporáneo en la actualidad. En el Plywood Group, también combinaron los asientos y los respaldos con distintas bases. Gracias a la forma orgánica de las carcasas de madera laminada y a los respaldos.

Para realizar estas sillas usan soportes de goma soldados electrónicamente al asiento y respaldo en los puntos de unión con la estructura metálica.

También se realizarán otras como la serie tulip, que habíamos visto ya en otro post anterior y que será una de las sillas más famosas del momento:

-Eero Saarinen, Serie Tulip, para Knoll, 1946:

Esta silla como vemos es innovadora en si misma. Saarinen buscaba englobar en una pieza homogénea la simplicidad visual y las formas orgánicas, deshacerse de las típicas cuatro patas y realizar una estructura simple y única que sirviese como base de apoyo, aunando en ella los principios básicos de la ergonomía, comodidad y funcionalidad.

La serie Tulip la componen sillas, butacas, taburetes y diferentes tipos de mesas. Tanto la base de las sillas y las mesas que están fabricadas en aluminio barnizado y la carcasa del asiento de la silla en fibra de vidrio, están disponibles en blanco y negro. La mesa pedestal está disponible en varios tamaños y la tapa puede ser laminada, mármol o madera. Ambas piezas originales las sigue produciendo y comercializando Knoll.

La forma es sin duda alguna lo más característico que no buscaba representar el típico objeto convencional, sino precisamente salir de esa concepción. Lo que hará será estilizar el único soporte central creando a su vez una gran estabilidad en las distintas piezas.

Se usarán materiales novedosos como eran el poliéster reforzado por fibra de vidrio.

Con todo ello se conseguirá un diseño de una forma memorable.

Como decíamos se puede apreciar fácilmente esa atención al cuerpo y cómo busca envolver cuerpo con el material. Genera por lo tanto una forma que se adapta.

Veremos cómo el logotipo y la línea del producto se convertirán en el principal elemento de comunicación.

R. Knoll encargará el diseño y seguirá muy de cerca todo el desarrollo del producto y estimulará a los diseñadores haciendo que saquen lo mejor de sí y consiguiendo así el mejor resultado:

Vemos en la imagen cómo fue el desarrollo de la serie.

Se buscará que toda la gama de productos sea muy coherente además de que sean productos muy combinables con cualquier otro mueble. Será por ello por lo que en la época se encontrarán estas sillas en casi cualquier espacio.

Con este diseño defienden una nueva imagen. Será un producto que sirve para muchas cosas, será un objeto muy versátil y como decíamos no lo veremos solo en el entorno doméstico.

Algo muy relevante además de esta serie fue toda la campaña de comunicación que se llevó a cabo. No es solo el diseño sino cómo el diseño llega a la gente.

– Herbert Matter: (1907-1984)

 Ya habíamos hablado de él, pero Matter fue un fotógrafo y diseñador gráfico estadounidense de origen suizo conocido por su uso pionero del fotomontaje en el arte comercial. El trabajo innovador y experimental del diseñador ayudó a dar forma al vocabulario del diseño gráfico del siglo XX.

Será el diseñador que se encargará de llevar a cabo esta campaña de promoción de la serie tulip.

Estos son los diseños que llevará a cabo:

Ya en el 46 renovó el logotipo de Knoll y vemos algunos de sus carteles y cómo juega con la forma de los muebles de Knoll. Es a lo que nos referíamos antes con lo de que jugaban con la línea del mueble, es decir con la forma y la línea externa que esta crea.

Tratará y presentará las formas muy escultóricas, generando así un gran interés visual.

En la campaña por la serie Tulip juega con el elemento sorpresa, vemos ese objeto envuelto, que lo que hace es generar curiosidad y cierta expectativa.

Otro objeto relevado generando de nuevo una imagen memorable. También vemos otra imagen en la que está sentada pero no lo hace de un modo tradicional, el cuerpo queda elevado sobre el pie, acentúa ese efecto sorpresa.

Matter seguirá generando esta idea memorable en todos los aspectos gráficos.

Con el logotipo lo vemos también, es el elemento que muestra la identidad y se reduce constantemente pero seguimos viendo esos mismos elementos y cómo genera un mensaje coherente.

Veremos como decíamos estos diseños en muchos decorados de interiores y en amplias revistas de decoración:

-Drake University-Dormitory Social Room amueblado con piezas Knoll, 1955:

Otro ejemplo de estas empresas del momento será el que se dé a partir de que en este sistema de empresas que se desarrollan a nivel global necesitan otro medio de transporte, ya que las distancias que han de recorrer son mayores, pro lo tanto será el momento del avión.

Esta popularización del transporte como una fuente más de consumo permitirá que se desarrollen esas imágenes corporativas a nivel de mantener esa intención de la que habíamos hablado anteriormente. Estos son algunos ejemplos que se empezarán a ver en la época:

-Anuncios de Lockheed, 1941 y de las compañías aéreas de Estados Unidos, 1945:

Esta era una empresa que hacía aviones de combate, pero ya empezaba a pensar antes de acabar la guerra en reinventar su producción hacia los aviones comerciales. Será otro ejemplo más de esos productos de guerra redirigidos a un mercado civil y de consumo.

Welcome home, es lo que vende el cartel, volar en avión ya no es una experiencia limitada a una elite y para muchos soldados esta acción empieza a ser algo más familiar o corriente.

Otros ejemplos que se ven:

-Anuncios AmericanAirlines, 1939 y Martin, 1945:

En el periodo al rededor la segunda Guerra Mundial el avión será lo que marcará la diferencia con esa nueva cultura moderna y americana. Volar ahora es una diversión.

-Anuncios TWA, 1946:

Vemos que estos viajes y mensajes buscan mostrar una predisposición de que es algo excitante.

Estos anuncios juegan con que la primera vez que alguien había estado en muchos de esos países que sale en los carteles era como militar, para luchar en la guerra y combatir por su país, pero la próxima vez será como turista, de EE. UU. hacia el mundo. Eso es lo que buscan transmitir, viajar ahora es otra actividad de ocio de la que se puede gozar.

También se verá en relación con estas compañías aéreas un amplio despegue publicitario que jugará con marcar la directriz de viaje de negocios y el turístico:

-Anuncio American Airlines, 1946 y 1952:

El hombre de negocios como tal vuela, es una acción que le ahorra mucho tiempo, además de que llegas descansado y en otro en cambio, realiza una comparación del tren, con el cual el hombre llega tarde y no puede llevar a cabo su negocio exitosamente.

Todo esto son ejemplos de esos mensajes de los que habíamos hablado y que las empresas buscarán trasmitirlos con su imagen corporativa y diseño.

Otra narrativa muy relacionada será la del siguiente edificio que ya habíamos visto también:

-Eero Saarinen, Terminal TWA, New York, 1956-62:

«… un edificio en el que la propia arquitectura expresara el drama, el carácter especial y la emoción de los viajes … un lugar de movimiento y transición … Las formas fueron elegidas deliberadamente para hacer hincapié en un creciente aumento de la calidad de la línea. Queríamos un levantamiento”- Eero Saarinen

La terminal de la TWA está esculpida como si de un símbolo de vuelo se tratara, abstracta, una alegoría al vuelo realizada en hormigón armado. A menudo ha sido descrita como la figura de “un águila tomando tierra”. Sus formas curvas evocan un vuelo fluido. El vocabulario formal del arquitecto moderno aparece en la simetría de la planta o los alzados, siendo el movimiento de las formas la inspiración principal, aún en los mínimos detalles, para desarrollar su diseño.

Antes de comenzar con el proyecto, Saarinen realizó un profundo estudio del comportamiento de los usuarios dentro de los aeropuertos, ya fuesen viajeros, visitantes o acompañantes. Dicho estudio reveló que los flujos de los viajeros en sus recorridos, nunca son en línea recta, detalle tenido en cuenta por el arquitecto en el momento de diseñar un entorno con formas envolventes.

Al final este aeropuerto serán las nuevas puertas de acceso a la puerta internacional, es decir al resto del mundo y a EE. UU., la gente que llega por avión llega por ahí.

Terminal no de fibra de vidrio como las sillas sino de hormigón armado, pero de todos modos sí que tiene una forma similar, es una forma dinámica, libre, y hecha a partir de cascaras que están reforzadas con la armadura metálica. Todo ello es lo que hace que transmita ese gran dinamismo y movimiento.

Ese dinamismo que intenta transmitir es el propio del vuelo que se ve muy bien en el interior como vemos:

Estas formas están basadas en las formas que veíamos del expresionismo europeo.

Saarinen se inspira en las bóvedas de crucería gótica para albergar un espacio sin columnas que da cabida a varios servicios. Pese a que la estructura parece ser una pieza escultórica de hormigón, en su interior está reforzada por una invisible red de acero, una especie de “hamaca invisible de acero” que soporta la cubierta. Se trata de una gran columna en forma de Y que se transforma de manera plástica y pausada en otras vigas encargadas de sostener las cuatro secciones de la cubierta, a la vez que permiten, a través de su separación, el paso cenital de luz natural y alivianan el peso visual de la estructura.

Vemos por ejemplo esa pantalla en el tablón que anuncia los vuelos y cómo tiene una forma sorprendente también, que no es la típica.

La terminal tenía un aire futurista, en el interior había grandes ventanales desde los que se podían observar los aviones estacionados de la TWA o los pasajeros que partían atravesando las alfombras rojas de los fingers. Las puertas de la terminal estaban cerca de la calle, lo cual dificultó la creación de entradas centralizadas y controles de seguridad. Fue la primera terminal de unas aerolíneas en tener un circuito cerrado de televisión, un sistema central p/a, cintas para el equipaje, una pantalla electrónica de vuelos, además de ser los precursores en la utilización de básculas para pesar los equipajes.

Toda la terminal mostraba un diseño muy coherente y con esa conexión directa con la forma aerodinámica del avión y la de la terminal, habrá por lo tanto una perfecta armonía:

En el interior vemos una continuidad de las formas de la arquitectura y cómo se convierten a su vez en el mobiliario proporcionando así un confort máximo a los usuarios de la terminal.

Como habíamos comentado se verá una amplitud de los ventanales que proporcionarán una agradable vista en las pistas. Se buscará ese diálogo entre el interior y el exterior.

Al fin y al cabo todo forma parte del espectáculo y que juega con el hecho de ser un lugar dedicado a distinguir y elevar la experiencia del vuelo.

Saarinen también hizo el aeropuerto de la capital de EE. UU. de Virginia:

-Eero Saarinen, Aeropuerto de Washington-Dulles, Chamtilly, Viginia, 1958-62:

Saarinen diseñó la terminal del aeropuerto internacional de Dulles al mismo tiempo que la terminal para la TWA de Nueva York. La terminal de Dulles fue concebida como un moderno templo dedicado al transporte de pasajeros. El sencillo diseño simétrico si se observa desde los laterales contrasta con la imagen que tenemos de ella si nos adentramos como usuarios. El edificio mantiene su carácter imponente gracias a una columnata que se fuga oblicuamente hacia el frente para dar abrigo a los pasajeros. Como ocurrió en el diseño de la TWA, en este caso el diseño aeronáutico tuvo gran influencia en el proceso creativo del edificio, repleto de líneas curvas que denotan un cierto carácter aerodinámico. Vemos otra vez esa idea de que el aeropuerto es la nueva puerta de acceso a las grandes ciudades y era la puerta a una de las grandes capitales a nivel mundial.

En este edificio ejecutó lo que fue la primera materialización de la tipología estructural conocida como banda tesa hecha de hormigón pretensado en una cubierta de un edificio.

Lo que hizo fue  a partir de unos grandes mástiles de hormigón había una gran cubierta tendida que parecía caer de forma natural en una gran sala diáfana.

Restaurante con la Tulip: lugar de distinción

Eero Saarinen se inspiró en las líneas que dibujan los aviones a reacción en el cielo y con ellos consigue de nuevo esa gran forma memorable y excepcional.

Como habíamos dicho antes el desarrollo de los rascacielos será algo fundamental en la época como imagen que daban esas empresas. Serán como unas torres corporativas que será un elemento fundamental de la potencia del edificio.

Este no es corporativo propiamente pero seguirá la misma línea:

-Wallace K. Harrison, Max Abramoviz con Le Corbusier, Sven Merkelius, Oscar Niemeyer y otros, Secretariado de la ONU, New York, 1947-50:

El edificio de la Secretaría de las Naciones Unidas es un rascacielos de 154 metros de altura y es la pieza central de la sede de la ONU. El lote donde se encuentra el edificio se considera territorio de las Naciones Unidas, aunque sigue siendo parte de los Estados Unidos.

Varios arquitectos darán ideas en el proyecto que está formado por distintas piezas y partes.

A partir de finales de la segunda guerra mundial este será un escenario de reuniones memorables.

Como decíamos en el ámbito de la cultura corporativa el rascacielos se contemplará como la “torre canónica” de la expresión del poder de dicha empresa.

Estos será algunos de los edificios más importantes que se llevarán a cabo en la época:

-Skidmore, Owings & Merrill con Gordon Bunshaft, Lever Brothers Company Builiding, New York, 1951-52:

La sede de Lever Brothers es un importante estudio de arquitectura e ingeniería que llevarán a cabo este gran proyecto. En primer lugar, sitúan en el espacio urbano un gran elemento horizontal que será el zócalo, la base que se adapta a la forma del terreno con zona de porche, y que al mismo tiempos era la zona de acceso y luego vemos encima colocado el prisma perfecto vertical revestido con un cerramiento hecho a partir de ese muro cortina con paneles de cristal insertados en un bastidor metálico que crea esta interesante trama que permite su sugestión a la estructura. A su vez vemos unos pilares de acero oportunamente aislados.

Todo el edificio define su aspecto a partir de la modulación y la transparencia y opacidad de los distintos materiales.

Generan un edificio completamente sellado ya que no puedes abrir las ventanas arriba, en lo alto del edificio, por lo tanto, el sistema de climatización y aire acondicionado será algo fundamental ya que este muro cortina absorbe mucho calor.

Uno de los elementos más importantes de Lever House como decimos es su muro cortina, que está hecho de vidrio resistente al calor y que muestra ese color azul-verde y acero inoxidable tan característicos. Su diseño tenía un propósito económico y estético.

Le Corbusier había pensado en algo diferente con hormigón que protegían el cristal como veíamos en la obra anterior, pero aquí se decidirá optar por esta otra estética y técnicas.

Mies van Der Rohe será otra figura fundamental en este contexto de los grandes edificios en EE.UU.

Hará edificios también de forma similar:

-Ludwig Mies van der Rohe, Lake Shore Drive Apartments, Chicago, 1948-51

Este será el primer proyecto residencial que hará en Lake Shore. Lo construirá a partir de una retícula modular base que se ve en toda la fachada. Con ello se implantará una estandarización, y un amplio control dimensional. Progresivamente la retícula se convertirá en una cosa base y será lo que dará unión a toda la fachada del edifico.

Y de este arquitecto cabe destacar en este discurso otra obra que también comentamos el otro día:

–Seagram Building, New York, 1954-58:

El Seagram Building es una moderna torre de oficinas proyectada por el arquitecto alemán Ludwig Mies van der Rohe, en colaboración con Philip Johnson. Es la sede central de la corporación Seagram, fundada por un contrabandista enriquecido por la venta de alcohol durante la Ley Seca.

En este edifico Mies busca mostrar el “menos es más” demostrando que un edificio sencillo puede ser igual de sorprendente que una edificación con diseños más compuestos.

Aquí también vemos cómo el arquitecto elige una ubicación excepcional. Para realizarlo no ocupa todo el solar, sino que deja vacío casi medio solar, generando así una plaza urbana.

Lo que hace con esa distribución es ofrecer a la ciudad ese espacio urbano y al mismo tiempo enaltece el edifico.

«para poder verlo. Si vas a Nueva York, realmente tienes que mirar a las marquesinas para saber dónde estás. Ni si quiera puedes ver el edificio, sólo lo ves desde lejos» –Mies Van der Rohe

El edificio, por lo tanto, gana un espacio extra también que sirve se modo beneficioso para poder ser visto mejor a cierta distancia. Deja cierto “aire”.

Mies se abstrae del espacio generando unos entornos propios.

Mies diseñó el edificio a la manera de las columnas antiguas, con base, fuste y capitel, remitiendo así a la arquitectura clásica.

Mies buscó durante mucho tiempo el discurso sobre la nueva forma perfecta y previamente ya hizo muchos otros proyectos en los que se veía cómo ensayaba el muro cortina. Con él se cumple lo de que la práctica lleva a la perfección:

-Ludwig Mies van der Rohe, Proyecto de rascacielos en la Fiedrischstrasse, Berlín, 1921:

-Ludwig Mies van der Rohe, Proyecto de rascacielos de vidrio, Berlín, 1922:

Con todos estos vemos que buscará definir una imagen propia.

Al mismo tiempo será muy común que recurra a una tripartición del cuerpo, basándose así en la teoría clásica de la arquitectura de la que hablábamos:

La base sería ese zócalo con unos pilares vistos, luego el cuerpo hecho de plantas todas iguales y por último el coronamento del edificio. Además, vemos en todo el diseño un alto valor tecnológico que le da cierto acondicionamiento al edificio, se ve también ese uso de materiales exquisitos muy distinguidos.

Usa en el diseño unos paneles de bronce de cristal tintado jugando con la idea de remitir a ese color del alcohol y una vez más crea una imagen más identificable con la empresa al mismo tiempo que la enaltece.

Vemos también el interior con esos núcleos de acceso con los ascensores que buscan generar la distribución de las personas por las plantas:

Esta es una imagen de la maqueta previa que elaboró y muestra como ya se ve claro todos los ideales que busca representar en la construcción:

Será además muy consciente del juego de la noche y cómo crea ese positivo negativo con los cristales, generando un juego visual muy agradable de mirar. En los edificios de nueva York de la época se verá esa idea de que nueva york es la ciudad que nunca duerme y por lo tanto la luz de la noche será un elemento más a tener en cuenta a la hora de diseñar.

Estos edificios generarán nuevas imágenes de cómo la ciudad se extiende a nuestros pies:

El hombre se coloca en lo más alto.

Vemos en la imagen ese sistema de aire acondicionado del que habíamos hablado y cómo crea una barrera delante de la ventana.

Habrá una relación directa entre Mondrian y sus retículas de la ciudad de nueva york:

-Piet Mondrian, New York City, 1942 (unfinished):

En estas composiciones vemos cómo el artista ya percibía el ritmo y el dinamismo de las retículas urbanas de la ciudad y es lo que Mies define y muestra con su edificio.

Mies prestará una gran atención al detalle y vemos muchos elementos dentro de toda esa estructura metálica.

Mies será un verdadero maestro en definir la articulación de los distintos elementos.

En el interior del edifico además empezaremos a ver un mobiliario que a partir de ahora será “el estándar” de los nuevos mobiliarios de oficina. Se verá el uso de elementos y componentes metálicos, y serán piezas muy resistentes:

En Europa también veremos algún rascacielos o edifico similar a estos, aunque no habrá un desarrollo tan amplio como en los Estados Unidos.

Uno de los edificios europeos más importantes de la época será:

-Arne Jacobsen, Hotel Radisson SAS Royal Copenhague, 1958-60:

El programa nace de la necesidad de concentrar en un mismo complejo, una terminal aérea, un hotel y una agencia de viajes, ya que sus necesidades se complementan. El ayuntamiento de la ciudad exigió que se aprovechara al máximo el potencial que ofrecía el emplazamiento.

El edifico está ubicado en la zona central de la ciudad de Copenhague.

En Europa además también hay que destacar algunas compañías que prestan gran atención a la imagen que definen a partir del diseño y arquitectura:

-Olivetti:

Olivetti es una empresa manufacturera italiana de computadoras, impresoras y otras máquinas de negocios. Creció rápidamente durante este periodo ampliando y diversificando la oferta y desarrollando la presencia comercial en Europa y en el mundo. Se lanzaron nuevos modelos de máquinas de escribir, muebles y equipamiento para la oficina.

Un aporte fundamental a la rápida expansión de la sociedad fue dado por Adriano Olivetti, hijo de Camillo, que se convierte en Director General en 1933 y le imprime un estilo y una cultura que harán de Olivetti un ejemplo único en la historia industrial italiana y europea. Durante los años 1930, Olivetti contrata numerosos diseñadores para trabajar en su identidad gráfica, bajo la dirección del publicista Renato Zveteremich.

Será un gran ejemplo global de compañía que usará el diseño en todos los niveles de sus productos para potenciarlos, hacerlos más atractivas y así conseguir más consumidores y clientes.

Mostrarán además una gran atención a la perfección en el diseño y atención al desarrollo del producto en todos sus detalles.

Estos son algunos de los ejemplos de diseño que veremos en su empresa en este periodo y que formarán parte de su imagen corporativa:

-Luigi Figini, Gino Pollini, Xanti Schavinsky, Ottavio Luzzati, Máquina de escribir Olivetti Studio 42, 1935:

-Marcello Nizzoli, calcura MC 4S Summa, 1940:

Harán mucho hincapié en los carteles aparte de en los productos, ya que serán el modo de venderse y darse a conocer al mundo:

-Giovanni Pintori, carteles para Olivetti, 1949-56:

Pero también estarán muy interesado en desarrollar una gran narrativa en los productos que evnderán:

-Marcello Nizzoli, Olivetti Lexicon 80, 1948 Lettera 22, 1659:

Aquí vemos un intento (conseguido) de llevar a la máquina de escribir a un contexto de vida cotidiana. Representan la máquina con un ramo de flores encima. Esto hace referencia a que la máquina se lleva la casa después de trabajar, es portátil y de camino a casa se ha parado a comprar flores. Con este simple hecho consigue humanizar el producto, lo sitúa en un contexto específico de la vida, y esto es algo que se intentará mucho para normalizar y cotidianizar esos productos, serán estrategias de marketing al fin y al cabo pero que se impartirán con el diseño.

Esta será un poco la línea de la imagen y diseño gráfico que construyen:

-Giovanni Pintori, carteles para Olivetti, 1958:

En estos carteles de Pintori vemos cómo intenta transmitir esa facilidad y placer que está relacionado con el uso del producto. Es decir, trasmite la satisfacción de utilizar el producto que vende. Permite versatilidad, muestra esa forma de las teclas y al mismo tiempo la suavidad del teclear incluso habla del canto al usar las maquinas, que desprenden unos sonidos armoniosos como el canto de un pájaro. En estos carteles vemos como no son necesarias las palabras, usa las mínimas, pero transmite con perfección el mensaje que desea.

Pero además Olivetti también tendrá que trabajar en la imagen en las tiendas que tendrá al rededor del mundo. Al final las tiendas serán el escaparte directo de la marca y será un gran elemento a tener en cuenta:

-Tienda Olivetti, Venecia, 1958-59, Carlo Scarpa:

Muchos grandes arquitectos ayudarán en desarrollar esta imagen. La empresa busca generar un entorno exclusivo para la venta de esos productos. Querían generar un entorno muy distinguido y exclusivo, diseñado para apreciar los valores estéticos de los productos, es decir que el lugar tenía que potenciar el diseño de lo que vendía, pero al mismo tiempo ser en sí un lugar de gran diseño.

Scarpa se enlaza con la tradición, era un gran admirador de Frank lloyd Wright y esto se ve de un modo claro y directo en su diseño.

Vemos como en la disposición de objetos llega a parecer casi un museo. Hay esa idea de admirar los productos antes de comprarlos. Se desarrollará toda una política y una estética en torno a esto.

-Gian Antonio Bernasconi, Annibale Fiocchi, Marcello Nizzoli, Olivetti, Ivrea, 1960-61:

Esta será la sede principal de la compañía ubicada en Ivrea.

Grandes arquitectos participarán en el proyecto en el cual Olivetti busca proporcionar a sus empleados un “Welfare” corporativo, es decir un lugar en el que no solo se va a trabajar si no darles ciertos beneficios y condiciones favorables. Tienen lugares a los que ir a leer y donde desarrollar momentos de ocio, una guardería, y muchas cosas más. Todo esto formará parte de una responsabilidad corporativa y social que esta compañía en particular defendió mucho en sus principios.

Al ser una compañía multinacional tendrá muchas fábricas y se dedicará a construir las otras también contando con arquitectos de primera fila como vemos:

-Marco Zanuso, Fábrica Olivetti, Guarulhos /Sao Paulo), Brasil, 1957-59:

-Egon Eirmann, Sede Olivetti, Frankfurt, 1968-72:

Se buscará que todas las fábricas y centros transmitan los mismos ideales y un mensaje coherente trasmitiendo así una imagen de la compañía unificada y afín a sus principios.

Otro caso relevante en este contexto será:

-Fiat y Seat

FIAT: (Fabbrica Italiana Automobili Torino)

Esta es una histórica marca italiana de automóviles bajo la que se comercializan vehículos desde 1899. Hoy en día Sus principales mercados son Europa, Norteamérica, Latinoamérica y Asia, con fuertes ventas en Brasil e Italia.

Fiat era una compañía que estaba ya presente en España en los años 20:

-Anuncios de Fiat Hispania, 1920-35:

En este contexto en el que nos centramos hoy llevará a cabo también una política de expansión queriendo ampliar así las “fronteras” de la compañía.

También a la par veremos a SEAT:

(Sociedad Española de Automóviles de Turismo) Seat es una empresa española de automóviles fundada por el extinto Instituto Nacional de Industria el 9 de mayo de 1950. SEAT es la única compañía que diseña, desarrolla, fabrica y comercializa automóviles en España. La compañía fue fundada en 1950 por el INI con el objetivo de motorizar la España de la posguerra mediante la fabricación de los automóviles italianos Fiat bajo licencia.

El régimen franquista lo había instalado y empezado a plantear el proyecto pero será una década más tarde cuando se logre fundar finalmente.

Estos serán algunos de los primeros coches:

-Vittorio Valletta, con Pirelli, Agnelli y Bianchi:

Como decimos la sede de seat será inaugurada por franco, por lo tanto, será una empresa de origen franquista.

Y seat será una compañía que contará con el servicio de arquitectura para vender y tener a mejor recaudo sus diseños y productos:

-Acción SEAT, 1950 y sede de la compañía en Madrid:

Utilizarán una arquitectura puntera, intentado proporcionar un entorno de trabajo distinguido y de una calidad muy superior, atributas que en cierta medida querrán que se relacionen con la empresa y con los productos que promueven. Estas son otras e las instalaciones que llevó a cabo la empresa:

-Ortiz Echague y Echaide, Comedores SEAT, 1953-56

Serán unos comedores de la empresa y este edificio está concebido como un refugio para rescatar a los operarios de la monotonía del trabajo en la fábrica durante la pausa para la comida. Busca transmitir y proporcionar que el momento de la comida sea el momento de descanso.

Este además será el primer edifico de España en estructura de aluminio. El complejo consta de distintivos pabellones para distintos grupos y se intenta generar esa imagen de alta tecnología, de producto que pone la empresa a la vanguardia.

Al mismo tiempo defiende la imagen industria referente

Los diferentes elementos del proyecto surgen a partir del concepto de estandarización: el ritmo de las fachadas viene determinado por los pilares y casi todos los materiales se montan en seco. El riguroso estudio de los detalles y las instalaciones proporciona un aspecto industrial a la construcción que contrasta con las formas orgánicas de la urbanización y la jardinería.

Estos comedores serán al fin y al cabo espacios publicitarios que buscarán transmitir esa idea de distinción.

La empresa sacará también unos modelos de gama alta que va a la par en transmitir esa distinción y exclusividad a partir de sus diseños y de las formas:

-Anuncio SEAT 1400C, 1963:

También propondrá su propio “Welfare” mandará construir en Barcelona el barrio seat. Este contaba con beneficios empresariales, aun que seat se distinga como una compañía que estaba vinculada al régimen de todos modos proporcionaba ciertos beneficios a sus empleados:

-Josep maría Bosch Aymerie y Antoni Pineda, Barrio SEAT, 1953-55:

Al mismo tiempo en una empresa tan puntera a nivel tecnológico los laboratorios serán unos edificios que tendrán una gran relevancia y que también formarán parte de esta imagen corporativa de la empresa sin duda alguna:

-Laboratorio de ensayos SEAT, 1958-60:

El Centro Técnico de SEAT, está dedicado a actividades de Investigación y Desarrollo, y es el único que posee la experiencia y las tecnologías que permiten el desarrollo integral de un nuevo vehículo.

Vemos en la estructura del edifico del laboratorio como mira a Mies pero también se ve lo europeo. Una vez más remite a esas ideas que habíamos visto.

Estos serán nuevos entornos de trabajo que poco a poco irán surgiendo.

Estos trabajos y proyectos de diseño y de promoción de la compañía jugarán en su favor y para la gran empresa se producirá un aumento en los niveles de venta, es decir, se producirá un boom económico:

-El crecimiento de SEAT, 1953-75:

Aquí vemos cómo aumentará la venta de estos productos.

 Y también consolidará su propia sede corporativa:

-César Ortiz Echague ilustra a su padre el proyecto de la Plaza Cerdà:

En todos estos diseños como comentábamos, vemos cómo los arquitectos mirarán mucho a la arquitectura de mies, mostrando así muchas características y formas cómo las que vemos en sus diseños:

-Sala de exposiciones, 1961 Oficinas, 1961-65:

 Todo esto será una paráfrasis de lo que sucede en el momento en EE. UU. En esas puertas de acceso a las grandes corporaciones que proyectan su imagen como de futuro, de progreso. Y eso es lo que se buscará también en Europa.

Seat sacará modelos que serán super revolucionarios para el mercado como:

-600 Será uno de los modelos que representará mejor esa motorización que se estaba producienso.

El coche será des de ese momento la imagen del estatus social, será la posibilidad de movilidad a cualquier lugar des de un medio de transporte propio.

En la publicidad y en la imagen  corporativa de la marca buscarán transmitir esa idea de que el coche te da cierto standing y estatuas social, a partir de ahora no serás nadie si no tienes uno:

Seat llevará a cabo muchas construcciones de oficinas y una amplia red de concesionarios por todo el país:

-Manuel Barbero, Rafael de la Joya, Oficinas Seat, Madrid, 1961-66:

-Cézar Ortiz-Echague y Rafael Echaide, Filial SEAT, Sevilla:

-Andrés Fernández-Albalat Lois, Filial SEAT, La Coruña, 1964-67:

Todos estos eran talleres para poder atender a la reparación. En un conjunto buscan generar una imagen coherente también al mismo tiempo que un buen diseño.

Vemos entre ellos unos elementos y unas formas muy parecidas. Consiguen enlazar y sintonizar muy bien con todo lo que la compañía busca comunicar.

Vemos también de nuevo cómo se frecuentará el uso de esa estructura de muro cortina.

Otro tema que también será interesante tratar será la escuela de ulm y la marca braun ya que hobu una estrecha relación entre ellas para potenciar ese diseño.

–La escuela superior de diseño de Ulm Alemania, 1955-68:

Ya habíamos hablado de ella, pero, en resumen, fue fundada en 1953 por Max Bill, Inge Aicher–Scholl y Otl Aicher, ha sido probablemente uno de los proyectos pedagógicos más influyentes en el sector del diseño industrial. En sus efímeros 15 años de vida, Ulm pasaría de asumir el legado conceptual de la Bauhaus a renegar de sus planteamientos. De abordar el diseño de objetos a desarrollar productos y sistemas. De entender al diseñador como un artista a plantear su trabajo como una herramienta al servicio de la industria.

Algunas de las figuras más importantes de esta escuela serán:

Maxi Bill (director: 1954-57)) Y Tomás Maldonado (Profesor)

Hans Gugelot

Y será relevante en este contexto ya que veremos una vinculación directa de varias de estas figuras de los diseñadores con otras compañías importantes como Hans Gugelot:

-Hans Gugelot, Butaca GS1076, 1959, producida por Bofinger:

Gugelot colaborará con la compañía Bofinger realizando este diseño de una silla metálica, ligera, resistente y fácilmente montable.

Otra figura de gran importancia en este ámbito del diseño será Dierter Rams  que trabajará para muchas empresas como por ejemplo es este poryecto con la compañía Vistoe:

-Dieter Rams, Sistema universal de estanterías 606, producido por Vitsoe, 1960:

Creará un gran diseño a partir de elementos modulares que son fácilmente reconfigurables de forma muy variada. Será común y recurrente el generar una serie limitada de piezas, pero a partir de la cual puedes generar una gama muy amplia de configuraciones haciéndola además muy reconocible ya que los elementos se parecen entre sí.

Realizará también numerosos diseños de sillones y sofás:

-Dieter Rams, Sillón 620 producido por Vitsoe, 1962:

Uno de los diseños más icónicos de este periodo será la siguiente vajilla que se diseñará a partir de un sistema aplicado para lograr ahorrar espacio al mismo tiempo que ofrece un diseño resistente y muy duradero.

-Hans Roericht, vajilla para hotel TC100, 1959:

Este es un ejemplo de cómo se incluyó la ergonomía como una ciencia de estudio relacionada con el diseño. Y también las ciencias sociales como forma de comprender el entorno para los diseñadores. Muchos de sus diseños siguen siendo referentes para el diseño industrial.

Esta vajilla es ampliamente versátil y económica y sigue siendo un modelo que en la actualidad sigue de plena vigencia y del que hay infinidad de copias.Fue pensada para espacios públicos como los hoteles.

También se veráalgún diseño para la compañía Kodak que diseñará sus famosos carruseles

-Reinhold Hocker y Hans Gugelot, Proyector Carousel para Kodak, 1962:

Todos estos serán diseños elaborados por diseñadores de la escuela de ulm que realizarán un diseño comprensible, duradero, robusto, y con un gran control de la geometría.

Y otro de lso grandes casos de los que ya hemaos heblado pero que tendrá un gran sentido será:

BRAUN:

-Will Munch, Logotipo para Braun, 1934-39 Wolfgang Schmittel, rediseño del logotipo Braun, 1952:

Hans Gugelot y Rams serán grandes referentes en el diseño de esta empresa, generando así productos del diseño tan equilibrados, proporcionados y elegantes. Estos serán algunos de los diseños más importantes que realizaron:

-Hans Gugeloy y Dieter Rams, Phonosuper SK4, BRAUN, 1956 Dieter Rams, Radio y fonógrafo portátil (model TP1), 1959:

Estos productos se realizaron bajo el diseño de la filosofía de Braun que siempre buscó que sus productos fueran funcionales, y con el requisito de usar formas geométricas, una paleta de colores básica y un diseño fiel a su esencia, sin decoración meramente estética.

Muchos de los diseños de Braun que consideramos icónicos actualmente, también han sido relacionados con la marca Apple en las últimas décadas, que bien se puede decir que han tomado de Braun el estilo minimalista y la alta funcionalidad.

La siguiente imagen es una especie de resumen de la serie de productos elaborados en este periodo bajo esos ideales de proporcionar un buen diseño:

-Dieter Rams, productos diseñados para Braun, 1970 ca:

Como vemos son objetos muy varios pero que muestran una estética e imagen similar que los hacen reconocibles con la marca y entre sí.

Otro ejemplo será la campaña de Lufthansa (de la que también hablamos en un post anterior)

-Otl Aicher et al., Identidad corporativa de Lufthansa, 1962:

Otl Aicher como dijimos es un diseñador gráfico muy importante que también participó en la escuela de Ulm. Llevó a cabo proyectos de gran importancia y que han pasado a la historia por su gran diseño. Uno de los ejemplos de esto fue esta imagen corporativa que realizó para la compañía aérea Lufthansa.

En las imágenes anteriores vemos un manual que contemplaba todas las variedades de uso de la imagen corporativa de la marca. Planteó y definió una imagen muy amplia de situaciones realizando así un diseño muy coherente y adaptable.

También destacó en este periodo el diseño que realizó a partir de una retícula modular en Munich, para las olimpiadas:

-Otl Aicher, Imagen y pictogramas de los Juegos Olímpicos de Munich, 1970-72:

Definió todo el sistema de pictogramas y el cómo realizarlos que aun hoy se sigue utilizando.

En estos pictogramas era muy necesario poder identificar las actividades a partir de imágenes que no requiriesen elementos lingüísticos

Con el pictograma consigue identificar aquello que precisa generando así un lenguaje visual identificable por todo el mundo y que se capta de un modo rápido.

Y por último volvemos a ver una compañía que ya trabajamos en una mayor profundidad como es IBM:

Hoy queremos destacar también cómo prestaron atención con gran minuciosidad al diseño:

Esta fue la evolución del logo:

En este diseño gráfico del logo destaca la imagen y los logotipos de Paul Rand:

Sobre todo, con Paul Rand miró muchos a esos ejemplos de los que hemos hablado como a Olivetti. Mutuamente se van alimentando las unas de las otras para crear cada vez imágenes y diseños más ricos.

Pero Rand también supo innovar, no solo generó una conexión visual, también empática con el diseño. Fue la forma de comunicar su imagen. Estableció la posibilidad de hablar de la compañía distorsionando su nombre y utilizando símbolos. Es algo conceptualmente muy interesante.

También vale la pena destacar el anual report que elaboró, es un documento de texto donde introduce la idea donde propuso que los objetos y productos de la compañía fuesen gráficamente interesantes:

Vemos por ejemplo cosas como estas y cómo con la repetición del logo realiza todo el diseño editorial con un gran cuidado.

Los logos son al fin y al cabo la esencia corporativa en un icono en el que ha deestar perfectamente reconocible toda la identidad corporativa de la empresa en todos los aspectos.

Estos son algunos de los productos que elaboró Imb:

-Eliot Noyes, Máquina de escribir IMB Selectric, 1961:

Como vemos son muy distintos a los de Olivetti.

Además de los ordenadores, que serán algo muy característico y que le darán mucha fama:

-Eliot Noyes, Ordenador IBM System/ 360, 1964:

Al final vemos de nuevo cómo toda esa imagen queda recogida en un espacio que es lo que hace que entre en contacto directo con el público y cómo queda todo recogido en el pabellón:

-Charles Eames y Eero Saarinen, Pabellón IBM en la feria de New York, 1964:

En todos estos ejemplos hemos visto cómo logran vincular el diseño a la corporación y cómo lo comunican para que llegue de un modo exitoso al público.

IMAGINARIO POP: THIS IS TOMORROW + SPACE AGE

El pop art como ya vimos buscaba descontextualizar principalmente el signo y la forma. Todos los ideales del movimiento se traducirán en un imaginario que llegará a todos los aspectos de la sociedad incluyendo el diseño.

Dentro de este imaginario veremos una recuperación de lo clásico y veremos cosas que ya no se explicarán únicamente por la función. El diseño por lo general buscará huir de todo ese discurso racionalista para dar lugar a una mayor humanización a las formas como ya habíamos visto en muchos de los temas.

A partir de ahora habrá además una visión de que lo homogéneo es aburrido, cosa que recordará mucho a los collages pop. Por lo general se querrá transmitir esta visión alegre y divertida del diseño que hacía mucho que no se veía. Esto se traducirá generando formas complejas, difíciles de leer y con cierta ambigüedad pero al mismo tiempo atractivas.

El pop actuará de un modo muy evidente en algunas ciudades que habíamos visto como las Vegas donde los carteles y diseños gráficos pasarán a tener una gran relevancia ya que al ser la «nueva ciudad de autopista» estos elementos tendrán que transmitir la personalidad de los edificios. Habrá una clara influencia por todos esos mundos que vimos del cine y el espectáculo.

Además el imaginario pop se relacionará con toda la fascinación espacial que se dará en la época. Empezará la carrera espacial como otro escenario de la guerra fría y el hecho tan trascendental de conquistar nuevos mundos contaminará todos los ámbitos de la sociedad inflando la imaginación. Predominará un redondeo de las formas como el que veíamos en la moda atómica.

Tanto la moda atómica como la carrera espacial serán de nuevo, modos de acercar esa tecnología destructiva de la guerra a la gente y cambiar las malas concepciones que se tenían. Esto lo hemos viso ya en muchos de los temas tratados.

Toda la estética será muy futurista, cosa que recordará también a los metabolistas. Además surgirán nuevos materiales como el plástico los cuales serán muy vinculados a esta estética espacial y pop.

Por lo tanto todo esto será fundamental no solo porque revolucionará el diseño en cuanto a formas, materiales e ideas, sino porque también influenciará a todos los ámbitos de la realidad.

MINDMAP PREVIO:

Hoy trataremos temas más de diseño, pero vinculados al Pop Art en el que hablamos en un post anterior:

Es un movimiento artístico surgido en Reino Unido y Estados Unidos a mediados del siglo XX, está inspirado en la estética de la vida cotidiana y los bienes de consumo de la época, como anuncios publicitarios, los comics, objetos culturales del día a día y del mundo del cine. Se caracterizar por utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente que se relaciona más con esa tradición academicista, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.

El pop opera, por lo tanto, descontextualizando el signo y la forma.

Sociedad de los 60s estaba como dijimos muy dominada e influida por los mass media

Esta incorporación del signo lógicamente acabará contaminando al ámbito del diseño

En la sociedad de la época ya están cansados de ese diseño en el que predomina el discurso racionalista.

Des de hace un tiempo, es como si el diseño necesitase volver a incorporar signos de los que se había desprendido. Algunos de los artistas en los que volvemos a ver esa incorporación de los signos son los siguientes:

–Charles Moore: (1925-93)

Moore fue un arquitecto, profesor y escritor estadounidense. Charles Moore es asociada a una generación de arquitectos estadounidenses que buscaron desvincularse del movimiento moderno. Sus obras arquitectónicas se caracterizan como decimos por no seguir los cánones de la arquitectura del movimiento moderno. Esto lo consigue a través de la inclusión de elementos heterogéneos que se distancian de la geometría ordenada y racional propia de dicho estilo.

Fue muy importante en las décadas de los 60 y 70s.

En sus casas se empezarán a incorporar cosas y elementos que no se veían tanto en la época como es la decoración:

Esta es una de sus obras en las que hay una cama con dosel. Esas estrellas que vemos, aunque no son exactas remiten y recuerdan a la bandera americana.

Vemos además otros elementos como una cúpula clásica. Esta será otra de las características que veremos, será la recuperación de lo clásico.

Entre esos signos como vemos en la imagen también será común el uso de neones que aluden a california y los ángeles.

El diseño como vemos trata de incorporar citas.

Se proponen ser otra vez divertidos, no quieren que sea tan serio el diseño.

-Barbara Stauffacher Solomon Sea Ranch

Lo sígnico, por lo tanto, vuelve a tener mucha relevancia.

-Moore House, New Haven, Conneticut, 1966:

A partir de ahora empezaremos a ver cosas como estas que ya no se explican por la función. Se empezará a tomar todo como un sueño:

-Moore vs Jasper Johns, Target with Four Faces, 1955:

Vemos este diálogo que decíamos entre el arte pop y el diseño y muchas formas remitirán al arte al mismo tiempo que el arte hablará de la publicidad que será el día a día y lo cotidiano como el diseño.

–NEODADAISMO:

Como dijimos en el post anterior el término Neo-Dada, popularizado por primera vez en un grupo de artículos de Barbara Rose a principios de la década de 1960, se ha aplicado a una amplia variedad de obras artísticas, incluidas las combinaciones y ensamblajes pre-Pop de Robert Rauschenberg y Jasper Johns, Happenings, Fluxus, Pop art, Junk art y Nouveau Réalisme, así como otras formas de arte conceptual y experimental. El elemento unificador del arte Neo-Dada es su nueva investigación de la ironía del estilo Dada y su uso de objetos encontrados y actividades banales como instrumentos de crítica social y estética. Hubo manifestaciones audiovisuales y literarias con similitudes en sus intenciones y métodos con obras artísticas del Dada.

Estas son algunas de las casas pop que veremos en esta época:

Empezarán a recuperar cosas como por ejemplo el horror al vacío, horror vacui, que es algo completamente diferente a Mies.

En esta foto por ejemplo, vemos la ironía con esa bandidilla que se rompe:

Además del uso de colores chillones y brillantes.

Además, el orden de las ventanas será algo no racional, el diseño se empieza a deformar o hacer más complejos. Esto se debe a que son muy conscientes de que no somos máquinas, y están cansados de ese discurso, la casa no puede ser solo una máquina para vivir como habíamos escuchado hasta ahora.

Otro personaje de relevancia en este contexto:

-Robert Indiana: (1928-2018):

Robert Indiana fue un diseñador de vestuario, pintor, escultor y diseñador de estampillas estadounidense asociado con el movimiento pop art. De todas sus obras, las más conocidas son las series realizadas con la palabra LOVE. Indiana también ha trabajado diseñando escenografías y vestuario para obras teatrales.

 Fue muy característico por su uso de las tipografías, colores planos y chillones.

-R.I. LOVE, 1968:

Esta será una de sus obras más características, la imagen, consistente en la palabra love en letras mayúsculas con la letra o inclinada hacia la derecha, fue creada en 1964 como tarjeta de Navidad para el MoMA de ahí el predominio de los colores rojo y verde.

-The American Gas Works (óleo sobre tela, 1961):

Como hemos dicho lo que más buscaran los arquitectos, diseñadores y artistas vinculados a este movimiento será:

SUPERAR EL FUNCIONALISMO RECIONALISTA:

Empezaremos a ver construcciones bastante diferentes a las que habíamos visto que se estaban realizando en la época:

-Charles Moore, Sea Ranch (California, 1964-65):

“En Sea Ranch, las casas se fusionan con el bosque con gran éxito; en las praderas, sin embargo, las casas necesitan establecer asociaciones con las formas del suelo y entre ellas mismas lo cual se vuelve muy difícil de lograr.”- Moore, Allen y Lyndon ,The Place of Houses

«El monumento arquitectónico de California de la década de 1960«, David S. Gebhard .

Esta construcción recuerda a un cobertizo, como a un rancho, se ve esa alusión, pero con unas formas más modernas. Se podría decir que tiene algo que ver con esas arquitecturas vinculadas a Morris preart nouveau donde se valoraba lo que estaba hecho a trozos. Se verá mucho a partir de ahora esta concepción de que lo homogéneo es aburrido, una casa con recovecos es aquella que nos permite anclarnos más fácilmente desde la experiencia. El hombre necesita esos recovecos, o al menos le hacen estar más cómodo.

La estética de estas casas será muy influyente.

–Robert Venturi: (1925-2018)

Venturi fue un arquitecto estadounidense muy importante. Realizó una parte importante de su obra juntamente con su esposa, Denise Scott Brown con quien trabajó desde 1969, ambos fueron distinguidos con la Medalla de Oro del AIA 2016, el premio de arquitectura más importante de Estados Unidos.

Este arquitecto también defendía una arquitectura compleja y que aceptara sus contradicciones. Rechazó la austeridad del movimiento moderno y animó el retorno del historicismo, la decoración añadida y de un rotundo simbolismo en el diseño arquitectónico.

Como decimos fue muy importante por esta complejidad en la arquitectura:

Fue uno de los más importantes de los 60s y 70s:

Su arquitectura busca hacer una apuesta por incorporar el pop a la arquitectura:

-Casas Trubeck y Wislocki, Natucket island, Mass, 1970-71:

«Los exteriores tienen un parecido familiar y también los planos. Ambas plantas bajas son esencialmente una habitación grande que conduce a un amplio porche con vistas al mar, con cocinas escondidas en las esquinas. El piso del dormitorio de la casa más pequeña es un conjunto simple de habitaciones En el más grande, las complejidades espaciales alrededor de la escalera son notables, especialmente la división del corredor palladiano para iluminar tanto las escaleras como el baño del piso superior.

Las secciones también muestran ingenio, ya que, si bien la forma exterior puede tomarse prestada de una lengua vernácula, Venturi y Rauch han utilizado cada centímetro cúbico de espacio dentro de esa forma, para que la forma del techo se lea dentro de cada habitación”. – David Dunster. Edificios clave del siglo XX Volumen 2: Casas 1945-1989. p76-77.

Podrían parecer casas más tradicionales con esa construcción en madera sencilla, pero hay algunos toques que le dan complejidad. Se ve que quien la ha proyectado ha sido moderno, eso será algo característicos de los postmodernistas, no es que estén en contra de la Bauhaus, pero tratan de superarla. La Bauhaus introduce elementos que han de estar ahí pero que ellos pensarán que han de ir más allá. Esto se ve en esta construcción por ejemplo con la ventana corrida de le corbusier que se usa en un lenguaje o estilo mucho más tradicional.

Habrá un gran interés por recuperar lo tradicional.

-Libro Robert Venturi, 1966, Complexity and contradiction in architecture:

“Me gusta la complejidad y la contradicción en arquitectura. No me gusta la incoherencia y la arbitrariedad de un obrar arquitectónico superficial, ni el refinado y pintoresco entrelazarse de las formas expresionista. Lo más bien hablo de una compleja y contradictoria arquitectura basada en la riqueza y la ambigüedad de la experiencia moderna, que incluye también las artes vivas.”

Lo que intenta defender Venturi es que ya está bien de los discursos lineales como los que se estaban viendo hasta el momento, la vida es compleja y contradictoria. Pensará que, por tanto, la arquitectura también lo es. Ser complejo y contradictorio no es ser incoherente, es aceptar que hay ideas contradictorias, pero no por ello renunciaremos a ninguna de las dos.

La complejidad no iguala la incoherencia.

La mujer de Venturi (Denise Scott Brown) era su socia como vimos también con otros arquitectos y diseñadores de la época.

Veremos como jugará con estas formas mezclando la tradición y la modernidad en alguno de sus productos como en esta silla:

La silla tiene unas formas tradicionales pero que están filtradas por un proceso creativo del autor.

–Casa Vanna Venturi, Philadelphia, 1959-64

Fue un encargo de Vanna Venturi a su propio hijo y está será la obra más lograda de Robert Venturi, además de su primera obra.

Explica esa complejidad y contradicción tanto en sus aspectos formales como funcionales y pronto vino a ser una plataforma desde la cual Venturi alcanzó un reconocimiento internacional. Será como una casa manifiesto.

El acceso es difícil de identificar, es decir, se evidencia un típico porche de entrada, pero no el acceso, el cual se encuentra en los laterales de este.

La planta Baja contiene vestíbulo de acceso, estar comedor, cocina, dos dormitorios y baño. En planta alta, cuenta con un estudio, un pequeño núcleo sanitario y dos ámbitos para guardar.

La casa es a dos aguas, lo recupera, viendo así esa referencia a lo tradicional y lo clásico. Estas ideas también se ven en el arco, el cual en este caso es solo decorativo.

En esta casa y en la realidad a partir de ahora, las cosas pueden ser una cosa y parecer otra, habrá una ambigüedad en las formas.

Además, la casa está partida y se evidencia el arco falso que se ve claramente por el dintel que queda expuesto. Eso lo explicita con otro material, dejando el material visto.

Vemos también una cierta simetría, pero vemos cómo la chimenea queda al lado y las ventanas no son iguales, creando así una fachada difícil de leer.

La casa vista de lado parece o recuerda a una maqueta recortada:

Lo que intenta Venturi es crear espacios interesantes, con muchos recovecos.

El espacio por lo tanto, deja de ser comprensible de un vistazo.

Otro libro muy importante:

–Learning from las Vegas (1972)- Robert Venturi, Denise Scott Brown y Steven Izenour:

Se llevarán a los alumnos a hacer una investigación a las vegas. Será un libro sobre todo de Denise Scott Brown pero Venturi también tendrá algo de participación. Este libro ayudó a fomentar el movimiento artístico posmodernista

Van a entender la ciudad al completo, añadiendo más elementos de los que habíamos visto hasta ahora al análisis, pero que a partir de ahora serán casi esenciales.

Veremos esta influencia del pop en algunas grandes empresas como Boss:

-Ed Ruscha, Securing The Last Letter, 1964

 Otro personaje de la época será:

–Edward Ruscha: (1937)

Ruscha es un artista estadounidense asociado con el movimiento Pop. Su famoso trabajo abarca desde la pintura a la fotografía, pasando por el grabado.

-Es Ruscha, Standard station amarillo, Texas, 1963:

Este es otro ejemplo de la gráfica de la época de los ángeles. El pop art será muy importante en la costa oeste de los Estados Unidos.

Será muy importante esa estética autopista.

Tendrá mucho que ver con los carteles de las autopistas. Ahora los carteles y diseños gráficos no se harán para peatones, será la ciudad de la autopista. Todas las tipografías y mensajes se adaptarán ya que han de estar pensados para verlos a cierta distancia y pasando a más velocidad de la que se va andando.

-FRUTIGER: Tipo Frutiger (1976) adapta por las autopistas suizas (2011) typeface

Los ángeles será la ciudad en excelencia para el coche.

En las Vegas también será muy común el uso del coche y de las carreteras, tendrá mucho que ver con Los Ángeles. En las Vegas hay la Mainstreet, que es donde todos están todos los casinos, salas de fiesta, … todo eso se ve mientras uno pasa con el coche.

-Venturi, Robert; Izenour, Stven y Scott Brown, denise. Aprendiendo de las Vegas: el sombolismo olvidado de la forma arquitectónica.

Con el cartel nos apetecerá ir o no ir a cierto local. A partir de ahora el reclamo será el cartel: es la nueva fachada, lo que le dará identidad.

Se ven los carteles desde muy lejos foto:

-Barcelona: Gustavo Gill, 1998:

En esta foto Gill contrapone la chimenea a la verticalidad de las torres.

En el cartel por lo tanto se ve la personalidad del edificio.

Esto lo explicarán en el libro con el signo del edifico pato:

“En términos de arquitectura, la expansión urbana desordenada es un fracaso; en términos de espacio no tiene valor alguno. Es sólo mirando a los edificios como a símbolos en el espacio- no a formas- que dicho paisaje adquiere calidad y significado.”

En el signo puro, en el cartel se ubicará a partir de ahora la componente simbólica del edificio.

Estos son algunos de los dibujos de análisis e las Vegas realizados por los alumnos:

Realizarán como vemos un amplio análisis.

Hacen muchos para explicar en la mayor medida posible la ciudad.

La ciudad es ahora algo más complejo que antes.

-LA CITA CLÁSICA:

Como hemos dicho se buscará mucho esta referencia a la cita clásica y a descontextualizarla:

(La arquitectura y diseño postmoderno lo veremos más adelante en una mayor profundidad):

-Charles Moore, Piazza d’Italia, New Orleans, 1975-78:

Este será un ejemplo de edificio o construcción postmodernista. Veremos esa referencia a lo figurativo, a la cita histórica, y al espectáculo, que serán cosas fundamentales.

Esta es una plaza pública urbana ubicada detrás del Centro Cultural Italiano Americano en las calles Lafayette y Commerce en el centro de Nueva Orleans, Luisiana . Está controlado por la New Orleans Building Corporation (NOBC), una corporación de beneficio público de propiedad total de la Ciudad de Nueva Orleans. Considerada una obra maestra arquitectónica incluso antes de su finalización, la Piazza de hecho comenzó a deteriorarse rápidamente ya que el desarrollo que la rodeaba nunca se realizó. A comienzos del nuevo milenio, la Piazza d’Italia no era frecuentada y desconocida por los nuevos orleanos, y a veces se la conocía como la primera «ruina posmoderna»

Esta plaza juega a la cita pop, pero con elementos clásicos. Es un pop que vemos en el uso de columnas metálicas cromadas, lo que hará Moore es reciclar materiales ya conocidos.

Si lo miras con el contexto e la ciudad, esta plaza está ubicada en la parte más dura y rígida de la ciudad, lo concentras ahí para contrastar, es a lo que se opone en ese momento y con esta construcción genera un gran contraste.

Realizará muchas otras construcciones pop con citas clásicas como vemos en estos ejemplos:

Con ello mezcla estilos, creando de nuevo una gran complejidad y contradicción.

Parece casi una atracción:

Juega con esa idea de fuente y da la posibilidad de bañarse. Además, en esta zona, el clima es muy caluroso e invita al juego. Es por ello por lo que se tiende a una arquitectura no fría y por lo tanto la acompañan unos comportamientos no fríos.

Vemos en las siguientes imágenes una comparación con algunos grandes edificios clásicos:

-Palladio, Basílica de Vicenza (1549):

-Sansovino, Biblioteca marciana (Venecia, inic 1537):

No copia esos elementos, pero les hace un guiño.

Otra línea que veremos en la época del pop es una mucho más vinculado con la moda espacial.

En la carta que vimos el otro día, donde Hamilton repasaba las exposiciones y hacia un planteamiento de pop se hablaba de la casa del futuro, la cual comentamos muy por encima:

–Casa del futuro, Smithson: (1956)

Fue una casa modelo que se elaboró para una exposición de cómo sería en el futuro, mostrando muchos tópicos de la arquitectura espacial.

Se realiza a partir de una unidad de habitación rectangular:

La Casa del Futuro es una de las siete casas que se presentaron en 1956, formando el “pueblo de hoy y de mañana” en la exposición que cada año esponsorizado el periódico Daily Mail y que se realizaba en el Kensington Hall en West London.

Esta obra de Alison y Peter Smithson supone un ejemplo de la búsqueda de los dos arquitectos por la promesa liberalizadora de la movilidad en masa, cuya consecución querían exaltar con un apropiado marco arquitectónico.

Fue pensada como parte de un escenario urbano compacto y de alta densidad, de ahí que no tenga jardín, rasgo convencional en las casas de las afueras de las grandes ciudades, pero como compensación todos sus espacios habitables fueron construidos alrededor de un patio pequeño con vistas al cielo.

En esta casa vemos cómo los elementos están integrados, cosa que generaré una imagen muy fascinante en la época

Será todo, además, de una estética muy espacial donde los elementos surgen de la propia piel de la casa.

 Todo en la casa es modulado y plegable.

Como decimos en la época se harán muchas exposiciones con esta temática y visión puesta en el futuro:

-Edward Wright, catálogo de la exposición This is Tomorrow, Whitechapel Art gallery, Londres, 1956:

La verdad es que se puede decir que esta casa anticipa ya muchas cosas:

Será característico de la estética espacial este redondeo de las formas.

También remitirá a esa idea el uso del blanco en toda la exposición será un blanco muy de nave espacial.

Con esta casa se inaugura toda esta estética.

También podemos ver esa atención a la ergonomía a partir del uso de formas continuas:

Habrá además una gran identificación con lo super tecnológico y la gruta.

A lo largo de la exposición modelos vestidos por el diseñador de ropa deportiva Teddy Tinling explicaban cordialmente al público el funcionamiento de los diferentes artefactos electrónicos y de los avances tecnológicos con que contaba la casa.

“La impresión general que debe llevarse el público debe ser de glamour”. – Alison Smithson

La casa acoge los ángulos rectos y muestra una forma de colonizar el espacio.

Realizan toda la casa con madera ya que en la época no hay tecnología plástica para hacerlo.

En la puerta es sobre todo donde se ve el factor gruta o útero.

Vemos una alusión a lo más biológico y básico, remiten a esa idea de estar a gusto, agradable.

Vuelve el confort.

Como vemos, por lo tanto, estallará la moda espacial:

-FASCINACIÓN ESPACIAL:

No existe como tal el diseño, pero si una fascinación por una estética relacionada con lo aeronáutico y espacial.

La arquitectura, el diseño y el arte se llenan de formas que no se entienden sin el imaginario de la carrera espacial:

-Superstudio. L’archittetura interplanetaria (Nuove architteture lunari). 1970-71:

Este es un collage en el que vemos toda esta estética reflejada.

-Joe colombo: (1930-1971)

Colombo fue un diseñador industrial italiano. Antes de dedicarse al diseño, fue pintor. Comenzó experimentando con nuevos materiales, como plástico reforzado y con novedosas técnicas de construcción y métodos de fabricación.

Joe Colombo fue un diseñador muy potente de los 60s, pero murió muy joven, pero sin duda,

marcó la pauta y fue el exponente más claro de diseño espacial.

Alguna de sus obras más famosas y conocidas:

-Tube Chair (Flexform, 1969).

La Tube chair es uno de los ejemplos más emblemáticos de la reflexión conceptual de Joe Colombo sobre la dinámica, el cambio y la movilidad que deberían tener, según su visión, los muebles del futuro.

Este diseño lo comprenden 4 tubos de diferentes medidas fabricados en plástico semirrígido y tapizados en tejido sintético. Los cuatro tubos pueden unirse en múltiples combinaciones con 6 grapas de acero y caucho que los mantienen unidos. La Tube Chair fue concebida como el primer sofá multiposicional y autoportante, ya que los cuatro tubos pueden colocarse concéntricamente uno dentro de otro y transportarse dentro de una funda a modo de mochila.

Con este tipo de diseños buscan lógicas de cambiar los prejuicios.

Y esta estética lo contamina todo, la moda espacial llegará a todos los ámbitos de la sociedad:

Será algo muy común en los carteles y en los discos:

Y en la moda será algo muy representativo también:

Empezaremos a ver materiales que no estaban usadas anteriormente en la moda.

Tendrá también algo muy de Edad Media. Será muy futurista, pero medieval.

La ciencia ficción será sin ninguna duda un lugar donde volcar todo el imaginario espacial:

Esa moda también se verá reflejada en las tipografías como la countdown:

Todo formará parte de un amplio imaginario espacial.

Los juguetes también será un elemento muy importante que invita a los niños a soñar.

Un claro ejemplo de esto será también el juego space invaders:

Space Invaders es un videojuego de arcade diseñado por Toshihiro Nishikado y lanzado al mercado en 1978. En un principio fue fabricado y vendido por Taito Co. en Japón, para posteriormente ser licenciado para producción y distribución en Estados Unidos por Midway Games, división de Bally Technologies. Space Invaders es uno de los primeros juegos matamarcianos. Es uno de los videojuegos más importantes de la historia. Su objetivo es eliminar oleadas de alienígenas con un cañón láser y obtener la mayor cantidad de puntos posible. Para el diseño del juego,

Será uno de los primeros juegos espaciales.

Esta moda no tendrá un inicio y finales claros y habrá un gran número de referencias explícitas y no explicitas.

Es evidente que esta estética será tan poderosa que contamina y llega al diseño.

Este será otro ejemplo claro de esta estética:

-Pink Floyd. The dark side of the moon (1973) portada diseñada por storm thorgerson

-B-52’s (Warner, 1979) y Wild Planet (Island/Warner, 1980)

Como decimos por lo tanto llegará a todos los ámbitos de la sociedad.

Una figura que será importante en Estados Unidos dentro de toda esta promoción de la estética espacial será:

–Wernher Von Braun (1912-1977):

-Wernher Von Braun (11 oct 1952) posando con su Lunar Lander:

Von Braun fue un ingeniero mecánico y aeroespacial alemán, nacionalizado estadounidense en 19552​ con el fin de ser integrado en la NASA. Está considerado como uno de los más importantes diseñadores de cohetes del siglo xx,3​ y fue el jefe de diseño del cohete V-2,2​ así como del cohete Saturno V, que llevó al ser humano a la Luna.3​

Se convierte casi en una celebridad en la época. Realmente era alemán, un nazi, pero EEUU cambiaré la percepción de él, pero es una vez más ese ejemplo de la apertura de fronteras y como Europa entra en EEUU haciendo que su esencia sea lo que es.

– Wernher Von Braun con el presidente Kennedy en 1963, visitando el Redstone Arsenal:

EE. UU. lo incorporará y se une como cerebro por la agencia espacial americana.

La carrera espacial será otro escenario más de guerra fría.

Empezará esta carrera espacial cuando la URSS lance un satélite en órbita:

-SPUTNICK, 4 octubre de 1957-URSS-primer satélite lanzado al espacio

Realmente fue un hecho muy fuerte ser capaz de eso. Toda la historia de la humanidad se ha estado mirando al espacio. Y finalmente conquistamos el cielo, nos metemos en órbita, somos dioses. Al fin y al cabo, es normal que todo se contamine de esta estética y de este hecho, fue totalmente revolucionario en la mentalidad de la época.

Pero EE. UU. de pronto tendrá miedo ya que para elaborar un satélite y ponerlo en órbita se usa la misma tecnología que para desarrollar la bomba atómica.

Empezará por lo tanto la carrera espacial, que será el punto más espectacular. Será una guerra en forma de espectáculo.

Será mejor vista que la guerra ya que no habrá muertos como tal.

Pero no solo pondrán satélites en órbita, mandarán a seres vivos: perros.

-SPUTNICK II- 3 noviembre de 1957-URSS- segundo satélite lanzado al espacio con pasajero: LAIKA:

La perrita Laika fue una perra espacial soviética que se convirtió en el primer ser vivo terrestre en orbitar la Tierra. Lo hizo a bordo de la nave soviética Sputnik 2, el 3 de noviembre de 1957, un mes después que el satélite Sputnik 1. También fue el primer animal que murió en órbita. En el momento se sabía poco sobre los efectos que los vuelos espaciales podían producir sobre los seres vivos en el momento de la misión de Laika y, la tecnología suborbital no se había desarrollado todavía, no se tenía ninguna expectativa de que Laika sobreviviera.

Esta fue realmente una carrera loca:

EE. UU. rápidamente se puso al día en cuanto a tecnología para igualar a la unión soviética.

-1958 junio Satélite SLV-2 (USA)

Los astronautas se convierten en la época en auténticas superestrellas, son casi como héroes de guerra, pero no matan, colonizan nuevos mundos.

-1959 Los siete astronautas del proyecto Mercury, superestrellas mediáticas:

Después de toda la colonización terrestre solo falta por colonizar el espacio. Y por fin será algo posible.

–Yuri Gagarin:

Gagarin fue un cosmonauta y piloto de la Fuerza Aérea Soviética que se convirtió en el primer ser humano en viajar al espacio exterior, uno de los grandes hitos de la Carrera Espacial, después de completar una órbita de la Tierra a bordo de la cápsula Vostok 1 el 12 de abril de 1961. Gagarin pasó a ser una celebridad internacional y fue galardonado con muchas medallas y títulos, entre ellos el de Héroe de la Unión Soviética, el mayor honor de su país.

Será, por lo tanto, el primer hombre que entra en órbita y que viaja al espacio (Vostok 3KA-3)

Realiza un disco de sus memorias de la reconquista del espacio que será un gran éxito al rededor del mundo.

La guerra espacial inflamará la imaginación de los ciudadanos.

En el mundo de la moda aparecerán cosas como:

–Pierre Cardin: (1922)

Cardin es un diseñador de moda, que nació en Véneto, Italia. Cardin se hizo conocido en los años 50 por su estilo vanguardista, y en los 60 por sus diseños futuristas inspirados en la era espacial como vemos en la siguiente imagen:

Algunos otros diseñadores del momento que sacarán colecciones relacionadas con esta temática:

–André Courrèges: Space-Age. C. 1966:

Al mismo tiempoe sta moda llegará a todos los hogares con productos del día a día:

-Vico Magistretti, Lámpara eclipse, 1966:

Esta lámpara constituye una pequeña joya del diseño industrial. Concebida en 1967 por el genial arquitecto italiano Vico Magistretti para Artemide, fue premiada con el Compasso d’Oro y se exhibe en la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) y en el Museo Victoria & Albert de Londres, entre otros.

Este producto une funcionalidad y geometría en un modo magistral. Consta de una semiesfera, que constituye la base, y dos esferas concéntricas que actúan como pantalla y difusor. Girando la esfera interior conseguimos regular la intensidad de la luz emitida, de una manera similar a un eclipse (de ahí su nombre).

Esa forma esférica recuerda a la luna, además del nombre donde vemos una conexión evidente:

Veremos grandes diseños como este que además le sacan partido a la función mientras juegan con la estética, otros serán más simple attrezzo.

Algunos otros aspectos en, los que veremos esta estética espacial:

Con un grupo inglés:

-The Tornados, Telstar/Jungle Fever (1962):

Será otra de las muestras de la moda espacial

Veremos, como hemos dicho, como estos objetos llegan a las casas: lámpara soviética:

-Yonel Lébovici, Satélite (lámpara de mesa, 1965):

El objeto juega con las órbitas espaciales de los planetas:

Butacas:

-Eero Aarnio, Ball Chair (1963)

En los diseños de Saarinen ya se veía lo espacial, se anticipó

-Joe Colombo Aton y Horus lamp:

Se verá mucho en la moda, las esferas. Imitan esos objetos fuera de la gravedad, flotando en el espacio.

Al igual que las cosas que cuelgan, como si flotasen de nuevo:

-Eero Aarnio, Bubble Chair, 1968:

Hará muebles que te cobijan, son buenos y cómodos.

Veremos algunos interiores de colombo que también imitan esa moda espacial:

-Habitación cápsula en Visiona 1 Colonia (1969):

Como vemos todo muy inspirado en la moda .

-Coop Himmelb(l)au, Villarosa 1967-68:

La moda espacial tendrá mucho que ver con la moda atómica.

Las dos modas explican mucho de los dos sistemas (el estadounidense y el ruso). En Rusia nadie sabe quién es el encargado de la agencia espacial rusa, es mucho menos conocido, no como América que se popularizará de un modo buscado, creando la fama. En Rusia se llevará todo con un mayor secretismo.

-EE. UU.: la imagen que veremos:

-Rusia: la imagen que veremos:

Lo de Rusia se supo muy a posterioeri.

Como decimos esta propia visión y propaganda ya nos dice mucho de los sistemas.

Será la Guerra fría vivida de dos modos muy disidentes.

La población americana por lo general tenía un gran miedo a las tecnologías y a los productos que salen de esa ola tecnológica nuclear.

Empezaran a llevar a cabo una gran campaña de diseño de los átomos para la paz:

-Dwright D. Eisenhower: (1890-1969)

Eisenhower fue un militar y político que sirvió como el 34.º presidente de los Estados Unidos entre 1953 y 1961. General de cinco estrellas del Ejército de los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial, fue comandante supremo aliado en el frente de la Europa occidental, responsable de la planificación y supervisión de la invasión del norte de África en la Operación Torch entre 1942 y 1943 y de la exitosa invasión de Francia y Alemania entre 1944 y 1945. ​ En 1951, se convirtió en el primer comandante supremo aliado en Europa de la OTAN.

Fue uno de los principales promotores de la Campaña de Átomos para la paz. En esta campaña se llevaron a cabo distintos proyectos y propuestas para fomentar esta concepción positiva de la energía nuclear y cambiar la perspectiva que se tenía en la sociedad:

-The Atomium, André Waterkeyn Bruselas, Expo 58:

-The Atom in Service of Peace. General Dynamics Poster Erik Nitsche (1955-65)

-Hanna-barbera. Atom Ant (1965-70):

Como decimos esto se llevó a  cabo para cambiar la concepción de esta energía nuclear y los proyectos se envararon a todos los sectores de la sociedad, des de los más pequeños, para que ya creciesen con una conciencia positiva, hasta los adultos, para cambiar su percepción.

Se rediseñan muchas cosas a partir de esa conciencia pro-energía nuclear.

La carrera espacial formará parte de esta campaña para cambiar la concepción y hacer más simpática a la tecnología. Querían hacer que la gente se volviese a fiar de eso.

Pero al mismo tiempo, en un principio se tuvo un gran miedo de cara a un posible ataque por parte del bloque soviético y estos son algunos de los otros proyectos que se llevaron a cabo para defenderse y anticiparse:

-Buckmister Fuller, Una de las 31 Distant Early Warning radomes:

-DEW Line installation in point Lay, Alaska. Fuller’s dome protected the radar from the Arctic weather:

Se llevará a cabo un amplio sistema de radares de defensa. Será una gran barrera virtual de cara a esta guerra fría.

Junto con esta moda espacial veremos un gran número de:

-ELEMENTOS EXTRA-TERRESTRES

En especial habrá dos elementos conceptos que irán con esto que serán la electrónica y los plásticos.  Se defenderá la moda espacial por lo tecnológico y plásticos.

1970: Sanyo Electric Corporation Ultrasonic Bath

Los extraterrestres serán aquellos elementos que no están en la tierra de modo natural, como será el plástico que es algo sintético. Del mismo modo que la electricidad que formará parte dentro de todo el imaginario galáctico.

La ELECTRICIDAD es el conjunto de fenómenos físicos relacionados con la presencia y flujo de cargas eléctricas. Se manifiesta en una gran variedad de fenómenos como los rayos, la electricidad estática, la inducción electromagnética o el flujo de corriente eléctrica. Es una forma de energía tan versátil que tiene un sinnúmero de aplicaciones, por ejemplo: transporte, climatización, iluminación y computación.

La música electrónica, por ejemplo, será un elemento que no existe en la naturaleza.

La palabra eléctrico se asociará mucho con lo moderno que tendrá mucho que ver con televisión.

Estos serán algunos ejemplos de esa incorporación de la electricidad:

-Arata Isozaki Electric labyrinth. Riennal de Milán, 1968:

-Dan Flavin,1964, Fluorescent Light / Green gallery, New York:

Se aplicará al arte conceptual minimalista. Se amplía enormemente, una vez más, los materiales con los que hacer arte.

-Andy Warhol, double Silver Disaster (1963):

La silla eléctrica será un invento revolucionario:

La silla eléctrica fue una máquina que se utilizó para la aplicación de la pena capital. Se utilizó principalmente en Estados Unidos desde el 6 de agosto de 1890, cuando se realizó la primera ejecución con este método. Fue inventada por Harold P. Brown, un empleado de Thomas Edison contratado para investigar la electrocución para el desarrollo de la silla eléctrica.

Todo este desarrollo de la electricidad tendrá mucho que ver con la cibernética de la que hemos hablado anteriormente y con la estética del espacio.

Elisha Gray: Musical telegraph 1874:

Gray fue uno de los primeros desarrolladores del nuevo invento del telégrafo en Highland Park, Illinois.

Este fue el primer instrumento eléctrico, es del 1874. Por lo tanto ya se podría haber empezado a investigar y explotar más este campo, pero no será hasta los años 60s cuando habrá le boom.

Algunos de los aparatos que se verán en el ámbito de la música electrónica son los siguientes:

-Leon Theremin:

-Subhachord (1960):

-Stylophone (1967):

Todos estos inventos y creaciones forman parte de esta estética e imaginario. Se crearán con la inspiración de esos sonidos galácticos que no encontramos ni reconocemos en la naturaleza.

La palabra electricidad viene de electrón y esta procede del ámbar que es un plástico natural.

Un griego descubrió que si frotabas el ámbar se cargaba eléctricamente. Por lo tanto esta relación entre le plástico y electricidad no será casualidad.

-Plástico y electricidad relación:

Plásticos: Son los materiales constituidos por una variedad de compuestos orgánicos, sintéticos o semisintéticos, que tienen la propiedad de ser maleables y por tanto pueden ser moldeados en objetos sólidos de diversas formas

Es un invento anterior, pero se abaratarán más adelante y se incorporarán al diseño de un modo muy rápido. Se aplicará en ámbitos en los que antes no se contemplaba como en la:

Moda:

-Pierre Cardin, Cosmocorps. 1967:

-Raquel Welch, vestida per Pierre Cardin. Fotografía de Terry O’Neill (1967):

De nuevo vemos toda esa relación con esa nueva estética y cómo el material trae consigo connotaciones futuristas.

Surgirán además muchísimos tipos de plásticos por lo tanto será muy amplio su uso y se aplicarán en casi cualquier disciplina y actividad.

Estos son algunos ejemplos de plásticos y sus usos:

Pvc: Los policloruros de vinillo (1939)

-PMMA: El polimetacrilato de metilo

-Claes Oldenburg, Soft Pay-Telephone, 1963:

Abs: plástico muy duro y resistente también

Sillas:

-Giorgina Castiglioni- (ABS):

-Joe Colombo (ABS)

El mundo pasará a estar invadido de plástico en todos los ámbitos, incluso en la automoción:

Coche mehari:

-Citroen Mehari, 1968:

No solo estará de moda, sino que además es un producto muy económico que favorece mucho la producción industrial. La industria se contaminará del nuevo plástico.

Algunas de las empresas en las que veremos ese uso del plástico como algo protagonístico:

–Lego, fundación 1918 (Dinamarca):

LEGO es una empresa danesa de juguetes. Su producto más conocido son los bloques de construcción.

Fue fundada en 1932 por Ole Kirk Christiansen, un carpintero natural de Billund, y desde entonces ha estado controlada por su familia. Si bien se dedicó al principio a fabricar artículos de madera, pero desde 1949 incorporó el plástico y hoy en día está especializada en los juguetes de construcción fabricados con plástico.

Como decimos, por lo tanto, no solo recordará a lo espacial, sino que además será económico y fácil se fabricar ya que se hará a partir de moldes y es un producto bastante resistente, que no se rompe. ES por ello por lo que muchas empresas no dudarán en optar por este uso del material.

POSGUERRA EN ITALIA Y ALEMANIA:

En Europa en esta época de posguerra veremos países como Alemania e Italia que presentarán características comunes y diferencias, pero que serán fundamentales en el desarrollo del diseño de la época y de la influencia del diseño actual.

Ambos países habían salido de dictaduras y estaban destruidos en todos los aspectos .

En Italia se fomentará la reconstrucción a partir de medios como el cine que también vimos que fue muy relevantes en EEUU.

En el diseño veremos que Italia tenía un pasado muy artesanal, vinculado a las pequeñas empresas. Sobre todo fue un país que tuvo mucha importancia en industrias como la automovilística que al igual que en EEUU será algo crucial. Inventarán productos icónicos como el Fiat 500 o la vespa que serán productos baratos, para el pueblo. Será otro intento de lo que veíamos en las propuestas urbanísticas de reconstrucción del mundo moderno, de llevar el diseño y hacerlo más accesible a todo el mundo. Estos se realizarán además incorporando las tecnologías desarrolladas durante la guerra.

Una de las empresas más importantes que surgirán en este contexto será la empresa Olivetti que vendía productos electrónicos, sobre todo de cálculo y promovía un diseño creativo pero elegante. Además, fomentaba la culturización de sus trabajadores.

En Alemania en cambio, el diseño estará claramente marcado por el pasado de la Bauhaus y tomarán esto y crearán una nueva escuela, la Escuela de Ulm que promovía muchos de los temas contemporáneos que hemos visto como la informática o el cine. También tendrá una tendencia muy socialista y apostará por un diseño minimista, sencillo y funcional, teniendo muy en cuenta la ergonomía como ya veíamos en muchos otros temas. Esta estética se verá también en marcas alemanas como Braun donde participarán grandes diseñadores presentando gamas de productos electrónicos de un diseño simple pero pulcro e intuitivo.

MINDMAP PREVIO:

Años 50 y 60s

Los dos son países con rasgos comunes históricos y en el diseño, aunque también cosas muy diferentes.

Ambos países salen después de la Guerra mundial de dos dictaduras, han perdido la guerra mundial, Italia firmará con EE. UU. y acabara con la monarquía italiana

No solo han de reconstruir el país físicamente, también simbólicamente, han de construir su imagen exterior y el diseño y la arquitectura participarán en esto, serán una parte fundamental.

-Italia:

En aquel momento la arquitectura moderna se asociaba para mucho con el fascismo.

El régimen fascista no había acabado de identificarse con el movimiento moderno del todo, pero sí que usaban mucho un monumentalismo racionalista clásico.

Hay arquitectura muy importante vinculados con este estilo del fascismo:

-Giuseppe Terragni, Como (1927-28):

-Giuseppe Terragni, Casa del Fascio, Como (1932-36)

– Marcello Piacentini, Città universitaria, Roma (1932)

Matemáticas (Gio Ponti)- Mineralurgia  (Giovanni Muchelucci)- Física (Giuseppe Pagano)

-Giovani Guerrini, Ernesto Lapadula y Mario Romano, Palzzo della Civilità Italiana, Roma, 1938

Al final el tipo de arquitectura monumentalista de Giovani Guerrini o Marcello Piacentini será la más característica: hará una arquitectura deshumanizante, a partir de ejes, retículas, y con muchas muestras de arquitectura rígida.

Italia fue liberada en el 45 por los aliados. Tras la Guerra se encontró en un primer periodo de extrema pobreza, pero con el plan Marshal propuesto por EE. UU. irá desarrollando la reconstrucción física y que acabará con toda una reconstrucción económica.

Tras la guerra hubo una gran reducción del consumo, pero poco a poco van mejorando económicamente y mejorará el sistema de consumo y el proceso de cambio cultural. Italia será un país joven con unos rasgos culturales muy distintos.

En Italia el cine será considerado como un gran factor de homogeneización que permitirá crear esta concepción de una Italia más abierta. Esto se verá sobre todo a partir de la película “Roma ciudad abierta” que considerarán que creará un cambio en la cultura.

-Roberto Rosselini, Roma città aperta, 1945

“Con Roma, una ciudad abierta, Italia ha ganado la apariencia de algo nuevo en su cara”- Jean-Luc Godard

“La historia del cine se divide en dos siglos: una antes de y otra después de Roma ciudad abierta”- Otto Preminger.

Estos estilos de vida que parten de la sociedad italiana serán fundamentales para la llegar a esa modernidad italiana.

Entre los jóvenes se popularizará una sensación de que el movimiento moderno ha fracasado y habrá una recuperación del pasado. Italia sentirá cierta nostalgia por ese glorioso pasado.

Algunos personajes se centrarán en realizar una gran propaganda arquitectónica. No eran conocidos en Italia, pero aparecerán dando unan alternativa a la arquitectura racionalista hablando de la orgánica. En el momento había ciertas necesidades psicológicas de integrar la arquitectura con el ambiente, de humanizarla, todo esto eran cosas de las que no se hablaba en el fascismo. Aparecerá este nuevo lenguaje entre los arquitectos, será un mensaje más tranquilizador y casi anti urbano, sacarán las formas de una tradición popular y entrará en juego un género cinematográfico el Neorrealismo italiano.

– Neorrealismo italiano:

Fue un movimiento narrativo y cinematográfico que surgió en Italia durante la posguerra de la Segunda Guerra Mundial, es decir, a partir de 1945. Tuvo como objetivo mostrar condiciones sociales más auténticas y humanas, alejándose del estilo histórico y musical que hasta entonces había impuesto la Italia fascista (1922-1945).7

Una de las películas más representativas de este género:

-Vittorio de Sica, Ladri di biciclette, (1948)

Esta serie de películas se rodaron en los años 40. Se grabaron con trabajadores en la calle ya que los estudios estaban completamente destruidos tras la guerra. En estas grabaciones contarán historias de gente con problemas reales, sobre comunidades que se ayudaban, personas y sentimientos, pero que serán un gran reflejo del pueblo y la cultura italiana.

-Renato Guttuso, Contadini al lavoro, 1951

Se verá toda esta influencia en la estética y arte. La vida del campesino y trabajador ensalzada de nuevo, como veíamos con Millet.

También visión en la periferia con los grandes planes de reconstrucción:

“Estupenda y mísera ciudad, que me has enseñado aquello que alegres y feroces. Los hombres aprenden de niños.

(…)

Estupenda y mísera ciudad que me has hecho tener experiencia de aquella vida ignota: hasta hacerme descubrir aquello que, en cada uno, era el mundo.” – Pier Paolo Pasolini, Il pianto

della scavatrice.

Habrá cierta idealización del proletario como vemos. Se convertirá en un patrimonio que influenciará a la estética de un tipo de arquitectura. Es decir, que estas concepciones culturales del pueblo pasarán y se verán en la arquitectura.

En la arquitectura se verán dos grandes diferenciaciones sobre dos tendencias: el racionalismo organicista y el neorrealismo:

-El Racionalismo organicista que predominaráen el norte, por Milán, será una corriente más aristocrática, que hereda la arquitectura de los fascistas, pero es diferente. Los máximos representantes: Franco Albini (1905-77) y Ignazio Gardella (1905-99)

-Y la otra corriente la que llamaron la escuela romana o neorrealismo. Usaba un lenguaje popular, será el modelo de la Italia campesina donde se verá una arquitectura de materiales tradicionales. Los máximos representantes serán: Ludovico Quaroni (1911-87) y Mario Ridolfi (1904-84)

Estos son algunos de los artistas y sus obras más representativas:

–Ignazio Gardella (1905-99)

Gardella fue un arquitecto, ingeniero y diseñador italiano, de estilo racionalista.

Estas son algunas de sus obras:

-F. Albini, I. Gardella, Quartiere “Mangiagalli”, Milán (1950-52)

En este edificio lo característico es esa fachada que muestra movimientos, recuerda a unas olas, como vemos recuerda más al organismo que al racionalismo.

Muy importante será también la relación con el pasado, en Italia las construcciones intervienen en contextos históricos. Será algo que se tendrá muy presente.

Como se ve por ejemplo en el caso de Venecia donde encontramos la iglesia del redentore construida en el 1577:

Tendrá el proyecto de contruir un edificio al lado de esta iglesia. Como decimos entrarán en contacto las nuevas construcciones con edficios tradicionales como estos. A la hora de construir intentará respetar y combinar los nuevos edificios con esta estética que tiene los clásicos, que entren en diálogo.

-I.Gardella, Casa alle Zattere, Venezia (1953-58):

Como hemos dicho han de construir delante de esta iglesia.

Siempre habían sido muy ajenos al contexto algunos arquitectos, pero en Italia intervienen con estos. Para ello hace una fachada geométrica. Con algunos elementos decorativos. Con las barandillas hace una vez más a un guiño a esa tradición, que recuerdan a una cosa típica que se hace allí, artesanal.

Al igual que los colores, vemos las mismas tonalidades con lo crea cierta unión y coherencia.

Con todo esto vemos como intenta no romper con el contexto y modernizar, pero al mismo tiempo estar en relación con el contexto.

-Piero Bottoni, “Casa miltipiani”, Inacasa al QT8 (1949-50)

QT8 es un distrito («quartiere») de Milán, Italia, parte de la división administrativa de la Zona 8 de la ciudad. El nombre formalmente significa Quartiere Triennale 8, pero el distrito también se conoce simplemente como Quartiere 8.

 QT8 se desarrolló a partir de un proyecto de urbanización experimental que se concibió durante la 8.ª edición de la exposición de diseño de la Triennale di Milano que se celebró en 1947, al comienzo de la reconstrucción de Milán después de la Segunda Guerra mundial. El arquitecto Piero Bottoni fue el principal promotor del proyecto, que incluía la realización del Monte Stella, una colina artificial hecha con los escombros de los edificios que se habían derrumbado durante la guerra.

Los grandes planes casa multiapianii

En Milán se desarrolló este proyecto q18 a partir de prefabricados.

En el sur de Roma vemos un lenguaje muy distinto. Una estética muy distinta por lo general como vemos en el siguiente edificio:

-Quartiere (Barrio) Tiburtino, Roma (1949-54) -Ludovico Quaroni, MarioRodolfi, Carlo Aymonino, Mario Fiorentino, Carlo Melograni

Parece un pueblo, el barrio fue construido entre 1949 y 1954 por Quaroni y Ridolfi, a la cabeza del grupo formado por los arquitectos C. Aymonino, C. Chiarini, M. Fiorentino, F. Gorio, M. Lanza, S. Lenci, P. Lugli, C. Melograni, G. Menichetti y M. Valori. El complejo es principalmente residencial y está construido sobre la base de tres tipologías definidas, a saber: casas de la torre (7 pisos con 3 o 4 alojamientos por piso), casas adosadas (2 o 3 pisos) en casas en línea (principalmente de 4 pisos).

«Nacido de la conciencia de un papel social de la arquitectura; La retórica, los delirios de grandeza, el autoritarismo del régimen fascista se opone a una modestia artesanal. Sin embargo, el hecho real es la necesidad de contener los costos: la dimensión «país» ofrece la solución más económica «  I. De Guttry, 2001.

Se ven estas técnicas constructivas artesanales. Los techos tradicionales son inclinados y se ve el uso de materiales baratos. Todo el barrio muestra una estética campesina, será como una utopía regresiva.

Le llamarán la estética neorrealista como hemos icho antes.

Todas parecen construcciones hechas de manera ilegal, eso sobre todo lo parece a causa de la distribución, que recuerda a las zonas pobres generadas de manera espontánea del país.

No todo era así por eso, sigue la tradición racionalista en Italia Luigi Moretti:

–Luigi Moretti: (1907-1973)

Fue un famoso arquitecto italiano. Una de sus construcciones más representativas fue:

-Luigi Moretti, Casa “Il girasole”

(1947-50)

Repiensa una tipología romana con edifico aislado:

 «un poco de locura en la solidez de los muros romanos.» Está pensado para la clase media romana.

Moretti, cuyos notables encargos incluyen la Villa La Saracena (1957), la Bolsa de Valores de la Torre de Montreal (1964), y el complejo Watergate (1971), alcanzó una complejidad de forma y materialidad en «Il Girasole», proyecto que se distingue de sus contemporáneos de mediados de siglo, y que se ha ganado el reconocimiento como uno de los primeros precursores del diseño posmoderno.

Piensa en este bloque de viviendas que es muy famoso y se conoce a la casa como il girasole (el girasol) porque se abren las habitaciones como buscando la luz del sol. Otra cosa muy característica es que el bloque queda como roto por el corte central que lleva a la escalera.

Se ve el uso de materiales típicos como el travertino:

El resultado es un edifico muy complejo.

-La Torre Velasca, Milán (1950-58) BBPR

BBPR:

. Gian Luigi Banfi (Milán, 910-Gusen, 1945)

.Lodovico Barbiano di Belgiojoso (Milán, 1909-2004)

.Enrico Peressutti (Pinzano al Tagliamento, 1908-Milán 1976)

.Ernesto Nathan Rogers (Trieste, 1909- Gardone, 1969)

“A diferencia de la mayoría de la arquitectura moderna, que está perdida, rebelde y sin relación con su entorno inmediato, la torre milanesa demuestra que responde a las formas y sugerencias del entorno.”- M. Kallmann, 1958

Es una torre que se encuentra en el norte Italia, es un rascacielos de Milán situado en la plaza homónima, al sur de la catedral. El nombre, derivado del pre-existente topónimo, está relacionado con el gobernador español Juan Fernández de Velasco, a quien fue dedicada la plaza en los años 1960.

Fue uno de los edificios más discutidos de la época

Estuvo formado por un grupo de arquitectos que tenían que construir en un centro histórico, en Milán.

Cuando lo presentaron defendían que no era algo histórico sino moderno, tiene una forma que parece medieval, recuerda a un castillo, el dirá que era funcionalista. Lo de arriba son viviendas, por lo tanto, necesitan más luz que las oficinas, que se encuentran debajo. El edificio es de hormigón armado y lo buscan armonizar con el contexto histórico de Milán.

En este edifico si se ve la relación con el entorno y el contexto histórico.

Intenta dialogar con ellos como con el color. Se ve un intento de ser modernos ya que para ellos es también saber dialogar con el contexto y adoptar medidas distintas, buscan romper una cierta monotonía y dialogar con la historia y la memoria del lugar al mismo tiempo.

En Italia se ven en la época varias tendencias y maestros en el uso del hormigón armado.

Como Nervi Torino:

-Nervi, Torino Esposizioni, Salone “B”, Torino (1947-49)

Realizaron muchas salas como estas y realmente eran genios del uso de este material.

Algunos otros ejemplos del uso del hormigón:

-Pier Luigi e Antonio Nervi, Aula delle udienze pontificie, Città del Vaticano, Roma (1963-1971)

Esta es la sala que usa al papa para dar sus charlas, conferencias y comunicados.

Como vemos es increíble el potencial expresivo del material.

Nervi hizo un rascacielos también con Ponti:

-Nervi-Ponti. Centro direzionale Pirelli, Milán (1956-61)

El rascacielos es conocido coloquialmente como «Pirellone», es un edificio de Milán, Italia, sede del Consejo Regional de Lombardía. Se encuentra ubicado en el «quartiere Centrale» del distrito «zona 2», frente a la Estación Central de Milán.

Entre 1958 y 1966, tuvo el récord de edificio más alto de la Unión Europea, quizás hoy en día no impresiona tanto por la altura peor en ese momento fue muy innovador.

Aquí vemos en cambio, un edifico mucho más ligero.

-POSGUERRA ITALIA- DISEÑO: 45-69:

En este país como decíamos, son mucho más importante las tradicionales artesanales, es una población con un gusto por lo clásico, pero eso no quiere decir que no hubiera una difusión del movimiento moderno.

En este país fueron muy importantes algunas revistas que creaban un espacio de discusión y difusión. Así popularizaron el diseño y lo hicieron llegar a más gente.

-Renato y Alfonso Bialetti, Cafetera Moka Express (1933)/ Pau Campani, “Omino con i BAffi” (1958)

Este será uno de los ejemplos de la evolución del diseño italiano en esta época. Muestra una estética bastante propia o que recuerda en cierta medida al art deco.

La cafetera fue repensada.

En Italia, además, tuvo mucha importancia la industria automovilística.

Al principio fueron surgiendo en pequeños talleres. Italia antes de la Guerra Mundial ya era conocida por los coches de carrera y después se centrará en producciones más populares, de cara a la gente y el pueblo.

Lo que será una invención revolucionaria será la creación de la vespa.

-Corrado D’Ascanio, Vespa para Piaggio (1945)

Corradino d’Ascanio fue un ingeniero italiano, nacido en Popoli (Italia) el 1 de febrero de 1891, fallecido en Pisa (Italia) el 6 de agosto de 1981. Él ya había trabajado en EE. UU. haciendo aviones y utilizará esta tecnología aeronáutica.

Recibirá un encargo que Enrico Piaggio pensó en fabricar un vehículo popular, querrá construir un medio de transporte paras sustituir la bicicleta, que era el medio más utilizado en aquel momento en Italia vespa barata, bajo consumo, acabo convirtiéndose en uno de los vehículos más usados.

Acabó creando este diseño el cual se fue modificando y mejorando a lo largo de los años.

La vespa era un medio de transporte muy resistente y había algunos modelos bastante rápidos.

Y era un diseño interesante, en falda se podía llevar.

Estaba hecha en acero y combinaba dos cosas, las técnicas del fuselaje de los helicópteros, y llevaba el motor atrás, además de que el cambio era muy sencillo, era muy fácil de llevar.

Era un invento muy moderno para la época y se veía bastante esa tecnología aerodinámica.

El streamlining de los EE. UU. se ve la influencia.

Realmente este invento será todo un fenómeno social.

Acabará formando parte de la cultura popular italiana, este hecho se verá hasta en el cine:

-Roman Holiday (Vacaciones en Roma), 1953

Será todo un icono. Surgirán más modelos de scooters que le harán la competencia:

-Corrado d’Ascanio, Cesare pallavicino, Lambretta para Innnocenti (1947)

Será una de las scooters que más competencia le harán a la vespa.

Al final toda esta industria se pondrá y se utilizará para los coches. Empezarán surgiendo modelos como este.

-Ermenegildo Preti, Isetta para Iso de Bresso (1953-56)

Finalmente se dará con el Fiat 500, que junto a la vespa será uno de los iconos más representativos.

-Dante Giacosa, Fiat 500 (1957)

Estaba pensado para permitir a las familias moverse en un solo vehículo y sustituir a las Scooters. Pero quería seguir jugando con ese tamaño pequeño.

Fue su obra maestra de la Gicosa, fue su modelo de más éxito.

El Fiat 500 es un automóvil fabricado por la empresa italiana Fiat entre los años 1957 y 1975.  Este modelo se siguió en producción hasta el año 75. Buscaba construir un coche pequeño, barato y que la mayor gente posible lo pudiese adquirir. Es decir que fue promocionado como un coche urbano barato y práctico, con el fin de afrontar los altos niveles de congestión en las ciudades italianas. Es sin dudas uno de los automóviles italianos más famosos

Fue todo un fenómeno social, lo compraba todo el mundo, los ricos y los pobres.

Otro coche que también fue bastante popular en la época:

-Pininfarina, Cistalia modelo 202 (1947)

Eran otros modelos que se elaboraron, pero estos eran modelos de lujo, destinados a la clase alta italiana.

-Nuccio Bertone, Giuletta de Alfa Romeo (1954)

Este fue otro de los modelos de lujo más representativos y sin duda el más elegante de todos.

Mostraban algunos detalles cromados.

-A LOS PRODUCTOS:

Alguna de las características más importantes de estos:

Los empresarios italianos usaron el diseño para promover sus productos, querían que fuesen más competitivos lo hicieron las marcas como Fiat y muchos así.

Con el diseño querían dar calidad a sus trabajos.

En gran medida al principio lo que más se verá en el sector serán muchos arquitectos que empezarán a hacer productos.

Un gran rasgo es que dotaban de personalidad a sus productos y diseños.

Se veía el sello de autor, como en las obras de arte, el tratamiento será muy personalizado.

Hay aspectos que darán mucha difusión al diseño italiano como con los congresos internacionales del diseño. Relacionado con esto se crea un premio muy importante también, el compás de oro, que sirve para consolidar la figura del diseñador.

Italia no era muy rica de recursos, investigará también en plásticos y usaban mucha madera.

Lo que sí que será común será ese uso de nuevos materiales potenciándolos con colores brillantes.

Muchos productos estarán asociados a las vanguardias visuales. El diseño italiano se influenciará mucho por el futurismo, el cubismo y la metafísica.

Pequeñas y medianas empresas de pasado artesanal serán las que empezarán a usar el diseño, pero aunque usen diseño siguen siendo unas empresas pequeñas.

Primero harán productos para EE. UU. y luego para el mercado interno italiano, cuando aumente el nivel adquisitivo interno del país.

Algunos de los productos más representativos serán:

-Gio Ponti, silla Superleggera para Cassina (1957)

Era un diseño de una silla muy ligera y resistente. Como digo muchos de estos primeros diseños fueron realizados sobre todo por arquitectos.

Otros diseños icónicos y diseñadores italianos de la época fueron:

-Franco Albini: (1905-1977)

-Silloncito Luisa (1951)

-Marco Zanuso (1916-2001)

-Zanuso, Butaca lady:

 Vemos materiales como los de esta silla, de goma espuma, vemos cómo se aplican muchos materiales de la industria automovilística.

En Italia por lo general habrá un gran interés por el material.

-Silla Antropus para Arflex, 1949:

Otro objeto que serán muy comunes serán las máquina de coser también.

-Máquina de coser para Borletti (1956)

En esa época en Italia había una máquina de coser en todas las casas.

(De estos artistas hablaremos más en otro post)

– Carlo Molino, mesa arabesco: (1950)

En este objeto se ve lo artista que eran muchos, utilizan formas que parecen y recuerdan al modernismo catalán.

Un objeto que será un diseño icónico de la época será la lampará arco:

-Archille y Pier Giacomo Castiglioni, lampara Arco (1962)

De las más importantes

Lámpara de pie de luz directa. Base de mármol blanco de Carrara que sirve de contrapeso con un pie telescópico en acero inoxidable satinado y un reflector orientable y regulable en altura.

Caso muy importante Olivetti:

–Adriano Olivetti (1901-1960)

Olivetti fue un ingeniero, político e industrial italiano cuya actividad empresarial prosperó con la idea de que las ganancias deberían reinvertirse en beneficio de todo el conjunto sociedad. Adriano Olivetti fue conocido mundialmente durante su vida como el fabricante italiano de máquinas de escribir, calculadoras y computadoras Olivetti .

Capitalismo + cultura + tecnología + estética (Marco Biraghi)

-Luigi Fiini e Gio Polini: Asilo nido (1939-41), Case per impiegati (1940-42), Centro servizi social (1954-58)

-Edoardo Vittoria: Centro studi de esperienze Olivetti (1951-55)

-Ignazio Gardella: Mensa Aziendal (1953-59)

-Luigi Cosenza: Fabbrica Olivetti a pozzuoli (1951-55)

Olivetti es una empresa manufacturera italiana de computadoras, impresoras y otras máquinas de negocios. Fue fundada en 1908 en Ivrea, cerca de Turín, por Camillo Olivetti, como fábrica de máquinas de escribir.

Será una empresa que empezó a trabajar en Piamonte. Traía las técnicas de producción de los EE. UU. a Italia. Esta empresa fue todo un proyecto industrial y social: confiaba en el progreso e industria, y fue un modelo de éxito para todo el mundo.

La construcción de su imagen corporativa fue algo muy relevante y se hizo usando a casi todos los medios.

Usaba unos rasgos directivos muchas veces intelectuales e industriales. La cultura era un elemento fundamental en su empresa, un ejemplo de ello es que instaló en la fabricas bibliotecas, para promover así la culturización de los obreros. Lo veía como algo fundamental para que llevara adelante al país.

-Viviendas para obreros, Borgo Olivetti, Figini e Pollini, Ivrea (1942)

Olivetti reinvertía además gran parte de sus ganancias para construir las mejores casas a sus obreros. Quería que no les faltara de nada.

La fábrica parecía casi un resort:

-Oficinas Olivietti, Figini e Pollini, Ivrea (1947)

También en el surde Italia se beneficiaron de la industrialización americana:

-Ígnazio gardella, La nuova mensa Olivietti, realizzata en el 1961:

El edificio fue diseñado por Ignazio Gardella (1953-1961), con la participación, en las fases de diseño y construcción, del ingeniero de producción Roberto Guiducci. Su colaboración también se extenderá al posterior proyecto de expansión no realizado (1968-1970). El edificio estaba destinado a acomodar hasta 1600 personas en la sala común, distribuyendo hasta 9,000 comidas al día.

En el gran hall de entrada, ofrecía un espacio abierto para recibir las diversas actividades recreativas y culturales que complementaban el tiempo de trabajo diario en la fábrica. Finalmente, en las habitaciones superiores, los espacios estaban destinados a otros servicios para trabajadores o espacios de descanso y lectura. El edificio tiene un fuerte significado simbólico del papel que la arquitectura asume en el proyecto de ciudad industrial que tuvo lugar en Ivrea después de la Segunda Guerra Mundial.

Los artistas y diseñadores no solo diseñarán algunos productos, también edificios y carteles. Un ejemplo es el gráfico o editorial de una revista comunista:

-Giovanni Pintori, Lettera 22, (1958-59)

Manifiesto moderno de esta nueva gráfica.

Mas máquinas importantes de la época:

-Xanti schawinsky, Luigi Figini, gino Pollini, studio 42:

-Marcello Nizzoli (1887-1969)

Nizzoli fue un diseñador italiano, famoso por haber sido jefe de la oficina de diseño de Olivetti durante muchos años y haber creado la mítica máquina de escribir portátil Lettera 22 para la misma empresa. Durante su carrera se desempeñó en una amplia variedad de campos del diseño, realizando tanto desarrollo de productos industriales como gráfica y arquitectura.

Como hemos dicho diseñará máquinas de escribir, y hará una línea aerodinámica pero aportación de un producto como una escultura, será más elegante. Esta son algunas de las máquinas más importantes que realizó:

-Marcello Nizzoli, Olivetti Lexicon 80 (1948)

La letra 22 la más rompedora compacta

-Marcello Nizzoli, Olivetti Lettera 22 (1950)

Es una máquina de escribir mecánica portátil. Esta máquina de escribir era muy popular en Italia y todavía tiene muchos fanáticos. Fue galardonado con el premio Compasso d’oro en 1954. En 1959, el Instituto de Tecnología de Illinois eligió el Lettera 22 como el mejor producto de diseño de los últimos 100 años. Tiene un tamaño de aproximadamente 27x37x8 cm (con la palanca de retorno del carro agregando aproximadamente 1–2 centímetros más de altura), por lo que es bastante portátil al menos para los estándares de la época, a pesar de que su peso de 3.7 kg (8.2 lb) puede limitar un poco la portabilidad.

La tecla roja era un elemento que la hacía reconocible. Las otras máquinas que había en el momento eran más de oficina.

POSGUERRA ALEMANIA-DISEÑO  1953-68

El diseño alemán será muy importante y de una gran influencia.

También se hará un uso el diseño para recuperarla influencia y promover sus productos.

El pasado está claramente marcado por la Bauhaus.  A partir de ello un grupo de intelectuales llegarán a la conclusión que la experiencia de la Bauhaus no se podía perder.

Se creará una nueva escuela que siguiera la escuela de la bauhaus.

Y a partir del dinero recolectado a partir de una fundación se creará la:

– Escuela de Ulm (1953-68)

Esta fue una escuela universitaria de diseño ubicada en Ulm, Alemania. Fue fundada en 1953, entre otros, por Inge Aicher-Scholl, Otl Aicher y Max Bill, este último, primer rector de la escuela. La HfG (siglas de  Hochschule für Gestaltung, que es el nombre en alemán ) ganó rápidamente el reconocimiento internacional. Durante su funcionamiento fueron investigados y puestos en práctica nuevos enfoques en el diseño, dentro de los departamentos de Comunicación Visual, Diseño Industrial, Construcción, Informática, y, más tarde, de Cinematografía.

-Edificios de HFG, 1955, Max Bill

El edificio de la HfG fue diseñado por Max Bill y sigue siendo hoy en día un edificio importante y funcional dentro del campus de la Universidad de Ulm. La HfG fue una de las más progresistas instituciones de enseñanza del diseño y el diseño ambiental en las décadas de los 50 y 60, pionera en los estudios y del perfil profesional del diseñador de hoy en día.

La escuela trabajaba en un contexto capitalista, pero con una tendencia muy científica, de tendencia socialista, al final acabará cerrando en los años 60s

Lo que hacía esta escuela era mirar a la bauhaus pero sin restaurarla. No querían volver a ser la Bauhaus, pero si una escuela similar que en muchos puntos estaba de acuerdo con ella.

Tenía por lo tanto una didáctica similar e idea de que se tenía que relacionar con la industria.

Primer director:

– Max Bill (1908-1994)

Max Bill fue un arquitecto, pintor, escultor, diseñador gráfico, tipográfico e industrial, publicista y educador suizo. Estudió en la Kunstgewerbeschule de Zúrich y en el Bauhaus de Dessau. Fue el primer rector de la escuela HfG de Ulm y formó parte del grupo Abstraction-Création desde 1932 hasta 1937. Organizó la exposición circulante Die gute Form (1949).

Como hemos dicho había sido arquitecto gráfico, pero más adelante se centrará sobre todo en el diseño de producto:

Algunos de sus diseños más representativos fueron:

-Junghans kitchen clock, 1956-57

Se encargó también del proyecto de la escuela “diseño de la bellafroma” que buscaba promover una forma sincera, honesta y de calidad que tanto vemos en sus productos:

-Reloj de pared para Jughans, 1957:

Mostraba una gran pureza estética del diseño.

En la escuela había también otros diseñadores más funcionalistas como Maldonado.

Cuando dimitió Max Bill y este le sustituyó la escuela fue más marcada por el funcionalismo, se estudiaban otras cosas como la cibernética, la historia o la semiótica.

Por lo general esta escuela promovía un diseño de calidad, que funcionase bien. Se veía además un compromiso social también. Querían generar productos buenos que diesen bienestar. Fue un papel fundamental en el progreso de la sociedad.

-Hans (Nick) Roericht, vajilla modelo TC100 para Rosenthal, 1959

Esta era una vajilla que se apilaba, fue un diseño muy memorable y útil.

Vemos también que era un diseño muy minimalista.

–Otl Aicher (1922-1991)

Aicher fue un diseñador gráfico y tipógrafo alemán, donde estableció su propio estudio de diseño. En 1946 junto con Max Bill y un grupo de intelectuales crearon la Hochschule für Gestaltung, la escuela de diseño de Ulm, que se convertiría en uno de los centros de educación en diseño líderes en Alemania entre los años 1953 y 1968, y que a diferencia de la Escuela de la Bauhaus descartó el arte y la exaltación de la forma por sí misma de sus aulas, y se consagró a la función y a la inserción del diseño como factor fundamental en el mundo industrial.

Como vemos fue uno de los miembros fundadores, y sin duda alguna fue uno de los diseñadores más importantes de la época.

Uno de los proyectos más representativos que llevó a cabo fue la imagen corporativa de Lufhtansa entre otros. Llevó a cabo un gran proceso de simplificación, sencillez y austeridad.

-Imagen de la marca Lufhtansa: (1962)

En este proyecto lo hizo absolutamente todo de la imagen corporativa des del estilo las tipografías, los mapas …

Otro de sus diseños más importantes fue la imagen corporativa del diseño de los juegos olímpicos de Múnich del 72:

 Con ello busca reconstruir la imagen de Alemania y proponen la que querían para presentarse al mundo.

Alemania quería dar un nuevo mensaje y lo podrá hacer gracias a la vitrina internacional: darán una nueva imagen de alegría, de modernidad, luz y color.

De los primeros elementos importantes que hará serán también los pictogramas, en las olimpiadas muy son muy usados, es un lugar en que se hablan muchas lenguas diferentes, y con los pictos hacen que un deporte sea reconocible fácilmente sin necesidad de usar lenguaje verbal.

Sus pictogramas los hace a partir de una estructura modular:

Usa 4 elementos para hacer todo el cuerpo y las partes inclinadas están a 45/90 grados.

Se impuso este modo de hacer pictogramas y aun lo usamos.

Pero como decíamos la construcción de la imagen fue global:

-Mascota Waldo, Olimpiadas 1972:

Esta fue la mascota que plantearon: un perro salchicha

Y algunos de los carteles:

Colores, imágenes que transmitían que era un país alegre.

Otro diseñador de relevancia:

-Hans Gugelot (1920-1965)

Gugelot fue un reconocido arquitecto y diseñador industrial, se destacó en el diseño de mobiliario y producto para la firma Braun, y en su labor como docente en la escuela de diseño HfG de Ulm.

Realizó:

-Proyector de diapositivas Carousel para kodak, 1964:

Gugelot empezó a trabajar en un proyector de diapositivas carrusel de kodak, se empezó, pero no se acabó construyendo hasta el 2004.

El caso más importante en Alemania es el de:

BRAUN:

Es una compañía alemana de productos de consumo, conocida por sus productos de diseño funcional y estético. En 1921, el ingeniero Max Braun estableció su empresa en Frankfurt am Main, en un principio fabricando componentes para radios y, a partir de 1929, amplificadores y receptores de radio.

Fue una empresa de los años 20 que decidió repensar sus productos, pensó que se tenía que buscar otro tipo de imagen y esto lo harán des del diseño.

–Max Braun (1890-1951)

Max Braun fue uno de los primeros fabricantes europeos que combinó radio y tocadiscos en un mismo aparato.

Cronología de la empresa:

.1928- Empieza a fabricar radios

.32- Ampliación de la gama de productos

.36- Primera radio a pilas

.50- Primera máquina de afeitar eléctrica (S50)

Arthur (1925-2013) y Erwin (1921-92) Braun

.1954- Encargan a la HfG de Ulm el diseño de una serie de radios y fonógrafos.

(Fritz y Eichler-Otl Aicher-Hans Gugelot)

-Arthur Braun, Fritz Eichler Radio SK ½:

En 1934 nació el logotipo de Braun, con su característica «A» alargada y redondeada en el centro.

Productos hechos por los diseñadores son irreconocibles al sujeto, no se identifica el autor por el color y la sencillez.

Alguno de los productos más representativos de la marca fue:

-Robert Operhim, Nizo S 8 Camera, 1965:

-Hans Gugelot, Gerd Alfred Muller, Sixtant SM 31, 1962:

-Reinhold Weiss, Braun HL 70, 1971

Como vemos siguen una estética muy similar.

–Dieter Rams: (1932)

Dieter Rams es un diseñador industrial alemán, cercanamente asociado a la compañía de productos de consumo Braun.

Rams fue una figura clave en el renacimiento del diseño Funcionalista alemán (la Gute Form) de finales de la década de 1950s y 1960s. Cuando se convierte finalmente en el jefe del equipo de diseño de Braun, Rams influyó enormemente en la dirección estilística de la marca, llevándola a un Racionalismo que pronto caracterizaría los productos y la identidad de la compañía.

Sin duda alguna es el diseñador más importante en relación con esta empresa.

Recibió una formación como artesano que marcó su manera de trabajar que dejó una huella en todos sus productos.

Logró hacer que sus productos fuesen reconocibles. Partía de la función e iba eliminando todo lo superfluo. Sus productos se pueden usar de manera muy intuitiva, y promueven una idea social del diseño, buscan mejorar la vida y el mundo de las personas.

Algunso ed sus proyectos más destacables:

-Hans Gugelot, Dieter Rams, sK 4 Phonosuper Braun, 1956:

 Este es uno de los más famosos. En él reunía varias funciones en un solo aparato.

No era nada decorativo, todo era muy simple y minimalista. Tendrá poca tendencia a ser estético, no era tan creativo. Como decimos será un aparato muy intuitivo que prestará una gran atención a la ergonomía y al  usuario.

Otros de los productos que elavorará:

-Radio transistor, 1959:

-Radio t3 (1958)

Vemos entre Apple cosas muy similares a Ramps en especial en esa sencillez del diseño.

CONCLUSIÓN:

Las diferencias que vemos entre las dos potencias es que Italia estaba más atrasado tecnológicamente pero que se modernizará a partir de la guerra mientras que Alemania tenía un pasado de grandes industrias.

Italia tendrá un diseño muy marcado por las pequeñas y medianas empresas.

Alemania siempre habrá tenido esa gran industria además de la herencia Bauhaus mientras que Italia tenía un gran pasado artesanal.

La empresas modelos de la época: Olivetti: contratar a varios diseñadores generando productos diferentes: “unidad en la diversidad”, y Braun: estética común: “unidad en la unidad” .

Los diseñadores italianos serán independientes, actuarán en la empresa puntualmente.

En Alemania serán diseñadores contratados, formarán parte de la plantilla de la empresa.

Italia: creativo, arte

Alemania: más funcionalista, más valores de seriedad y rigor en su posibilidad de uso.

POP ART:

Otro de los movimientos artísticos más importantes que se darán en el momento es el pop art. Nacerá en Reino Unido y se potenciará en EEUU.

El movimiento estaba vinculado directamente con la realidad, tratando temas como los que vimos en otras entradas del blog como el consumo además de la publicidad, los cómics y el cine.

Buscarán resaltar lo banal y la ironía. Otra cosa que será muy relevante en este tema será la recuperación de lo simbólico que era algo que parecía haberse desvinculado del arte y el diseño junto con la subjetividad del diseñador. Estos temas volverán con el pop art y el neodadaismo y contaminarán todos los aspectos hasta el diseño y llegarán a nuestro día de hoy.

En este movimiento se buscará introducir de algún modo de nuevo esa vida en el arte, como veíamos con la tecnología y la intención de humanizarla. Se buscará por lo tanto de nuevo ese vínculo con la persona que era algo que se había perdido, manifestando así esa mirada central puesta en el hombre.

De nuevo veremos cómo expondrá la lógica publicitaria que veíamos en el aeropuerto de TWA y la tratará como un tema contemporáneo.

Hablará además de cómo ahora lo único que queda es el contexto y de cómo las cosas no tienen significado sin él. Uno de los contextos más relevantes expuestos por el pop art será la introducción de las televisiones en todas las casas como ventanas al mundo y como ejemplo de esa introducción de las tecnologías bélicas en la vivienda doméstica. Pero además, este aparato orientará a la gente y marcará las pautas de un modo de vida ideal.

El pop art por lo tanto, buscará hablar de todos los temas relevantes que se estaban dando en el momento como el culto al cuerpo, la comodidad, que ellos entendían como algo negativo a diferencia de lo que veíamos en los movimientos que buscaban la reconstrucción tras la guerra. Para ellos la comodidad es la renuncia a la propia libertad.

Este movimiento y estética además, fijará su mirada en el futuro, como lo hacían los metabolistas, planteando todo lo que está por llegar.

MINDMAP PREVIO:

Es un movimiento artístico surgido en Reino Unido y Estados Unidos a mediados del siglo XX, está inspirado en la estética de la vida cotidiana y los bienes de consumo de la época, como anuncios publicitarios, los comics, objetos culturales del día a día y del mundo del cine. Se caracterizar por utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente que se relaciona más con esa tradición academicista, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, ​ además de resaltar el aspecto banal de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.

Es un movimiento artístico que se caracteriza sobre todo por ser pictórico, aunque también se dio en la música.

Muchas cosas de arte y diseño tendrán mucho que ver con el pop art y con los valores que transmiten.

Un ejemplo de ello es, por ejemplo:

– Studio 65, Leonardo sofá modular 1969

No es arte, es un objeto con una función específica, pero hay factores que han entrado en juego a la hora de diseñar la forma, es decir que van más allá, es lo que pretenden. Este sofá es en realidad un prototipo que busca ser una parodia de los sofás seccionales que estaban de moda en las salas de estar de la década de 1960. Con este diseño deconstruye y exalta la bandera estadounidense y sus valores positivos, al tiempo que denuncia las fallas, la inclinación imperialista de los Estados Unidos durante los años de la Guerra de Vietnam y el comienzo de la presidencia de Nixon en 1969.

Studio 65 es un estudio de arquitectura italiana. El grupo fue fundado en 1965 en Turín como un colectivo experimental de vanguardia de arquitectos, diseñadores, poetas y artistas. Sus fundadores fueron Franco Audrito, Roberta Garosci, Enzo Bertone, Paolo Morello y Paolo Rondelli.

Es difícil explicarlo des de la comodidad (el sofá). Parece que lo simbólico toma mucha importancia en este diseño.

En el discurso moderno que veíamos en los años 20-30 parecían no reconocer que en el diseño y arquitectura lo simbólico y el gusto personal, o a lo que nos remiten las formas, diseños y materiales, era algo de relevancia. Como veíamos, para los de la Bauhaus no contaba todo eso.

Pero siempre hay una componente simbólica, en todo diseño, y a partir de ahora será algo que se tenga mucho más en cuenta.

Los diseñadores que adoptaran el pop art como discurso asumen que al diseñar se hace des de la subjetividad, no pueden centrar técnicamente su discurso en el gusto, porque saben que no sirve para juzgar todo, pero está ahí. Además, el gusto es algo que se construye con el tiempo y que va creciendo y madurando.

Los gustos van cambiando, pero al igual que el cuerpo, con el tiempo nos sentimos cómodos en cosas que ante no y viceversa. Y como decimos, va modificándose también por lo que se va aprendiendo y va cambiando nuestra percepción, aprendemos a mirar con el tiempo.

El pop art vuelve a lo figurativo y la dimensión simbólica de los objetos.

El significado del objeto tendrá casi una relación individual.

Pop art abre esta brecha y genera un cambio radical y al mismo tiempo, mostrará algunos vínculos directos con el dadaísmo y el surrealismo.

El pop art aún era discutido años después de nacer como un arte banal.

–LOS ICONOS el pop art de new york o hard pop (se le conocía al movimiento pro estos dos nombres) son:

.Andy Warhol

.Roy Licjenstein

.Claes Oldenburg

.Tom Wesselmann

.James Rosenquist

.Robert Indiana

.Jim Dine

.(Neodadas: )Robert Rauschenberg y Jasper Johns

–James Rosenquist: (1933-2017)

Fue un artista estadounidense, de Dakota del Norte, y fue uno de los miembros y exponentes del Pop Art.

Alguna de sus obras más conocidas:

-James Rosenquist, President Elect (1961/64)

Es un retrato de Kennedy que lo mataron, es enorme la pintura, en este movimiento se verá también una importancia del tamaño, lo que le perturba es que la inmersión en un lienzo tan grande se nutre de iconografía vulgar, de lo que se veía en vallas publicitarias de anuncios, con este tamaño hacen referencia a esos carteles además de enlazar y exaltar lo banal.

Nacen asumiendo un reto con la realidad. Será muy común este modo de representación en la que hacen como un collage en la que usan los motivos publicidad, pero en realidad no es un collage del todo, lo ha copiado todo minuciosamente, pero lo imita. Aquí por lo tanto no vemos al artista tan vinculado por la técnica utilizada.

– Roy Lichtenstein: (1923-97)

Fue un pintor estadounidense de arte pop, nacido en Nueva York, fue un gran artista gráfico y escultor, conocido sobre todo por sus interpretaciones a gran escala del arte del cómic. Sin duda alguna es uno de los artistas vinculados con el pop art más representativos.

Como hemos dicho se caracteriza su arte porque opera apropiándose de imágenes ya creadas y las ampliará. Hará sobre todo viñetas de comics a escalas gigantes. Esto lo vemos por ejemplo en:

-Roy Lichtenstein, Whaam! (1963)

Esta obra es un díptico y, aparte de ser icónica para el movimiento pop art, es una de las más importantes dentro del trabajo de Lichtenstein. La obra fue exhibida por primera vez en 1963 en la galería Leo Castelli de Nueva York y posteriormente en 1966 fue comprada por la galería Tate Gallery de Londres donde ha estado en exposición permanente desde el 2006.

Como hemos comentado, este artista es uno de los más importantes de este movimiento.

Aquí vemos cuales son las consecuencias visuales de alguien que no pensó en términos estéticos, nos referimos a la viñeta de cómic. Fue pensada para ser entendida, comunicase y fuese rápida de leer además de ser mirada a pequeña escala. Este artista al exponerla ampliándola hará que se valore su estética que en un principio no es o que se valoró.

Este es una muestra de cómo el gusto que define una época.

La diferencia con el dadaísmo más importante es que no se trata tanto de recuperar objetos, ellos se centrarán más en las imágenes. La realidad no es una que se construya a través de la explicación cotidiana sino a partir de los medios de masas.

Este cuadro no solo se nutre de eso, sino que reproduce la forma de hacerse de los cómics, usa tramas, y escoge algo, un comic que no tenía valor alguno.

Hará algunos cuadros contra el expresionismo abstracto:

-Little Big Painting (1965)

Aquí no representa tanto la realidad sino el cómo la representamos.

Lo que representa es el action painting desde el comic y la forma el comic.

Hay un conector, pero cambia cómo lo representamos.

Vemos las tramas hechas con puntos. Con esto juega a ser robots y se ríe, ironizan sobre la idea romántica del expresionismo abstracto. Con esto dirán y criticarán cómo van de personas puras y espirituales.  Con este Meta-arte que es el pop art volverán a fijar los pies en la realidad y a usar el arte como crítica.

-Claes Oldenburg: 1929)

Este fue un artista de nacionalidad sueca, nacido en Estocolmo. Fue también otro pionero del pop art. Se le caracteriza más por la escultura, y es conocido sobre todo por sus instalaciones de arte público que representan réplicas a gran escala de objetos cotidianos. Otro tema en su obra son las versiones en escultura blanda de objetos normalmente duros.

Algunas de sus obras más representativas son:

 -Hamburguer (1962):

Este es uno de los ejemplos de la obra e Oldenburg y de los más representativos. Este será un artista muy importante también. Como vemos jugará mucho con el contexto y les aplica dos transformaciones: tamaño y consistencia. Hará representaciones de cosas cotidianas y les dará la vuelta, hará que las mires con nuevos ojos.

-Soft Pay- Telephone(1963)

Aquí vemos el uso de un material moderno: vinilo blando.

Cuando hacemos algo más grande de lo que es en realidad, le damos un tono humorístico, da risa, y lo pequeño en cambio tienden a parecer más siniestras.

Juega a la gran risa y la calidad táctil, buscará un arte que se vuelva a tocar, quiere volver a introducir la vida en el arte.

–Tom Wesselmann: (1931-2004)

Fue un pintor de pop-art estadounidense. Hasta su fallecimiento, Wesselmann era uno de los últimos grandes maestros del pop-art americano en activo, que fue muy popular en especial, por sus audaces e impactantes desnudos femeninos.

-35, Tom Wesselmann Still Life (1963):

En esta obra podemos identificar algo de surrealismo, vemos cada cosa por separado e identificamos cada elemento de la composición, pero cuesta entender el conjunto y que nos quiere decir con él.

Se ve de nuevo esa referencia y guiño a la publicidad.

Serán muy comunes los collages en sus obras.

Usará imágenes directamente tomadas de la realidad, si que repinta trozos, y con ambas técnicas compone la obra siguiendo con la lógica publicitaria.

Con este tipo de obras nos planteamos si el mundo de consumo se acomoda al pop art pop a esto o es al revés.

Todos somos conscientes de que lo no útil está acabando con el planeta, pero todos consumimos igualmente. Nadie se escapa de ello.

Un ejemplo de esta sociedad consumista será que la comida basura es al final la más barata, no siempre será una elección el formar parte de esta sociedad consumista, a veces será cosa de necesidad.

Por otra parte, es cierto que el pop art no se pregunta ni cuestiona, en realidad solo constata que la publicidad es la nueva realidad y que el arte no puede obviarlo ya que se nutre de la realidad.

Tom Wesselmann collage:

-Bathtub Collage Nº2 (1963)

En el vemos el entorno doméstico como collage a partir de productos de consumo que todos utilizamos y tenemos.

No es una pintura, aquí vemos los objetos reales. Recuerda al dadaísmo en varios aspectos. Volvemos a ver esa idea de trozo de vida más vulgar invadida con los objetos que son de consumo, que no compartiríamos como obra estética. Con todo esto logra cambiar el punto de vista de lo doméstico.

También será muy común en su obra la imagen pornográfica:

– Great American Nude (1965)

En ese momento están en auge las revistas playboy, donde se alternan artículos de gran calidad con chicas desnudas.

Realizará una amplia serie de grandes desnudos americanos.

En un principio parece no crítico y celebrativo, pero cómo representa las cosas es lo que hace que cambie esta percepción.

Que toma tal cual y lo reproduce. Algunos elementos como la alfombra y pelo de los pubis son reales. Vemos un intento conseguido de encontrar una percepción casi abstracta de la realidad.

No pensamos que el mensaje está en el tema, está en cómo la representa. La representación simplifica además esta realidad, y la posición de Wesselman es crítica, hay cierta objetividad en el cuerpo de la mujer.

En la revista playboy nunca importan ni resaltan los órganos que remitan al espíritu como los ojos, por ejemplo, ya que no tienen alma porque en esa revista no importa el alma. Esto es lo que el busca representar. Por ello no les dibuja los ojos.

Vemos todos los fetiches sexuales, la serie habla de la mirada masculina sobre la mujer, la objetualiza. Un ejemplo de ello son las líneas bronceadoras. Cómo representar lo que la publicidad media la mirada de las cosas.

Sin duda alguna el máximo exponente del movimiento es:

–Andy Warhol: (1928-87)

Fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió fama mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos. Este se vio mucho en su estudio The Factory.

Sin duda alguna fue el más radical, interviene con pintura y al final solo reproducirá tal cual los productos como con las latas Campbell. Además, será el que mejor se esconde tras su obra, realmente nunca se sabrá que quiere comunicar.

En las entrevistas siempre se muestra críticas: no se sabe si está a favor o en contra de lo que muestra. Esta ambigüedad es lo que en parte le hará tan internaste.

Algunas de sus obras más representativas en este aspecto:

-Andy Warhol, Brillo Soap Pads Box (1964)

-Andy Warhol, Campbell’s Soup Can (1962)

 Esta serie consiste en treinta y dos lienzos, cada uno de 50,8 cm de alto por 40,6 cm de ancho. Con una pintura de una lata de sopa Campbell, cada una de las variedades de sopa enlatada que la compañía ofrecía en aquella época. Esta obra constituyó su primera exposición individual en una galería de arte como artista profesional.

En estas obras vemos también que tiene mucho que ver con lo dadaísta, es ese discurso realmente difícil de codificar.

CONTEXTO:

–Marshal McLuhan en 1967

McLuhan es un filólogo que acabara siendo el teórico más importante de los años 60s. Se dedicó a analizar los medios digitales para desarrollar distintas teorías o conclusiones que se daban o se darían en la sociedad.

Algunas de sus obras más conocidas son:

1962:

1967:

Con su obra McLuhan alerta de que la realidad ya no está en tu vida cotidiana. La realidad es ahora algo producido desde los medios de comunicación y ahora lo que da significado a las cosas no son las cosas en sí sino el contexto que tengan. Sus textos aún hoy en día resultan totalmente actuales, nos encontrarnos en las mismas circunstancias. Supo llegar a estas conclusiones cuando la situación era menos evidente que ahora.

Dirá que el contexto resignifica las cosas según cual es el canal.

El contexto, por lo tanto, tergiversa nuestra obra y nuestra realidad.

-Satélite de la Nasa, Explorer XVII (1963)

Satélite será uno de los grandes nuevos inventos que surgirán en la época en el ámbito de las tecnologías. Y es que este contexto del que hablábamos también tendrá que ver con el desarrollo de las nuevas tecnologías como los satélites. Serán un ejemplo de la globalización. El mundo será un lugar aún más interconectado.

Globalización en tanto que mediático. La red es nuestra realidad y la realidad, como hemos dicho, nos conforma.

La condición tecnológica tendrá mucho que ver ya que hará que el nivel de audiencia mucho más amplio se elevará.

-Family watching televisión. Evert F. Baumgardner, ca. (1958)

La televisión será un invento muy reciente y será algo que conforma y estructura los hogares de todo américa.

Otro factor será ahora el invento de internet, donde gracias a esto con los ordenadores habrá una reciprocidad, antes era un discurso que iba en una única dirección, pero ahora permitirá interactuar y estar en contacto con más gente.

La televisión será concebida como la nueva iglesia. Será lo que acaba orientando cómo vivimos, que estará bien y mal, que será guay, qué estará mal. Influenciará en todos los aspectos y se empieza a vivir a la manera de la televisión.

Llegará a tal punto que la pantalla nos da gestualidades y formas de movernos. Incluso de un modo inconsciente, hasta andaremos como los actores y personajes de la televisión.

Nuestra forma de movernos cambiará.

Habrá en el momento diferentes referentes audiovisuales pero el mundo se dibujará a partir de los productos.

Como vemos en la imagen el padre con el mando, como símbolo de que está al mando de la familia, es el mediador entre el núcleo familiar y la tele. La madre en cambio está un poco más alejada del núcleo familiar está un poco fuera porque si hace falta huirá a la cocina a preparar algo, es la de la tarea doméstica, la sirvienta de la familia. La televisión será muy política y generará un orden, un patrón común que le interesará. Todas las familias se organizarán más o menos de esta manera y será lo que estará bien visto.

En esta vida suburbana hay millones de casas expandidas por el territorio, donde todas las casas son iguales. Sin embargo, las personas de su interior creen y piensan que son diferentes. En esta nueva sociedad, ya nadie mira la ventana, ya no es una fuente de información, se ve un mundo artificial, la ventana que hay que mirar está en casa, es la que importará y te dará información más allá: la televisión.

-Publicidad alemana de Coca-Cola (1966)

La publicidad también nos dibujará unas pautas, unos modos y modelos de vida. La mujer será concebida ya desde un inicio como un anzuelo comercial.

Coca cola muestra un contexto, es lo que vende, un matrimonio adulto, muy elegante, van en avión es decir que son gente rica. La mujer será el icono de la ama de casa responsable, con su dueño, viril bien afeitado. Todo es perfecto e ideal. Será esa la realidad que articularán.

-El otro caso del Poopart será UK:

Nacerá en Inglaterra el pop art con Richard Hamilton, será el que genere la primera obra de arte pop art:

–Richard Hamilton: (1922-2011)

Fue un famoso pintor británico nacido en Londres que será pionero del arte pop británico.

La obra que hará que se considerará como la primera obra pop art es:

– Just What is it that makes today’s home so different, so appealing? (1956)

En ese momento Londres estaba destruido, él con esta obra piensa en el futuro, se replantea la forma de reconstruir la ciudad.

Generará un collage donde todo lo que contamos toma forma, se verán todos los temas del pop art representados. Será mucho más radical, además su mirada es distinta porque en EE. UU. la realidad de consumo es algo que experimentan mucho, pero en Europa aún no se está dando esta realidad. En esta obra no se representa un mundo real sino un mundo que aún no es de ellos. Con esto Hamilton recoge todo el imaginario que le llega de EE. UU.

Todos los temas como hemos dicho tendrán mucho que ver:

-Cine, Packaging, electrodomésticos, mass media (tv), culto al cuerpo (individualmente), la ciencia como espectáculo, comics, comodidad como nuevo ideal espacio inexistente: collage sígnico.

También se ve ese culto al cuerpo que será el centro de esta sociedad consumista. El cuerpo será percibido como una máquina de consumo. La ciencia y la tecnología pasarán a ser el centro de nuestra vida.

La comodidad será algo con valor en sí, la humanidad está dispuesta a sacrificar una libertad en función de una comodidad. Con la comodidad crean un sujeto pasivo porque esta confortable. Será un invento muy peligro ya que hará que el hombre se conforme y no se pregunte ni cuestione, será una herramienta de control.

-Carta que escribe Hamilton a Smithson donde aparece la primera definición de pop art:

A lo que hace referencia que es el mañana es a la representación del cuadro de Hamilton, eso es lo que les está por llegar, lo que ven en la tele que pasa en américa pero no es su realidad para ellos todavía.

-La casa futura- Será un proyecto que hacen los Smithson:

Piensan cómo sería la casa del futuro usando una tecnología que no tienen. Como vemos está muy relacionada con la idea del cuadro de representar lo que les está por venir y fijar la mirada en esa situación.

Se harán diferentes exposiciones con esta idea del tomorrow.

Se mostrará por lo general una estética muy Neodada.

Se hará toda una estética del mañana en Inglaterra, que estará en relación con todo esto “this is tomorrow” que se verá en diversas exposiciones como en algunas de Edward Wright.

Será un tema muy recurrente.

Hamilton lanza, por lo tanto, una definición de pop art: es algo masivo, joven, sexy, glamuroso.

–Eduardo Paolozzi: (1924-2005)

Paolozzi fue un escultor y artista escocés y fue el que realizó el primer anuncio pop:

– I was a Rich Man’s Playing, (1947):

Será un collage pero que tendrá mucho de dada. Ya se ve la mujer, la Coca-Cola. Y tiende a usar materiales más bien pobres.

Otro artista inglés será:

–Peter Blake:  (1932)

Blake es un pintor inglés contemporáneo, perteneciente a la primera generación de artistas del pop art británico, junto a figuras como David Hockney, y que tuvo una gran influencia en la época, sobre todo a partir de la exposición dedicado a ellos por la Royal Society of British Artists (RBA) en 1961.

Alguna de sus obras más representativas son las siguientes:

-On the balcony (1955)

Vemos el entorno de consumo, pero con una mirada totalmente diferente, mucho más nostálgica y que da mal rollo. Se realiza una traducción perturbada y macabra de la realidad que se debe a la mirada mediática.

Se transforma en otra cosa

Vemos en la representación hasta un inciso a la familia real, hasta esto será un producto mediatizado.

Más pinturas u obras de Blake:

-The toy shop, (1962)

-Tuesday (1961)

También será el autor de portadas de discos míticas como la siguiente:

-Beatles: Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band

Otro artista que vale la pena mencionar:

–David Hockney: (1937)

Es un pintor, proyectista, escenógrafo, impresor y fotógrafo inglés. Vive en Bridlington, Yorkshire del Este, y Kensington en Londres. Fue un importante contribuyente del movimiento conocido como Arte Pop en la década de 1960, siendo considerado uno de los artistas británicos más influyentes del siglo XX.

Algunas de sus obras más significativas:

-The painting tea in a illusionistic Style (1961) :

Mostrará formatos que no de cuadros propiamente como los hemos visto hasta ahora.

Los ingleses en sus representaciones serán algo más sucios.

No tan duros como los de Nueva York.

–NEODADAISMO: Años 50 (Rauschenberg y Jasper Johns)- La realidad contra la pureza abstracta

El término Neo-Dada, popularizado por primera vez en un grupo de artículos de Barbara Rose a principios de la década de 1960, se ha aplicado a una amplia variedad de obras artísticas, incluidas las combinaciones y ensamblajes pre-Pop de Robert Rauschenberg y Jasper Johns, Happenings, Fluxus, Pop art, Junk art y Nouveau Réalisme, así como otras formas de arte conceptual y experimental. El elemento unificador del arte Neo-Dada es su nueva investigación de la ironía del estilo Dada y su uso de objetos encontrados y actividades banales como instrumentos de crítica social y estética. Hubo manifestaciones audiovisuales y literarias con similitudes en sus intenciones y métodos con obras artísticas del Dada.

–Robert Rauschenberg (1925-2008)

Fue un pintor y artista estadounidense, que alcanzó notoriedad en 1950 durante la transición del expresionismo abstracto al Pop-Art, del cual fue uno de los principales representantes en su país. Adema se le considera como uno de los exponentes y creadores del NuevoDadaismo.

Hizo obras que influyeron mucho y que nunca se olvidarán como la siguiente:

-Erased Dekooning (1953)

Los que se inventaron el pop en EE. UU., fueron principalmente estos dos artistas

Rauschenberg empieza BORRANDO UN CUADRO DE DEKOONING ni más ni menos. Crearán imágenes como estas que serán tan llamativas por los valores y conceptos que expresan. Recogen la realidad como puede ser un cuadro de De Kooning que es un artista abstracto norteamericano y se ríen de eso, lo utilizan para decir q no son nada.

Y los collages, serán otro aspecto fundmanetal:

-Charlene (1954)

De ahí saldrán Warhol y todos los demás artistas pop.

Crea una imagen que funciona. Si que recuerda mucho a los cuadros dadaístas.

Vemos cómo van saliendo elementos, objetos.

Es esa imagen de un mundo bonito pero que va apareciendo en el fondo de mar todas esas cosas. Este cuadro es eso, las basuras del fondo del mar.

Lo bonito lleno de basura: es lo que hace, esa basura son ahora los nuevos objetos de consumo. Con esta representación expresará que puedes ir muy de puro, pero si bebes coca cola eres coca cola, es decir, no puedes explicarte al margen de lo que consumes.

Tu espíritu, esencia no existe, no está, lo que hay es acumulación, contexto.

Dentro de las pinceladas del expresionismo abstracto empiezan a salir cosas más reales como estas, que nos dan mensajes más profundos y vinculados a la realidad del momento.

-Canyon (1959)

Mas obras:

-Coca-cola Plan (1958)

Vemos cómo la vulgaridad contamina el título (ironía, parodia). Con estas obras cada vez más salen del plano y van a la figura tridimensional.

Estos dos artistas fueron novios: Jasper Johns y Rauschenberg. Este hecho es algo imprescindible para entender el movimiento.

Gays será una imagen sutil del pop de cómo se opone al mundo de machotes, importante porque nueva sensibilidad y no esconder la condición del artista.

El artista reconoce que la subjetividad parte fundamental, no vale apartar el gusto a partir de ahora.

–Jasper Johns: (1930)

Es un pintor, escultor y artista gráfico estadounidense. Será de los más radicales dentro de este movimiento que dice q no hay esencia. Como hemos dicho será también uno de los precursores y creadores.

Una de sus obras más significativas será:

-Bandera, Jasper Johns:

En esta obra muestra la bandera, sin contexto alguno. Es una representación muy dada.

Se muestra la bandera desprovista de tributos, al convertirla en pretexto abstracto para hacer pintura, ningunea el potencial significativo de ese signo. Dice que no es nada en sí mismo la bandera, no es nada, la esencia es algo que se construye a partir de ese contexto. Esto lo que muestra la obra.

–John Cage: (1912-92)

Fue un compositor, instrumentista, filósofo, teórico musical, poeta, artista, pintor estadounidense. Era pionero de la música aleatoria, de la música electrónica y del uso no estándar de instrumentos musicales, Cage fue una de las figuras principales del avant garde de posguerra. Los críticos le han aplaudido como uno de los compositores estadounidenses más influyentes del siglo XX.

Una de sus obras más remarcables y controvertidas es:

–Silence: 4,33:

Una pieza musical en la que no suena nada durante 4 minutos y 33 segundos. Solo se oye el silencio absoluto.  Toda la pieza musical es eso más el contexto, con esto nos demuestra y hace referencia a que una pieza musical no suena igual donde se escuche, al hacer esto solo hay contexto. Lo desvincula de lo que sería la obra. Seria el opuesto a la bandera de Johns.

EL PARADIGMA TECNOLÓGICO:

Como empezamos a ver en la primera parte de este tema la conexión pasará a ser un tema fundamental en nuestra cultura. Muchos estudiosos ya se empezaron a plantear si toda esta información generada llegaría a crear su propio entorno.

Como dijimos habrá una tendencia de llevar lo tecnológico a todos los sectores llegando así a un cambio de escala, habrá una aceleración de este proceso de conexión haciendo y poniendo en evidencia que a día de hoy lo realmente importante no es la proximidad sino la disponibilidad a la conexión que puedes tener.

Todo este proceso se empezará a dar con el desarrollo de internet que es lo que hará que todo el mundo, aún sin conocimiento en el tema, sea capaz de estar interconectado.

Aunque este lugar de las conexiones no es físico sí que es cierto que muchas de las corporaciones más importantes relacionadas con el sector se establecerán en EEUU.

MINDMAP PREVIO:

El surgimiento del entramado tecnológico-Cómo evolucionó el sistema de los ordenadores:

UN MUNDO DE TECNOLOGÍAS QUE CONVERGEN: El ordenador no solo será una máquina de cálculo, es una máquina versátil para afrontar casi cualquier problema:

-Marshall McLuhan: (1911- 1980)

McLuhan fue un filósofo, erudito y profesor canadiense. Era profesor de literatura inglesa, crítica literaria y teoría de la comunicación, McLuhan es reconocido como uno de los fundadores de los estudios sobre los medios, y ha pasado a la posteridad como uno de los grandes visionarios de la presente y futura sociedad de la información.

investigador de los métodos de comunicación, fue muy influyente, sus textos muy importantes:

–Understanding media, 1994:

“Tras tres mil años de explosión, mediante tecnologías mecánicas y fragmentarias, el mundo occidental ha entrado en implosión. En las edades mecánicas extendimos nuestro cuerpo en el espacio. Hoy, tras más de un siglo de tecnología eléctrica, hemos extendido nuestro sistema nervioso central hasta abarcar todo el globo, aboliendo tiempo y espacio (…). Nos estamos acercando rápidamente a la fase final de las extensiones del hombre: la simulación tecnológica de la conciencia, por la cual los procesos creativos del conocimiento se extenderán, colectiva y corporativamente, al conjunto de la sociedad humana, de un modo muy parecido a como ya hemos extendido nuestros sentidos y nervios con los diversos medios de comunicación.”

-Era la época de los medios de transporte, barcos y trenes.

Entonces se prefiguraba una realidad en la cual las nuevas extensiones humanas estaban representadas por la nueva posibilidad de transmisión de la información que permitían generar un nuevo entorno para la tecnología humana difundían información y noticias y representaban estas representaciones

Era una intensificación de los procesos que acabaría generando ese nuevo sistema nervioso externo común a toda la humanidad.

-La tecnología y el cambio de escala:

“El medio es el mensaje”

Se empezará a ver una consideración del cambio de escala:

“Las consecuencias individuales y sociales de cualquier medio, es decir de cualquiera de nuestras extensiones, resultan de la nueva escala que introduce en nuestros asuntos cualquier extensión o tecnología nueva.

El mensaje de cualquier medio o tecnología es el cambio de escala, ritmo o patrones que introduce en los asuntos humanos.”- Marshall McLuhan, Understanding media, 1964.

Con ello McLuhan ponía en manifiesto la importancia de la introducción de un nuevo medio de la consecuencia que el poder hacer determinadas cosas aportaba sobre el entorno de la experiencia humana.

El aumentar la velocidad por la que nos desplazamos permitía hacer cosas que antes no se podían, aumentaba la extensión de nuestro alcance: eso es lo verdaderamente importante para poder introducir una nueva dimensión y así transformar todo el planeta.

 Otro concepto del que hablará:

-La tecnología y la aldea global:

La idea de aldea global hace referencia a las consecuencias socioculturales de la comunicación, inmediata y mundial de todo tipo de información, a partir de aquello que posibilitan y estimulan los medios electrónicos de comunicación. Usa este término porque con él reaviva las condiciones de vida de una pequeña aldea: percibimos como cotidianos los hechos y las personas que tal vez sean muy distantes en el espacio o incluso el tiempo, y olvidamos que esa información es parcial y fue elegida entre una infinidad de contenidos.

“La aceleración de la edad de la electrónica (…) es una implosión instantánea y una fusión mutua del espacio y de las funciones. Nuestra civilización especializada y fragmentada (…) está experimentando de repente un nuevo e instantáneo montaje de sus elementos en un todo orgánico. Éste es el nuevo mundo de la aldea global.

El espacio metropolitano es igual de irrelevante para el teléfono, (…) la radio y la televisión. Lo que los urbanistas llaman la escala humana (…) carece de toda relación con dichas formas eléctricas. Nuestras extensiones eléctricas simplemente rodean el tiempo y el espacio y crean problemas sin precedentes de implicación y organización humanas.” – Marshall McLuhan, understanding media, 1964

McLuhan se refiere a la aldea global como un cambio producido principalmente por la radio, el cine y la televisión, medios de comunicación audiovisual que difunden imágenes y sonidos de cualquier lugar y momento y ocupaban un espacio cada vez más importante en el hogar y la vida cotidiana

El hecho de poder disponer de unas redes para poder conectar de distinta manera en puntos del planeta, con ello generan una nueva fusión temporal y espacialmente, es una nueva dimensión para la experiencia humana, el planeta es concebido como un entorno global.

Empezarán a funcionar como entidades con una nueva disponibilidad.

Había, por lo tanto, una nueva percepción del espacio metropolitano que tendrá unas muy relevantes.

Si pensamos en la escala humana pone en manifiesto que la existencia de esos nuevos medios de comunicación hacia irrelevante la proximidad: eso esta determinado de poder disponer de unaconexión que nos une.

Para él la escala humana ya no tendrá importancia alguna, será como él dice algo irrelevante. Lo importante será la disponibilidad de la conexión. El estar conectado será lo que te unirá a las otras personas.

–Manuel Castells: (nació en 1942)

Es un reconocido sociólogo humano, economista y profesor universitario español, ministro de Universidades del Gobierno de España desde 2020. Está especialmente asociado con la investigación en sociedad de la información, comunicación y globalización.

Trató muchos temas como el paso de la sociedad industrial a la sociedad informacional.

Algunos de sus libros más importantes:

Describían la aparición de una nueva forma de sociedad que describían como sociedad informacional e identificaba tres momentos importantes, claves, en este proceso de cambio:

1. La industrialización inicial (finales del siglo XVIII y siglo XIX): Sustitución de la base agraria por la producción industrial. Se producen 4 grandes dinámicas transformadoras: demográfica, agrícola, comercial y de los transportes.

        b)   La sociedad industrial madura (sXX): Consolidación de las sociedades industriales. Segunda revolución industrial o revolución tecnocientífica. Aumento intensivo de la producción con la aplicación de procesos científicos y tecnológicos en continua evolución.

         c)    Sociedad postindustrial o informacional (desde finales del siglo XX): Tercera revolución industrial. Nuevas fuentes energéticas como la nuclear y la solar, procesos de control automatizado (máquinas que controlan otras máquinas), el sector terciario (servicios) suplantan a la industria.

Esta sociedad se caracterizaba por el sector terciario sobre el industrial la cual era la vertiente más innovadora y que se trasladaba a los servicios.

Castells en su obra nos va presentando las diferentes modificaciones económico-sociales que se han ido dado en la sociedad norteamericana como consecuencia de la revolución tecnológica, que está transformando las dimensiones esenciales de la vida humana en dos variables fundamentales que son como hemos dicho, la del tiempo y la del espacio.

“En el momento de desarrollo informacional, la fuente de productividad reside en las tecnologías de generación del conocimiento, el procesamiento de la información y la comunicación de símbolos.

(…)

Lo que caracteriza a la revolución tecnológica actual no es carácter central del conocimiento y la información, sino la aplicación de este conocimiento e información a aparatos de generación de conocimiento y procesamiento de la información/comunicación, en un círculo de retroalimentación cumulativo entre innovación y sus usos.”  Manuel Castells, La era de la información 1996, p.58

Predominará sobre todo el hecho de que la información se convertirá en materia prima para los procesos productivos.

-Veremos un paradigma de la tecnología de la información que se resume en los siguientes puntos:

1: La información es la materia prima del nuevo paradigma tecnológico.

igual que en la sociedad industrial era el carbón u otras materias primas.

2: Los efectos de las nuevas tecnologías tienen una alta capacidad de penetración.

 no hay sector que quede ajeno a la introducción de ese nuevo sistema tecnológico.

3: Importancia de la lógica de la interconexión de todo el sistema que usa las nuevas tecnologías.

sistema interconectado cualquier cambio que se produzca tendrá repercusiones sobre otros ámbitos del mismo sistema.

4: La flexibilidad: Se ve la capacidad y necesidad de reconfigurarse, hay unos cambios contantes que requieren una respuesta constante.

5: Convergencia de tecnologías específicas en un sistema altamente integrado.

Se desarrollan tecnologías concretas pero que no quedan separadas sino integrados sistemas concretos.

-Otros de los investigadores en este ámbito será Javier Echevarría:

Hablaba del Cuerpo electrónico y de la identidad.

Hablará de un nacimiento de un tercer entorno, de un modelo donde distintas capas de realidades se superpondrán.

En sus teorías elaborará que la sociedad de la información necesita el espacio de información como si se tratara de un entorno de desarrollo. No como un espacio físico, pero sí que lo concibe como tal, la idea de desarrollo y expansión sobre este entorno es la misma.

“En el espacio electrónico se está configurando una nueva modalidad de sociedad, habitualmente denominada sociedad de la información (…). Así como la sociedad agraria (ganadera, minería, etc.) es el canon de organización social en E1 y la sociedad mercantil e industrial en E2, el espacio electrónico es el ámbito donde puede desarrollarse la sociedad de la información. Así como E3 se superpone (literalmente) sobre los otros dos, así también la SI se superpone sobre modalidades anteriores de sociedad, no sin conflictos (…)”

En la realidad actual no ha desaparecido las realidades agrarias o industriales, pero han llegado a formar las capas base a la cual una nueva realidad que es este sistema y conjunto de datos electrónicos se ha super puesto.

 Otro texto que escribió era la Telépolisque usó para definir esa sociedad a distancia:    

-Telépolis, 1994:

“Telépolis no está asentada sobre un territorio bidimensional que pudiera ser cercado por círculos concéntricos y vías de salida, ni es reducible a un conjunto de volúmenes edificados sobre dicha planta: no tiene perspectiva visual, ni geografía urbana dibujable sobre un plano. Es multidimensional por su mismo diseño y ni siquiera desde las alturas es posible acceder a una visión global de la nueva ciudad. Para orientarlos mínimamente en ella (…) hay que recurrir a múltiples bases de datos, cada una de las cuales nos ofrece sólo un corte o aspecto. Las posibles delimitaciones ya no estarán basadas en la distinción entre interior, frontera y exterior ni (…) en las parcelaciones del territorio, sino en estructuras reticulares, arborescentes e incluso selváticas.”

Por lo tanto, como dice, esta Telépolis no es representable en un mapa, no tiene una perspectiva precisa. No la podemos ver o tocar o delimitar como cualquier otro espacio que conocemos.

Es como un gran paisaje de datos. Pero sin duda, es una nueva forma urbana que forma parte de nuestra sociedad cotidiana pero que es muy difícil de representar, o al menos lo es por ahora.

–ARPANET:  Es una nueva red de comunicación:

ARPANET son las siglas de Advanced Research Projects Agency Network. Fue una red de ordenadores creada por encargo del Departamento de Defensa de los Estados Unidos (DOD) para utilizarla como medio de comunicación entre las diferentes instituciones académicas y estatales. El primer nodo fue creado en la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA).

Es la llamada red de redes, era un conjunto descentralizado de redes de comunicación interconectadas, que estaba formado por diferentes redes físicas que utilizaban la familia de protocolos TCP/IP y de esta manera quedaban integradas en una red única que era de alcance global.

Lo que planteaba era una red de comunicación donde los distintos ordenadores pudieran entrar en conexión y comunicación entre ellos.

–Red: Empezaba a ser fundamental este concepto para que las máquinas entrasen finalmente en relación entre sí.

El desarrollo de la red ARPANET, 1969-1977:

Evolución:

-1958: Bell crea el primer módem para transmitir datos binarios sobre una línea telefónica.

-1961-64: Leonard Kleinrock del MIT define su teoría sobre la conmutación de paquetes para transferir datos e implementar una red de comunicación.

-1962: Joseph Licklider plantea una red global de ordenadores en ARPA, agencia del ministerio de defensa de EE. UU.

-1967: Primera conferencia sobre ARPANET (Advanced Research Projects Agency Network)

-1969: Conexión entre 4 universidades a través de la Interface Message Processor de Leonard Kleinrock (UC Los Angeles, Stanford, Universidad de Utah y la UC Santa Bárbara)

-1971: 23 ordenadores conectados a ARPANET. Ray Tomlinson envía el primer correo electrónico.

-1972: Nace el InterNetworking Working Group, organización encargada de administrar Internet.

Como decimos el concepto fundamental era la posibilidad de generar unos protocolos comunes entre los distintos ordenador y usuarios.

-La década siguiente se desarrolló Internet mientras aún se estaba desarrollando el Arpanet:

El Nacimiento oficial de internet:

-La red ARPANET en 1980:

La red de redes: conjunto descentralizado de redes de comunicación interconectadas, formado por diferentes redes físicas que utilizan la familia de protocolos TCP/IP y de esta manera quedan integradas en una red única de alcance global.

-1981: Definición del protocolo TCP/IP y de la palabra Internet (de interconnectes network)

-1983: Se activa el primer servidor.

-1984-89: Los ordenadores conectados pasan de 1000 a 100.000

-1990: desaparece ARPANET

La estructura de Internet en 1987 era la siguiente:

Internet se define como: el conjunto descentralizado de redes de comunicación interconectadas que utilizan la familia de protocolos TCP/IP, lo cual garantiza que las redes físicas heterogéneas que la componen constituyan una red lógica única de alcance mundial.

Acabo con Arpanet y solo se quedó internet, que aún hoy es lo que usamos.

Las redes de los militares que principalmente sirvieron como motor de desarrollo de estas redes se separaron en otra red que se quedaron como red específica para el sector. Se llamaba midred.

Internet era la red de redes: usaban unos protocolos y así comunicarse e integrarse

Estas son varias representaciones visuales de internet:

Se intenta representar como una red neuronal. En realidad es algo muy abstracto y con ello se busca unir la dimensión macro con la micro.

-Otras imágenes propuestas por Chris Harrison para representarla:

-Internet Map, DIMES, 2005-07: Densidad de conexiones de Internet en el mundo:

Lo hace a partir de puntos iluminados según la densidad de conexiones existentes en el planeta.

A finales de los 80 (1989) se puso se punto la existencia del Word wide web:

La WWW es un sistema de distribución de documentos de hipertexto (texto que contiene enlaces con otros textos) o hipermedia (contenidos que integran otros soportes como imagen, video, audio, mapas) interconectados y accesibles a través de Internet.

Es un conjunto de protocolos que permite, de forma sencilla, la consulta remota de archivos de hipertexto. Esta fue un desarrollo posterior a internet y la utiliza como medio de transmisión.

Mediante un sofware o programa definido navegador (browser) un usuario visualiza sitios web compuestos de páginas web que presentan textos y contenidos multimedia y navega a través de esas páginas usando hipervínculos.

Internet soporte para hacer accesible este sistema de distribución de documentos

Este entramado conceptual y físico fue desarrollado por el físico Tim Berners.

–Tim Berners:

Nació en 1955 y es un científico de la computación británica, conocido por ser el padre de la World Wide Web. Estableció la primera comunicación entre un cliente y un servidor usando el protocolo HTTP en 1989.

Contexto:

-1989-1990 El físico Tim Berners-Lee desarrolla la WWW en el Cern de Ginebra.

-1991: Berners-lee diseña la primera Web de internet.

-1993: La WWW es presentada al público por el CERN.

-1993: El uso de WWW se populariza a partir de la introducción del navegador gráfico Mosaic, desarrollado por un equipo del National Center for Supercomputing Applications la Universidad de Illinois en Urbana-Champaign (NCSA-UIC), dirigido por Mare Andreessen.

Mosaic fue el primer navegador grafico desarrollado. Sería como Google o safari que te permite viajar por internet y las diferentes webs.

Mosaic se convirtió, en uno de los referentes clásicos de la tecnología World Wide Web;

-La arquitectura de este sistema se estructura en tres elementos fundamentales, que a día de hoy siguen siendo los mismos:

(Define una nueva estructura de la comunicación a nivel global basada en unas tecnologías específicas que son las siguientes)

–Internet: Sistema de comunicación que enlaza diferentes redes

–www: Red informática mundial, sistema de distribución de documentos de hipertexto e hipermedia accesibles a través de internet.

–navegador: Software que permite el acceso a la Web y la búsqueda de contenidos, interpretando la información de distintos tipos de archivos y sitios web para que estos puedan ser visualizados y se puedan interactuar.

Como decimos este esquema general se sigue cumpliendo como base de los sistemas de navegación.

Una representación de los datos generados cada día en Internet. Estos llegan a forar un universo entero:

-500 millones de tweets

-294 billones de emails

-4 petabytes de datos creados en Facebook

-65 billones de mensajes enviados por WhatsApp

-5 billones de búsquedas

(-En 2025, se calcula que se producirán a diario 463 exabytes de datos, equivalentes a 212.765.957 DVDs por día.)

Realmente es impresionante en “el poco tiempo” que llevamos usando estos sistemas la cantidad de datos que se han generado en todo el mundo.

Aunque es difícil dar una representación única y global es cierto que la realidad de estas nuevas tecnologías tiene una representación y ubicación física que es Silicon Valley, San Francisco.

-Imagen de Silicon Valley en 2001:

Tras la Guerra Mundial este era el entorno más activo del desarrollo de tecnologías. A causa de ello allí se ubicaron las centrales de los programas de desarrollo de tecnologías y de muchas nuevas empresas que estaban muy relacionados con los programas oficiales, estas se instalaron allí como empresas privadas.

Silicon Valley, junto con estas empresas constituye aun el soporte material de estas industrias tecnológicas.

Estas son muchas de las marcas y empresas con centros de instalaciones allí:

El último aspecto que se mencionó fue la consecuencia que tienen estas empresas, en el desarrollo de los sistemas tecnológicos, se convirtió de un modelo central para la libertad y la creatividad a un modelo empresarial el cual fue el centro en la venta y consumo de muchos de los productos tecnológicos, como veíamos en ele anterior post del blog con la empresa Apple.

–APPLE: Fue un entorno donde se iban añadiendo eslabones de valor a la cadena:

-Johnatan Ive, IPod, 2001, iPhone, 2007:

Este es un ejemplo de esa transición del modelo de la libertad y la creatividad al modelo del control de todo el proceso de producción, venta y consumo.

Algunos aspectos que se ven son:

-Innovación tecnológica: conseguida con el formato MP3

-Innovación del producto: iPod, iPhone, iPad

-Innovación de los canales de distribución: iTunes, Apps

-Innovación tecnológica y de los productos

Además presentó una gran innovación en la interacción, eso fue a partir de las pantallas tácticas. Además presentaban una interacción muy intuitiva y sencilla, casi cualquiera lo podía usar sin complicación alguna ni saber nada sobre informática. También una innovación en el modelo de explotación ya que se considera al cliente es una fuente de ganancias directas, el usuario es considerado como una fuente de datos, es decir de ganancias indirectas. Era una doble fuentes de ingresos ya que a partir de ahora el usuario también puede ser “explotado o vendido”.

Por lo tanto serán tan innovadores en el modo de interacción además de la función que realizaban sus distintos productos.

También innovaban en los canales de distribución

-Friedrich von Borries, The Apple Design Lie: Why the design of Apple is Neither Good nor Minimalist. A Pamphlet, 2012:

-Friedrich Von Borries

(Berlín, 1974

Es arquitecto y doctor por la Technical University de Karlsruhe, Alemania. Ha dado clases de arquitectura y diseño urbano en la TU de Berlín, y ha trabajado como investigador y conferenciante en la Bauhaus Dessau Foundation de 2002 a 2005.

Von Borries fue uno de los que se posicionó en contra del nuevo caso Apple, criticando en sus escritos muchas de sus filosofías y actos:

“Como compensación por la complejidad de las condiciones técnicas, sociales y económicas de la producción se nos ofrece una superficie reduccionista detrás de la cual las posibles dudas desaparecen. No es el principio Ramsiano del “menos diseño posible” que es el credo de Apple, sino todo lo contrario: el mayor producto posible. (…)

La belleza y el atractivo sensorial del iPad, iPhone & Co. No son la expresión del sueño de un mundo mejorado por el buen diseño (…)

Apple oculta las carencias de nuestra época debajo de su pretendido diseño minimalista, que supuestamente debería recordarnos el espíritu positivo y pionero del movimiento moderno. Y amamos a Apple precisamente por esta razón: debajo de la superficie estetizada de los productos Apple ocultamos la vida y mentiras de nuestra sociedad de consumo.”

Como vemos polemizaba mucha con ese modelo de diseño que Apple presentaba.

Lo que apple hacía principalmente era generar a partir de un dispositivo tecnológico una gama que permití extender al máximo esa ganancia de interacción.

Con todo esto fomentaban la intensificación de la sociedad de consumo.

Otro tema de relevancia en este contexto tecnológico era:

–Smart City:

 Son ciudades que aplican soluciones innovadoras en áreas como la movilidad, el medio ambiente, las tecnologías de la información y la comunicación (TIC), el urbanismo el consumo energético, la economía del conocimiento y la gobernanza para garantizar un desarrollo económico y urbano sostenible en un entorno que ofrezca buena calidad de vida para sus ciudadanos.

La Smart City se refiere a un tipo de desarrollo urbano basado en la sostenibilidad​ que es capaz de responder adecuadamente a las necesidades básicas de instituciones, empresas, y de los propios habitantes, tanto en el plano económico, como en los aspectos operativos, sociales y ambientales.

-I congreso mundial de ciudades inteligentes, Barcelona, 2011

El Smart City Expo World Congress es la reunión más grande de líderes mundiales de la industria, formuladores de políticas y empresarios buscan acelerar la creación de ciudades sostenibles. Se realizan 3 días de charlas, soluciones y negocios donde todos los actores urbanos se conectan para empoderar a las ciudades e impulsar el desarrollo inteligente.

En este congreso presentaron estos puntos en los que garantizara un desarrollo concreto de 6 áreas específicas que abarca.

Los datos generados que fueron recogidos son una materia prima procesada. Todas estas ciudades inteligentes se han convertido el entorno principal de una gran parte del mundo

A partir de esto la tierra se convierte en un entorno fundamentalmente urbano.

Hay diferentes Smart cities en el mundo como por ejemplo:

–Songdo, Incheon, Corea, finalización 2015:

O Ámsterdam que se centra más en la interacción y el valor de las personas:

Estas ciudades muestran sistemas direentes o se apoyan en el desarrollo de esta faceta en distintos ámbitos pero todas luchan bajo un mismo concepcto y por hacer de sus cudades mejores.

Otro personaje de relevancia en este tema es:

–Evgeny Morozov:

Nació en 1984 en Soligorsk (Bielorrusia). Es un escritor e investigador que estudia las implicaciones políticas y sociales de la tecnología.

Explicará cómo lo que era un sueño de conquista de nuevos espacios se convertirá en un negocio y lugar de control y vigilancia:

–Este relato parte precisamente de la idea de un territorio sin mácula, el ciberespacio, habitado en el pasado por ingenieros bienintencionados, frikis y aficionados. Lo malo llegó cuando la plebe (…) se asentó en él y el vecindario virtual de los viejos tiempos empezó a gentrificarse. Y a medida que las masas se asentaban, los Gobiernos -en especial sus servicios secretos y sus departamentos de vigilancia- las seguían.

Al revés de como lo presenta este relato, las redes de datos originales fueron desarrolladas y promovidas por el Pentágono y Wall Street. Los Gobiernos estuvieron presentes en ellas desde el primer momento, no solo a través de sus servicios secretos, sino también a través de los departamentos del Tesoro y de Comercio, al menos en el caso de Estados Unidos. Estos fueron los que determinaron las prioridades comerciales y financieras mundiales para asegurarse el dominio del sector informático estadounidense. Los anunciantes no se subieron al carro digital en la década de los dos mil, sino ya a principios de la de 1990, cuando aparecieron los primeros navegadores.

Este es uno de los límites y cuestiones abiertas hoy en día a cerca de estos temas.

ESTADOS UNIDOS: COSTA OESTE

Como vimos en el primer post de este tema, los Estados Unidos será la nueva capital del mundo.

En la costa oeste se buscará «vender» esta modernidad a partir de publicaciones editoriales donde se presentan diseños donde predomina una concepción de lo orgánico que se influencia del Art Nouveau.

Se establecerá además el mecanismo de diseño de catálogos o series actuales, en los que se busca un diseño unitario y combinable. Esto se hará a partir de un diseño de un elemento básico con el cual se realizará una amplia gama de productos a partir de pequeñas modificaciones. Es decir, introducirán el modo en el que se diseñan la mayoría de productos actualmente.

Además veremos también esa atención y presencia del cuerpo y de la ergonomía.

Se verá también una gran estética de lo atómico que se relaciona con ese amplio desarrollo de las tecnologías llevado a cabo durante la guerra. Intentarán presentar esa cara de la tecnología como algo simpático y blando, es decir, que se busca que parezca acogedor.

Por otra parte veremos aún más un desarrollo de ese modelo consumista americano que llegará a nuevos lugares como el mundo aerodinámico con el desarrollo de las aerolíneas. Una vez más acercarán esas tecnologías bélicas de los aviones de guerra y cambiarán la percepción de estos sobre la sociedad a partir del diseño como vimos por ejemplo con la informática, transformándolo en una actividad de consumo y de ocio. Además estos aeropuertos serán un claro ejemplo de todo ese dinamismo que se verá en el mundo moderno donde pasan tantas cosas al mismo tiempo.

La modernidad, a diferencia de otros periodos, no tendrá un estilo concreto, sino que será versátil y responderá a ese modelo consumista, transformándose en función de lo que quiera «comprar» el cliente, presentará una lógica de mercado.

Por lo tanto veremos una vez más una amplia domesticación de lo tecnológico a partir del diseño.

Las dos ciudades más importantes de la costa oeste son Hollywood y los Ángeles donde serán fundamentales las industrias automovilística y cinematográfica que tendrán una clara influencia en el diseño contemporáneo.

MINDMAP PREVIO:

Revista “Arts & Architecture”: Case study houses:

(1929-67)

Fue una revista estadounidense de diseño, arquitectura y arte. Fue publicada y editada por John Entenza de 1938-1962​ y por David Travers de 1962-1967. La revista jugó un papel importante tanto en la cultura de Los Ángeles como en el desarrollo del modernismo de mediados del siglo XX de la Costa Oeste en general.

Busca promover la vivienda moderna que fue una de las contribuciones culturales más importantes

Dos personas que fueron de gran interés de gran interés en esta propuesta de cambio en el diseño y arquitectura:

-Charles Eames: (1907-78)

Eames fue un arquitecto, diseñador y director de cine estadounidense. Estudió arquitectura en la Washington University de St. Louis. En el año 1940, él y Eero Saarinen ganaron el primer premio en el concurso «Industrial Design Competition for the 21 American Republics», también conocido como «Organic Design in Home Furnishings», organizado por el MoMA. Eames fue nombrado jefe del departamento de diseño industrial de Cranbrook ese mismo año.

Además, fueron muy conocidos los trabajos que realizó junto con su mujer Ray Eames.

–Eero Saarinen: (1910-1961)

Era un finlandés, nacido en Kirkkonummi y que emigró a EE. UU. de pequeño. En el 1923, en aquella época una de las virtudes de los Estados Unidos es la capacidad de asimilar gente de fuera. Saarinen estudió escultura en la Academia de la Grand Chaumiére de París y posteriormente arquitectura en la universidad de Yale. Fue un arquitecto de gran importancia e influencia que ha pasado a la historia.

Era hijo de otro arquitecto muy conocido llamado Eliel Saarinen:

(1873-1950)

Eliel Saarinen fue un arquitecto finlandés, famoso gracias a sus construcciones en estilo Art Nouveau a comienzos del siglo XX. Con su estilo podemos entender mejor la arquitectura de su hijo, ya que vemos que le viene de ahí. No solo siempre tuvo muy en la raíz la arquitectura, sino que, además, des de su origen entendemos la incorporación de lo orgánico en EE. UU. tras la guerra.

-La Estación Central de Helsinki (Finlandia 1909-1914)- Eliel Saarinen

Esta construcción ha sido clasificada como Art Nouveau y contiene muchas características que luego definirían el enfoque Art Deco Modernista que se ve aplicado en particular a las estaciones estadounidenses como las de Cincinnati, Buffalo, Newark y Los Ángeles.

 El crítico de arquitectura J.Glancey describe a Eliel Saarinen como «un puente entre las inquietudes arquitectónicas de los siglos XIX y XX» Y en este edificio se ve claramente ese puente del que habla Glancey.

Saarinen trabajó además en la arquitectura de la universidad de Yale.

En el 1937 empezó a trabajar en el diseño de mobiliario y tuvo una relación con el programa de las Case Study Houses que desarrolló la revista de Arts and Architecture.

Este es un ejemplo de silla moderna, del cual realizó varios experimentos:

En estos diseños ya no se ve como dijimos lo de diseñador unitario ya que se busca esa idea de que el mueble ha de ser combinable, es decir, lo suficientemente neutro.

 COMBINATORIAS DE ELEMENTOS: será tomado como un concepto matemático o informático; el diseño establece unos elementos y de ahí variarán los modelos con unos pocos elementos y acaba generando una gran variedad hasta crear un catálogo muy amplio.

Mucho de ello ya estaba presente en la silla Thonet, donde estandariza un proyecto y de ahí generan ese gran catálogo.

Por lo tanto no se trata de realizar numerosos diseños, sino un diseño al que se le añaden pequeñas modificaciones que siguen una línea estilística y concepotual pero que dn lugar a nuevos objetos.

-Eero Saarinen, WOMB CHAIR con otomana (des de 1948 para Knoll)

Se ve todo lo que dijimos, este producto no se entiende sin la presencia del cuerpo, se ve esa concepción de lo orgánico, el cómo atiende a la comodidad generada a partir de una sola forma continua. Con esta forma genera una superficie compleja que se amolda al cuerpo, tecnología no es lo que se impone al habitante, sino que ahora, parece más preocupada por hacerse cómoda al usuario. Es decir que la mirada se centra en el cliente y destinatario al que va dirigido al producto.

Está formada por una estructura envolvente que recuerda a una forma como de útero que genera estas formas de sentarse.

La ergonomía se usa como base para generar esa estructura compleja.

Se ven además nuevos métodos aplicados, como a la hora de tapizar, teñir telas…

Vemos una vez más lo de no necesitar rediseñar todo, a partir de las texturas aplicará esas pequeñas modificaciones de las que hablábamos. El textil es principalmente fibra de vidrio tapizado además de utilizar una estructura tubular de hacer cromado.

Había diferentes colores y acabados del mismo modelo (acero cromado o pintado, tapicería, etc.)

Apoyabrazos-estructura

-Herbert Matter- Cover for Architecture, 1945

En estos años habrá una estética surgida de lo atómico. Se ve por ejemplo en los grafismos como este, basado en los átomos. Esta revista se relaciona con las patas de la silla, ambos presentan esta estética tecnológica.

La modernidad a partir de ahora es entendida como algo más soft, es decir, más blanda, también sofisticada pero lo interesante es que ahora lo tecnológico muestra una cara más simpática. Probablemente esto se busca ya que tras la guerra se ha visto la cara mala de la tecnología, lo mucho que puede llegar a destruir y matar. Hay que cambiar de algún modo esa percepción, y esta en la manera que tomarán los diseñadores de hacerlo.

Otro ejemplo muy similar al Womb Chair:

-E. Saarinen, Easy Chair, 1948:

Estos son algunos otros ejemplos de cómo esta nueva tecnología de las técnicas, los materiales y los acabados serán aplicadas para generar distintas colecciones de mobiliario y cómo será usada por distintos artistas, diseñadores y arquitectos.

-Butaca tapizada y taburete, 1948: Aalto similar

Aquí en cambio vemos un tejido que podría recordar más a esas sillas y muebles tradicionales de mimbre ( por el modo en el que se entrelazan las fibras) pero, sin duda, es un mueble mucho más moderno y que con sus cambios de planos y de ángulos, de las distintas partes de la silla (como en el respaldo) se ve ese interés en la comodidad y ergonomía del usuario, y de cómo se han realizado amplios estudios para llegar a ese producto final.

INDUSTRIA DISEÑO COMERCIAL:

-Eero Saarinen, Serie Tulip, des de 1965 (para Knoll):

La serie Tulip la componen sillas, butacas, taburetes y diferentes tipos de mesas. Tanto la base de las sillas como las mesas están fabricadas en aluminio barnizado y la carcasa del asiento de la silla está hecha en fibra de vidrio. Puedes encontrar los modelos en blanco y negro, creando así una mayor variedad. Las piezas son fácilmente combinables con otros muebles.

 Esta es una muestra de la ergonomía explorando a donde puede llevar a la fibra de vidrio, en la pieza se prueba la incorporación del aluminio en el mobiliario doméstico. Se ve, por lo tanto, esta idea de adaptar al cuerpo, esto es propio de un contexto de consumo y al final este forma parte de un aspecto más en cuestión comercial. Tienen como norma que cuanto más generes más venderás.

El tema atómico recupera cuestiones que veíamos en el expresionismo: como lo aerodinámico que venía revestido y vendido como el aura de lo moderno: aquí se ve esa estética de que todo es muy espacial, remite a eso.

Esta silla, aunque no lo parezca, tiene una gran relación con el edificio del aeropuerto JFK:

-E. Saarinen de la TWA; Aeroport JFK, New York, 1956-62:

Se construyó como vemos en el 56-62, es decir, 10 años más tarde de la guerra.

Se aplicará a Europa el modelo consumista de EE. UU.

Es un aeropuerto, a nivel tecnológico muy complejo y que juega además con la componente simbólica.

En la construcción se ve una gran referencia al mundo aeronáutico, juega con eso al ser aeropuerto.

La curvatura del edificio tiene que ver también con cuestiones de uso. (luego entraremos en detalle en esta construcción)

Saarinen tiene muchos otros edificios para recordar. A diferencia de le Corbusier o los arquitectos y diseñadores de vanguardia europeo, con Saarinen vemos que la modernidad no es vinculada con un solo estilo, es decir no sigue unos parámetros tan fijos o específicos.

Estos son algunos otros edificios que realizó:

-Dulles Airport, Virginia, 1958:

-E. Saarinen, Samuel FB Morse and Ezra Stiles Colleges, Yale University (1958-62):

-E. Saarinen, Milwaukee war memorial:

Lo que nos interesa de estos ejemplos es que no cumplen unas pautas concretas que se apliquen a todo.

No tiene ningún reparo de cambiar el estilo según el encargo que le dan: no imita por ejemplo en los edificios de Yale el campus los de Oxford, pero la piedra sí que remite a eso y nos recuerda a la edad media, se relaciona esa piedra con la solidez, en la historia se ve ese valor en relación con la validez académica.

El aeropuerto de virginia sí que es algo más expresivo, pero como vemos el memorial de guerra no lo es. No muestra curvas y es sofisticado como el otro, muestra unas geometrías más duras sin ornamentos y el estilo del edificio recuerda mucho más a le Corbusier.

Como hemos dicho, será por lo tanto una de las características de la contemporaneidad de los 50, ahora es mas VERSATIL en cuanto a estilo, no se ve tanto la rigidez de le Corbusier de los 5 puntos. Aquí los arquitectos están más pendientes de otras cosas que no de desarrollar su propio estilo, pero al mismo tiempo sí que aplican una lógica de mercado, piensan que si son demasiado radicales puede que no guste al público, por lo tanto, ambas cosas estarán en juego a la hora de diseñar los edificios.

El Aeropuerto de JFK:

Como hemos visto el aeropuerto presenta una gran cascara que lo acoge todo y entra en relación con las curvas de los aviones:

El diseño muestra y pone en manifiesto todo el potencial de la tecnología y de la aerodinámica.

Además, en esa época los aeropuertos eran edificios muy nuevos, con este edificio nacerá la idea de aeropuerto que tenemos a día de hoy, a partir de los 60s volar se convierte en una actividad comercial más.

Saarinen haciendo la maqueta. Él dijo:

«… un edificio en el que la propia arquitectura expresara el drama, el carácter especial y la emoción de los viajes … un lugar de movimiento y transición … Las formas fueron elegidas deliberadamente para hacer hincapié en un creciente aumento de la calidad de la línea. Queríamos un levantamiento” -Eero Saarinen

En este edifico el componente simbólico es algo clave, no deja de ser una construcción cultural a partir de la cual entendemos el mundo. A menudo ha sido descrita como” la figura de un águila tomando tierra”.

Antes de comenzar con el proyecto, Saarinen realizó un profundo estudio del comportamiento de los usuarios dentro de los aeropuertos, ya fuesen viajeros, visitantes o acompañantes. Dicho estudio reveló que los flujos de los viajeros en sus recorridos nunca son en línea recta, ese detalle lo tuvo muy en cuenta por el arquitecto en el momento de diseñar un entorno con formas envolventes.

La gran cubierta forma parte de ese programa nuevo.

Saarinen tuvo en cuenta que coger un avión no era algo fácil, y él recogerá toda esa complejidad en una sola cubierta, así no se pierde tanto y se facilitaba el reconocimiento de las distintas zonas en función de las diferentes funciones a realizar. Gracias al diseño que elaborará era más fácil situarse y ubicarse.

Utilizó unas formas orgánicas de las que hablábamos en un principio, unas curvas que recuerdan a la torre de Einstein. La terminal tenía un aire futurista, en el interior había grandes ventanales desde los que se podían observar los aviones estacionados de la TWA o los pasajeros que partían atravesando las alfombras rojas de los fingers.

No realiza una forma fácil ni sencilla, parece una gruta que acoge.

El aeropuerto llevó a cabo un programa de comercializar los vuelos a causa de que se conciba como una actividad comercial. Se verá esa atención al usuario. Un famoso ejemplo de la sociedad patriarcal del momento eran las azafatas, se usaban a mujeres guapas, maquilladas, con minifaldas, parecía todo como un plato de televisión.

En Panamaerican Building del que hablamos en otro post del blog, estas compañías pasarán a ser unos de los principales medios de transporte del mundo.

El proyecto es de mucha complejidad, los aviones son transportes muy grandes y el aeropuerto es un lugar en el que se buscará combinar la escala doméstica humana y la gran dimensión de los aviones y las pistas.

Las formas que vemos nos recuerdan un poco al streamline y nos hablan del dinamismo del mundo contemporáneo.

Detalles:

Las ventanas son elementos que se van plegando en el diseño.

La barandilla que se utiliza es muy neutra.

Además bscará una integración formal del mobiliario en el espacio, habrá una integración total de la estructura estructura y la forma del espacio.

El matrimonio Eames:

Charles y Ray Eames fueron un matrimonio de diseñadores americanos que hicieron significativas contribuciones históricas al desarrollo de la arquitectura moderna y el diseño de mobiliario. Su diseño más conocido es la icónica Eames Lounge Chair. Además de en la arquitectura también trabajaron en los campos del diseño gráfico e industrial, las bellas artes y el cine.

Charles Eames (1907-1978), estudio arquitectura en la Universidad Washington de St. Louis. En su estancia en la Universidad Washington conoció a su primera esposa, Catherine Woermann, con la que se casó en 1929. Un año más tarde tuvieron una hija, Lucia Jenkins.

Charles Eames fue influenciado por el arquitecto finlandés Eliel Saarinen cuyo hijo Eero Saarinen, también arquitecto, se convertiría en un futuro en su socio y amigo. En 1941, Charles se divorció y se casó con su compañera de Cranbrook Bernice “Ray” Kaiser.

Como vemos en la foto cambiará la percepción de los diseñadores, son simpáticos, graciosos. Será una forma de explicar lo de aproximar diseño al usuario, hacer el diseño mejor que se vea más cómo se preocupan por los usuarios siendo más cercanos y “personales” no tan fríos y distantes.

John Entenza con los Eames:

Entenza buscará modernizar la vivienda americana y lo hará a partir de la revista:

John Entenza:(1905 – 1984)

Entenza fue una de las figuras fundamentales en el crecimiento del modernismo estadounidense, especialmente en los campos del diseño ambiental, la arquitectura, el paisajismo y el diseño de producto; además de las bellas artes y las artesanías en la posguerra los Estados Unidos.

En 1940 se unió a la revista Arts and Architecture (1929–1967) como editor y sus puntos de vista y liderazgo pusieron a California en el mapa cultural. En la revista no solo publicará casas modelos para modernizar la casa, también será considerada como una revista transversal, cultural, enfocada a la clase media alta americana.

Se enfocará en ese interés cultural del consumidor, será el valor de la revista.

Cada portada de los números los hará alguien importante:

Una de las cosas de las que se hablará mucho será de la tecnología.

Promovían que la tecnología debía adaptarse al hombre y no al revés, será un modo de domesticar lo tecnológico, se presentará como algo más juguetón. Tenían muy en cuenta el colapso de la guerra, que para muchas personas fue el primer contacto con la tecnología, en especial con las bombas. Y será algo muy complicado cambiar esa percepción. Por lo tanto, lucharán por mostrar el lado “divertido” y desenfadado de esa tecnología.

En las distintas portadas vemos esa estética contemporánea.

Alguno de los nombres clave que vimos en ese contexto:

–Irving Harper: (1916 – 2015)

Fue un diseñador industrial estadounidense. Harper se convirtió en uno de los diseñadores más prolíficos del estilo modernista. Una de sus publicaciones más conocidas:

 -Anuncio para Herman Miller, 1949:

Un cartel que mezcla el producto con el fotomontaje, además de que muestra un juego con el logotipo.

La tipografía que utiliza en el cartel es la que conocemos como la futura sans serif (la inventó Paul Renner 1927).

El cartel es muy antiguo, pero realmente no está tan lejos de nosotros.

Fue muy hábil a la hora de diseñarlo, recupera los experimentos elaborados por la Bauhaus, como el collage y lo pone en un entorno comercial, a la vista de todos.

Vendía muebles y sabe que la fotografía era de lo que menos engañaba y lo combinaba con el dibujo que es mas humano y habla directamente del diseño a partir del lápiz que es un símbolo de la creatividad.

Al mismo tiempo todo el cartel presenta una gran belleza, predominan los colores blancos, negro y rojo, con ese simple logo vinculado con el lema de la marca.

Mas cosas y proyectos que hará Irving Harper:

-Logo e imagen corporativa de Herman Miller (empresa de muebles, 1947:

Vemos unos experimentos de vanguardia.

La publicidad en ese momento es algo mainstream, es decir que llega a todo el mundo, lo dadaísta los manifiestos y tal de las primeras vanguardias no eran tan populares, en comparación lo veía muy poca gente, o al menos mucha menos, pero esto no, será algo mucho más común que llegará a muchísima más gente.

–Herbert Matter:  será un alemán y será otro caso de los que estábamos viendo.

(1907 – 1984) Matter fue un fotógrafo y diseñador gráfico estadounidense de origen suizo conocido por su uso pionero del fotomontaje en el arte comercial. El trabajo innovador y experimental del diseñador ayudó a dar forma al vocabulario del diseño gráfico del siglo XX.

Algunas de sus creaciones:

-Container corporation of america ad “let the buyer be sure”

Este es un diseñador del cual se verá la influencia directa de la Bauhaus, adaptará todo eso aprendido de la escuela alemana al diseño comercial.

La raya la usa para tachar como lo hacían los alemanes, que tachaban los edificios que no gustaban. Con ello lo connota.

El cartel muestra por lo general una estética agresiva, pero agradable a la vista.

Otro cartel que realizará:

-1941, oficina de gestión de emergencias de Washington DC:

Con el anuncio estaba buscando promover el ejército norteamericano. Por lo tanto, la imagen de guerra de los EE. UU. contra Alemania la diseñará un alemán. Será algo muy paradójico pero muy lógico ya que hará referencia a ese hecho de que los EE. UU. sean lo que son a causa de los artistas, arquitectos y personajes que emigraron.

Otra figura d relevancia:

–Cipe Pineles: (1908-1991)

Cipe Pineles nació en Austria, pero emigró con su madre y sus hermanas a Nueva York en 1915, sabiendo ya que tenía predisposición por las actividades creativas. Un ensayo que escribió sobre su emigración de Europa del Este y su llegada a los Estados Unidos ganó un premio de The Atlantic Monthly. Estudió bellas artes. Cipe fue pionera, no solo porque era una mujer en una profesión típicamente masculina, sino porque tenía una visión innovadora y no tenía miedo de hacerlo realidad. Fue la primera directora de arte en una revista que se comprometió a asignar bellas artistas para la ilustración editorial, una práctica previamente inusual, y fue bajo su dirección que nombres tan célebres como Andy Warhol y Ben Shahn comenzaron a crear ilustraciones para acompañar historias.

Era la directora artística de revistas como Cham.

-Revista Charm, enero 1954/ junio 51:

Pineles decía que con su revista:

“Se podría decir que tratamos de transmitir el atractivo de la realidad, a diferencia del brillo de la tierra de nunca jamás”. –Cipe Pineles

La revista también de hace bastante es de hace 70 años, pero volvemos a ver una estética muy actual.

Otra figura relevante:

–Alvin Lustig:

(1915 – 1955)

Lustig fue un diseñador de libros estadounidense, diseñador gráfico y diseñador de tipografías. Ha sido honrado por el American Institute of Graphic Arts y el Art Directors Club Hall of Fame por sus importantes contribuciones al diseño estadounidense.

Alguna de sus obras y diseños:

-Portadas de libro para New Directions Publishing (NY) 1941-55:

La estética que muestra es muy similar a la del expresionismo abstracto, es otro diseñador que recoge una vez más esa herencia de las vanguardias. En su diseño lo que Lustig hace es relacionar la abstracción con lo corporal, todo el grafismo en general también vive mucho de eso.

Ese liderazgo norteamericano que se ve surge en realidad del campo simbólico.

–Paul Rand– Fue otro personaje de gran importancia:

(1914 – 1996)

Fue un diseñador gráfico estadounidense muy reconocido​ en gran parte por el diseño de alguna de las grandes marcas institucionales, además, fue uno de los originadores del estilo tipográfico internacional suizo.

Alguna de sus publicaciones conocidas:

-1943: coronet brandy

-thoughts on design, 1847:

Son libros muy buenos que explican su trayectoria con el diseño.

Como hemos dicho será uno de los diseñadores más importantes. Uno de sus grandes diseños es sin duda el logo de la gran compañía IBM:

– IBM 1956/ 72/ eye, bee, m:

Vemos como evolucionó el logo y como jugaba con los simbolismos que podía tener.

La revista publicará el artículo de las Case Study Houses, era un programa que elaboraron para modernizar las casas americanas:

Se realizará la convocatoria para participar en el programa de la revista, en enero de 1945:

La revista en cada número presentaba una casa moderna. Cuando se inició el programa era justo cuando acababa de terminar la guerra. Será un modo de incitar a la reconstrucción de un modo moderno.

Muchas de estas casas serán encargos de la revista, será un modo de marketing. Muchas son casas en las que no vivía nadie y se usan actores para figurar y simular. Se empezó a ver en este proyecto una gran dirección artística y un gran estilismo que se desarrolló más a lo largo de los siguientes años.

-La Case Study House #16 en obras, Craig Ellwood, 1951:

El paisaje que vemos que rodea la casa, es otro entorno, totalmente diferente a lo que vemos en Europa. América tiene un gran entorno, la presencia de la naturaleza es mucho más importante y jugará un gran protagonismo, será algo que se tendrá muy en cuenta y se respetará mucho.

En la imagen vemos la casa en obras, será una imagen mucho más tecnológica. La estructura de la casa es de acero. Vemos el racionalismo de la industria del hierro, pero la chimenea, sin embargo, es de piedra, es el símbolo del hogar acogedor. Antes de hacer y construir nada lo primero que se crea es el hogar, primero construyo eso y a partir de ahí puedo construir el resto.

Se sigue viendo por lo tanto esa visión más conservadora. Lo sofisticado, lo blando y mullido, es lo primero, es esta capacidad de combinar lo doméstico y la modernidad de la industria.

–LOS ANGELES:

En los 50 era esta ciudad era una locura en la época, era imposible encajarla en una pantalla de lo grande que era. Hollywood lo encontramos en medio de la gran ciudad.

A esta escala de ciudad se le llama megalópolis:

La megalópolis es imposible entenderla en la lógica de ciudad en la que se pasea como veíamos en París en la época de las primeras vanguardias. Los Ángeles es la ciudad autopista.

El automóvil será ensalzado y será el centro de todo. Sin este medio de transporte no se entiende la ciudad.

Otra cosa a tener en cuenta en esta gran ciudad es el clima, todo: la arquitectura, el diseño, remite a una alegría de vivir, con los porches abiertos por ejemplo o la vegetación tropical. En la ciudad se verá un tono mucho más agradable, no se ve tan frio como NY con esos inviernos gélidos, california es mucho más mediterránea.

Y el CINE: tomará mucha importancia también con la industria cinematográfica. Será algo que llevará a Los Ángeles a convertirse en lo que es. El diseño que vemos en la ciudad es más desenfadado y tranquilo, también tendrá mucho que ver con toda esa sociedad del espectáculo.

La noche aquí una es mucho más movida, vemos los neones, los coches, en esa época muy muy moderno será otro mundo, en Europa aún no estaban en esa realidad, estaban mucho más devastados por la guerra.

Como hemos dicho un factor fundamental para esta ciudad será Hollywood: con los estudios Paramount:

–Paramount: es una centenaria compañía productora y distribuidora de cine, con sede en Hollywood (California). En los inicios de la historia del cine en Estados Unidos en los años 1910 se fundaron los estudios más importantes, entre los que ocupa la Paramount un lugar de privilegio, junto a la Universal Pictures y la Fox Film Corporation.

Los estudios eran lugares en los que cabía la posibilidad de montar una ciudad solo para hacer una película. Era algo increíble: Si son capaces de generar esos espacios de ficción como no va a influir todo eso de un modo directo en el diseño. América se presentará al mundo en la gran pantalla, en el cine se dará a conocer.

Esta es una foto de un simio en la calle, ejemplifica lo que es los ángeles y el cómo lo fantástico combina con lo real a diario en sus calles, es el día a día.

-Otro tema muy representativo será el surf: será un símbolo muy americano:

Hoy en día se ve como un deporte muy de pijos, pero en los 50 fue casi un antecedente de los hippies. Era un movimiento alternativo que pretende integrarse en lo natural, eran como decimos como unos prehippies.

Después el mercado los asumirá. Lo que hará es transformar la rebeldía en mercancía de consumo.

Los surfistas estaban totalmente implicados con la naturaleza eran EL símbolo de la naturaleza personificado, se veían cualidades como el hedonismo y la juventud. Cualidades que directamente se asociarán con América.

El que hace olas sin duda alguna es el que conoce el mar, se ve esa concepción orgánica. Para surfear miran y entienden la lógica, tendrá mucho que ver con la arquitectura, aunque no lo pueda parecer. Han de estar atentos al lugar y concebir lo orgánico además de demostrar una importancia de la naturaleza.

Han de estar en contacto con eso y respetarlo.

Esta concepción es algo muy oriental también, se ve en la habilidad de saber mirar la ola es como en el judo, donde se usa la fuerza del otro para combatir. Ambos se basan en la observación y conocimiento de lo orgánico.

En Estados Unidos en este momento vemos dos casas muy distintas:

• Casa de farnsworth, Mies Van der Rohe (1946-52)
• La de abajo la de los Eames: CASE STUDY HOUSE #8 (1945/49)

Es estas dos casas observamos la modernidad radical europea, y vemos cómo en california se traduce como algo mucho más cómodo, donde Mies genera algo complicado vivir, aquí lo doméstico es acogedor. Se conseguirá domesticar la radicalidad de la vanguardia europea. Lo bueno se acomodará, y lo malo será el entorno de consumo.

En el exterior vemos marcas domésticas, abundancia, vegetación, superficies duras y blandas, iluminación.

Farnsworth:

Eames House:

Las comparaciones del interior: la casa de los Eames acoge lo industrial, pero lo hace acogedor.

Es ese intento de domesticar la tecnología y cambiar la concepción de esta.

-Charles i Ray Eames, férula para pierna rota, 1942:

Como vemos en estas imágenes los Eames han crecido haciendo diseño que se adaptan al cuerpo, a partir de ahí habrá un gran proceso, pero esas concepciones las aplicarán en la arquitectura y será algo muy notable.

 Otro diseño en el que se verá esta percepción será en las sillas. Realizarán estos ensayos de curvatura de madera contrachapada en tres dimensiones mediante prensado:

Otra serie muy interesante que realizarán será

-Muebles: ESU (Eames Storage Units), 1950. Herman Miller:

En ellos podemos contemplar la combinatoria. Vemos esa influencia de Mondrian, pero aquí lo puedes tocar como con la casa de los Eames en vez de la de Mies. Se adapta y se usa la racionalización para algo útil, cómodo y que se puede usar para lo que es.

La idea de estos muebles es que tu compras tus modelos, es eso industrial que se acomoda a cómo lo quieres.

Esta hecho en base a un sistema modular, con marcos estándar con tableros de madera contrachapada y recubierta de plástico o conglomerados lacados y paneles metálicos perforados. Vemos también esas técnicas modernas.

Combinatoria se hace a partir de los colores, la exuberancia, la industria, las texturas, la función, la alegría,  pero buscando siempre eso estable.

-La casa: Eames: CASE STUDY HOUSE #8 (1945/49)

Casa realizada dentro del programa para la industrialización de viviendas promovido por la revista americana Arts & Architecture denominado Case Study Houses.

Proyectada en un principio por Charles Eames y Eero Saarinen, esta vivienda fue substancialmente modificada durante su proceso constructivo por Eames y su mujer Ray, artista y diseñadora, a fin de maximizar el aprovechamiento espacial.

Esta casa es un ejemplo de vivienda modular de fácil fabricación y montaje, es un ejemplo único de hasta dónde podía haber llegado la arquitectura siguiendo las ideas de este arquitecto que supo utilizar los materiales de siempre en la construcción pero transmitiendo cosas totalmente nuevas.

Aquí la casa está adaptada al lugar no como la de Mies.

Esta casa está en el suelo, no vuela como la otra, es algo asociado a la realidad, está “con los pies en el suelo”.

Vemos además un entorno mucho más verde y más cómodo.

Se ve una estética más cómoda.

“Nos interesa la casa como un instrumento fundamental para vivir en nuestro tiempo, la casa como una solución a la necesidad humana de cobijo que sea contemporánea desde el punto de vista estructural, la casa que, sobre todo, se aproveche de las mejores técnicas de ingeniería de nuestra civilización altamente industrializada. Mientras otras actitudes presentan diversas posibilidades, este enfoque parece que es el que puede defenderse sin prejuicios como la solución moderna, lúcida y realista a las necesidades de vivienda.

La historia de la casa es demasiado obvia como para replanteársela. Sin embargo, lo que tratamos de decir es que ahora se dan todas las circunstancias y condiciones necesarias para poder combatir el problema de la vivienda en serie a escala integral y global con posibilidades de éxito más que buenas” -Charles Eames.

Aquí vemos que se tiene una conciencia de la presencia del cuerpo. Los lugares opacos se ponen por el cuerpo, para que se sienta más protegido.

La construcción combina el estudio con la casa, es un fragmento, es decir, está hecho por piezas, fragmentará la fachada.

Además, veremos en el diseño los colores propios del neoplasticismo.

-Número de Marzo de 1956, cubierta de Charles Kratka:

Esta portada hace referencia a la idea del bricolaje. Será una concepción nueva, nacen los hobbies. Es parte de ese mundo nuevo. Ahora hay lugar de ocupar el tiempo en otras actividades de ocio.

-Ch y R. Eames. Tumbona tapizada y otomana, 1957:

Este será otro clásico del diseño. Cuando se presentó este conjunto, no existía nada parecido. La versión moderna de los Eames de una silla de club inglesa del siglo XIX no solo ha perdurado por más de 50 años, sino que se ha convertido en uno de los diseños de muebles más significativos del siglo XX, que se reconoce de inmediato y que sigue siendo de vanguardia.

-Case Study House n21 Pierre Koening, 1958-60 (9038 Wonderland Park, Los Angeles)

Para muchos críticos y arquitectos, no sólo representa el punto culminante del Case Study House Program sino que es el mejor edificio de Koening. En 1959 fue distinguido con un premio de la revista Sunset y al año siguiente recibió el premio “Homes for Better Living”.

Koening continuó fiel a la idea de encontrar proyectos que representen la tecnología y los modos de vida de la sociedad californiana. Cada habitación de la casa se encuentra claramente definida. La celebración de su carácter es una referencia para cualquier proyecto de vivienda contemporánea.

La casa es una construcción pequeña y barata. El edificio tiene un patio interior al aire libre con una fuente junto al núcleo central del baño, separa los espacios comunes de los dormitorios. El dormitorio principal y la sala de estar se abren directamente a este patio.

La cocina también se abre al patio, lo cual permite la entrada de luz y aire fresco.

La entrada de los peatones que es la que suele ser la principal no lo es en esta casa. Esto será algo muy característico. Aquí la entrada principal es la del coche.

En la casa vemos un vestíbulo pequeño, aquí nadie entra por el recibidor. Es un chalé, se va a la casa en coche, nadie usaba el recibido. Koening será muy hábil y se da cuenta que es absurdo y hace una entrada grande para el coche y no para la persona ya que nadie va a pie.

Como decimos será por lo tanto una casa pensada para el coche.

El coche se podía ver desde la cocina como se ve en la siguiente imagen:

El coche en ese momento es el estatus, es el símbolo y es la manera de decir que eres importante en la sociedad. Tú eres tú coche.

La casa mostrará la tecnología punta, pero será acogedor.

Aquí vemos a lo que nos habíamos referido donde los actores ilustran la casa: