6.1. El nuevo Paradigma Tecnológico

LA INFORMACIÓN, UN NUEVO PARADIGMA TECNOLÓGICO Y SOCIAL:

El desarrollo de la informática será un tema fundamental, no solo en la posguerra sino también en nuestra sociedad actual.

En la guerra será fundamental el poder transmitir mensajes encriptados para que el enemigo no pudiese averiguar las estrategias y a partir de ello se empezarán a desarrollar numerosas máquinas cada vez más complejas para cumplir estas funciones. Al mismo tiempo filósofos y estudiosos presentarán teorías relacionadas con el cálculo y la transmisión de la información que serán temas relevantes en el momento.

Todas estas técnicas y teorías evolucionarán dando lugar a máquinas que se pueden considerar los primeros ordenadores. Eran de gran tamaño y muy complicadas de usar, solo alguien con conocimientos sobre el tema las podía manejar. Poco a poco se irán cotidianizando al mismo tiempo que evolucionando. En este proceso será fundamental el invento del transistor con el cual el tamaño de las máquinas se reducirá enormemente haciéndolas mucho más cercanas a las personas.

A medida que se facilite el uso de estos aparatos se introducirán en el mercado como objetos de consumo que cualquier persona, sin conocimientos informáticos previos, puede usar.

Con este gran y rápido desarrollo de la informática que se realizará se pondrá en evidencia la necesidad de conexión y de transmitir información. Además veremos ese intento de generar una imagen amistosa de la tecnología, como ya habíamos visto, para cambiar esa concepción negativa que se tendrá tras la guerra. Por si fuera poco se dará hasta la opción de personalizar en cierta medida esos productos, intentando que la gente vincule su identidad y sientan que esos productos van acorde con su personalidad.

A partir de que la tecnología este al alcance de todo el mundo se buscará también su incorporación en las casas viendo esa necesidad de intentar volver tecnológicos todos los aspectos de la sociedad.

Esta introducción de las tecnologías en las casas y en la vida cotidiana de todas las personas no habría sido posible sin el diseño ya que este jugará un papel fundamental logrando cambiar la percepción mala de la tecnología que se tenía tras la guerra.

MINDMAP PREVIO:

(De los ÁTOMOS a los BITS: la INFORMACIÓN, BASE DE UN NUEVO PARADIGMA TECNOLÓGICO Y SOCIAL)

Algunas imágenes de la época que representa ese nuevo protagonismo del cálculo son las siguientes:

-Giovanni Pintori, carteles para Olivetti, 1949-1956

Giovanni Pintori fue un diseñador gráfico italiano que en especial fue conocido por estos encargos para la empresa Olivetti que era una empresa que fabricaba y producía máquinas de oficina como impresoras, ordenadores y calculadoras.

En el primer cartel vemos un gran paisaje de números que generan un entorno con distintas capas de profundidad y en el centro de todos esos números, en blanco, vemos el nombre de la compañía que parece iluminado.

Es algo abstracto pero que parece sugerente del cálculo, de ese procesamiento de los datos que se empiezan a desarrollar en la posguerra.

-1958 Le Corbusier Pabellón Philips, Expo de Bruxselles:

Este edificio fue una construcción efímera que diseñaron los arquitectos Le Corbusier y Iannis Xenakis para la Exposición universal de Bruselas de 1958.

La forma nos sorprende mucho ya que está hecho con formas complejas.

Se genera una forma asimétrica a partir de trazos de parábolas, la composición consta de 9 paraboloides hiperbólicos. Estos paraboloides se forman mediante piezas rectas de hormigón prefabricado y los tensores exteriores hechos de acero quedaban a la vista mientras que las paredes interiores estaban cubiertas de amianto para generar un efecto de cueva y así potenciar también la sensación acústica

El edificio fue un encargo de la empresa holandesa Philips, y su función era la de proporcionar un moderno espectáculo. La instalación era una multimedia artística donde se veía una fusión artística entre arquitectura, imagen y sonido. El encargo daba «carta blanca» a Le Corbusier, pero debido a que éste se encontraba implicado en el proyecto urbano de Chandigarh fue más desarrollado por Xenakis.

El edificio acabó siendo demolido el 30 de enero de 1959.

-Edgar Varense, Iannis Xenakis, Le Corbusier, Poeme eleectronique, Pabellón Philips, Expo Bruxelles, 1958:

Sobre las superficies interiores del pabellón se proyectó un recorrido entre las manifestaciones de la sociedad humana que se bautizó como “poema electrónico”. Y es que en el interior proyectaban un poema visual.

El interior del edificio disponía de una única entrada y de una única salida, y podía llegar a albergar un auditorio para 500 personas. ​ Además de servir de auditorio para la composición musical, también tenía cuatro grandes proyectores de cine y dos objetos que quedaban colgando del techo: una escultura geométrica de inspiración matemática y un maniquí femenino. También es muy destacable la iluminación del recinto, que podía llegar a recrear un total de 51 ambientes distintos.

-Evolución de los logos de IBM- International Business Machine, 1888-1972:

Se fue rediseñando el logo de la marca IBM. Y es que precisamente con este rediseño se ve el protagonismo y acción de las empresas.

IBM es una reconocida empresa multinacional estadounidense de tecnología y consultoría con sede en Armonk, Nueva York. Se basa en generar componentes para oficinas y fabrica y comercializa hardwares y softwares para computadoras, y ofrece servicios de infraestructuras, alojamientos de Internet, y consultoría en una gran gama de áreas relacionadas con la informática, desde computadoras centrales hasta nanotecnología y que en su día se lanzaron en la generación de materiales.

La empresa se fundó en 1911 como Computing Tabulating Recording Corporation y fue el resultado de la fusión de cuatro empresas: Tabulating Machine Company, International Time Recording Company, Computing Scale Corporation, y Bundy Manufacturing Company. De ahí adoptó el nombre International Business Machines en 1924 que en siglas es IBM.

IBM alberga más patentes tecnológicos que ninguna otra empresa de Estados Unidos, y tiene por lo menos, una doce laboratorios de investigación.

-Charles Eames y Eero Saarinen, Pabellón IBM en la feria de New York, 1964    

El proyecto se divide en dos partes muy diferenciadas, una cubierta translucida que está formada por un total de cuarenta y cinco troncos de acero que buscan generar una suave transición entre los árboles de su alrededor, y un gran ovoide que contiene el auditorio y que estaba recubierto por unos azulejos.

La arquitectura del pabellón muestra al final una nueva libertad de la forma que se debe a los materiales de construcción modernos.

La forma de la cúpula es como hemos dicho en forma ovoidal y en el exterior se imprimían las letras que imitaba un recurso de un sistema que fue desarrollado para las máquinas de escribir electric que era un modelo en forma de “bola” con los caracteres impresos. Es decir que esta forma exterior con la tipografía en toda la superficie busca entre muchas cosas hacer referencia a la compañía de la cual nos hablará con más detalle el interior.

Eso sí, la compresión completa del edificio no se da hasta que uno visita el auditorio que hay en su interior, donde se proyectaba una película que duraba treinta y dos minutos y pretendía acercar la informática al público resolviendo algunas de las dudas que más habían surgido en la población. El documental era proyectado al mismo tiempo sobre veinte pantallas de distintas formas y tamaños pensado para poder ser viso por todos los espectadores. En él se mezclaban imágenes de animación con situaciones reales tratando de hacer ver que la resolución de problemas usados en el procesamiento informático tenía puntos en común con las situaciones cotidianas.

LA INFORMACIÓN Y LA INMFORMÁTICA EN EL CENTRO DEL NUEVO MUNDO Y DESARROLLAR INTERACCIONES:

-Mapa del primer cable telegráfico submarino entre Europa y América tendido entre Foilhommerum Bay (irlanda) y Heart’s Content, Isla de Terranova (Canadá), 1858:

SXIX junto con las redes de ferrocarril también se tendieron las primeras redes de telégrafo por todo el mundo. A la hora de transmitir un mensaje, viajaba en un soporte formado por átomos.

El mensaje había de ser protegido y había que confiarlo por correo, pero realmente una carta había de pasar por muchas manos y tardar mucho tiempo hasta llegar a su destinatario. Por mucho que se confiase en los métodos y en las personas que los elaboraban hacían que el mensaje fuese algo mucho más frágil.

Con el telégrafo la situación cambiará, no se transmitirá un mensaje físico como tal y llegará igualmente, será una nueva forma de transmitir esta información.

También se empezará a oír hablar del conocido código morse un sistema de transmisión de información que se basa en codificar un mensaje a partir de impulsos y así poderlo codificar, descodificar y enviarlo y que llegue “sano y salvo” al destinatario.

Hoy en día la fibra óptica aún sigue siendo la base de nuestro sistema de comunicación.

-Mapa de la red de cableado terrestre y submarino, 2016:

Esta es una imagen bastante actual, de hace solo 4 años. Y nos muestra que solo una mínima parte de la información que transmitimos representan los soportes.

-LA CIBERNÉTICA:

ciencia que investiga las leyes generales de la comunicación tanto en los sistemas naturales como artificiales: animales, máquinas, hombres, sociedad.”

La cibernética es una ciencia que tiene como objeto “el control y comunicación en el animal y en la máquina” Norbert Wiener, Cibernética, 1948

Norbert Wiener (1894-1964):

Wiener fue un prestigioso matemático estadounidense y conocido como el fundador de la cibernética.

En su libro Cybernetics escribe fundamental una nueva ciencia, la que él llama la cibernética. El origen etimológico del término cibernética viene del griego y significa el timón, es decir que es aquello que guía.

Wiener plantea que todos los fenómenos pueden ser interpretados en términos de relaciones de circulación y de intercambio de información.

Él equiparará los animales, los hombres a las maquinas artificiales. Para establecer sus teorías y estudios se funda en las matemáticas que eran las ciencias que más dominaba. Y con esto plantea que no existe una división tan clara en la inteligencia humana y artificial, las pone a ambas en un mismo plano y habla de la información como aquello que es intercambiado.

La cibernética, fundamentada en el concepto de comunicación se configura como una respuesta al constante aumento de la entropía del universo: plantea la posibilidad de desarrollar localmente sistemas ordenados.”

Y es que buscaba algo más allá, dirá que fundamentalmente es una respuesta y que es posible generar a nivel local unos sistemas que te ordenen y organicen localmente tanto la información como filosofía. Realizó muchos planteamientos filosóficos y se plantea la diferencia entre civilización que es lo que ve como orden y la barbarie que atribuye al caos.

“Wiener imagina una nueva sociedad ideal, fundamentada en la comunicación y estructurada sobre una nueva idea de hombre “comunicante”, receptor y transmisor de información, asistido por máquinas inteligentes.”

Con todo esto planteará una nueva ciudad ideal que estará basada en la comunicación.

Entenderá al hombre como un ser comunicante, que es transmisor y receptor de una información.

-Shannon y Weaver: La teoría de la información

Era otro ingeniero eléctrico que planteó otro escrito:

– Claude Shannon: “A mathematical Theory of Communication”. The Bell System Technical Journal, July & October, 1948:

“Define las leyes matemáticas que rigen la transmisión y el procesamiento de la información. Trata de la medición y la representación de la información, así como de la capacidad de los sistemas de comunicación para transmitir y procesar información.

La teoría de la información determina la forma más económica, rápida y segura de codificar un mensaje, evitando que algún ruuido (distorsión, interferencia) compliquen su transmisión.”

Él se interesaba más por el aspecto concreto, basándose así en la matemática de si se podían definir unas leyes precisas en esta transmisión.

Querían llegar a medir la capacidad de estos sistemas y realizarán la teoría de la información.

El sistema que identificaron se basaba en un emisor y un receptor que intercambian un mensaje que ha de ser emitido y que haya un sistema de codificación. En la plataforma del teams que usamos para dar clase online sería el micrófono por ejemplo. Y así se genera una señal que viaja, pero en este viaje hay unos factores externos que pueden interferir en la transmisión del mensaje.

Al mismo tiempo:

-Roman Jakobson hablará sobre la teoría de la comunicación:

-Roman Jakobson “closing statement: Linguistics and Poetics” in: Thomas Albert sebeok (ed.): Style in Language. Cambridge, Mass.: MIT Press, 1960:

Roman Jakobson (1896-1982):

Fue un importante lingüista, fonólogo y teórico literario ruso, y por todo ello en sus investigaciones se centraba más en el ámbito de la lingüístico.

El proceso de comunicación lingüística implica seis factores constitutivos que lo estructuran como tal y que son imprescindibles para su desarrollo.”

Dirá que hay una interesante convergencia sobre distintos aspectos.

-Hay dos teorías, por lo tanto que están tomadas des de distintas perspectivas:

Una más de la filosofía y lógica-matemática:

-Que sería la de N. Wiener donde la conclusión es que: La información es el contenido de lo que es objeto de intercambio con el mundo externo, mientras nos ajustamos a él y hacemos que se acomode a nosotros.

En esta teoría por lo tanto, la información es lo que se concibe como el elemento clave.

Y la otra teoría, que es más precisa y técnica que es la de Shannon:

 La información es lo que permanece invariable después de las codificaciones a las que es sometido el mensaje. La información es la medida de lo que es transportado de un receptor a un emisor y el bit (Binary digit) en su unidad de medida.

Dirá por lo tanto que lo que permanece invariable es esa información que sería la medida de lo que es transportado que sería el bit.

LOS CÓDIGOS DE TRANSMISIÓN DE LA INFORMACIÓN:

En los entornos más diversos, la información puede ser transmitida porque se define previamente un código compartido entre el emisor y receptor y porque existen o se inventan dispositivos capaces de codificarlo, eventualmente encriptarlo, y descodificarlo.

La encriptación es algo muy importante en este proceso porque el mensaje se vuelve ilegible por alguien que no comparte el código de encriptación. Y las máquinas de encriptación serán fundamentales para que haya una posible transmisión segura de la información.

-Schebius & Ritter, Máquina de encriptación electromecánica por rotores Enigma, patentada en 1918:

Esta era una máquina de rotores que permitía usarla tanto para cifrar como para descifrar mensajes y fue patentada en 1918 por la empresa alemana Scherbius & Ritte.

La máquina enigma tenía un teclado y por cada letra que se tecleaba marcaba un cambio de rotor haciendo que cada letra fuera encriptada de un modo muy diferente. Haciendo así que fuese más complicado desencriptarlo porque había muchas variables para generar mensajes.

Esta máquina fue la base que uso el ejército alemán en la segunda guerra mundial. Presentaba una gran facilidad de manejo y una supuesta inviolabilidad que fueron las principales razones por las que se popularizó tanto su uso.

Pero fue finalmente descubierto en sistema de encriptación y esta lectura de la información que contenían los mensajes del ejército que supuestamente estaban protegidos es considerada como una de las razones de haber podido finalizar la Segunda Guerra Mundial.

Otros ejemplos de códigos y transmisión de la información (aplicados sobre todo a la biología y el cuerpo humano):

1952: Alfred hershey y Matha Chase confirman el rol de la molécula de ADN en la transmisión de la información genética.

1953: Francis Crick, Rosalind franklin, James Watson y Maurice Wikins presentan el modelo de doble hélice para la estructura del ADN, formado por los genes, los segmentos de información que, en su mayoría, codifican para una proteína.

Nature 171, 25 abril de 1953, 737 con los artículos que describen la estructura del ADN.

1956: Albert levan y Joe Hin Tjio descubre el número total de cromosomas (23 pares) del ser humano.

 1960s: Se determina el código genético, o sea el conjunto de reglas usado por las células para traducir (transferir) la información genética del ADN a las proteínas a través del ARNm, que activa la formación de polipéptidos, es decir cadenas de aminoácidos (a través de codones: secuencias de tripletes e nucleótidos del ARNm que codifican para cada aminoácido). – Qué es el código genético y cómo funciona?

1995: Craig Venter secuencis el genoma completo del haemophilus influenzae, con 1740 genes.

2001-2001: Proyecto genoma Humano y celera Analyties publican y completa la secuenciación del genoma humano.

2010: Craig Venter y su equipo producen la primera célula bacteriana con genoma sintético. Fue un genoma reconfigurado a partir de manipulaciones de laboratorios.

Algún otro ejemplo de desencriptación de un código

-INFORMÁTICA COMO AUTOMÁTICA DE LA INFORMACIÓN:

“La informática es la disciplina que abarca el conjunto de conocimientos, métodos y técnicas referentes al tratamiento automático de la información, junto con sus teorías y aplicaciones prácticas, con el fin de almacenar, procesar y transmitir datos e información en formato digital utilizando sistemas computacionales.

Los datos son la materia prima para que, mediante su proceso, se obtenga como resultado información. Para ello, la informática crea y/o emplea sistemas de procesamiento de datos, que incluyen medios físicos (hardware) en interacción con medios lógicos (software) y las personas que los programas y/o lo usan (Humanware).”

La asociación de Docentes de Información y Computación de la república argentina usarán esos sistemas de cálculo que entienden y desarrollan nuestros ordenadores.

Los datos son esa materia prima que obtenemos.

-Para que se pueda dar la informática se necesita una convergencia de tres sectores distintos:

AUTOMATISMO: Entendido como el control programado del tiempo y del movimiento, los autómatas son las máquinas que permiten realizar una serie de movimientos programados en el tiempo.

INFORMACIÓN: Entendida como el resultado de la separación de los conceptos de significado y significante de un mensaje.

 El significado es lo que quiere decir y el significante el soporte, aquí lo que nos interesan más son los mecanismos de transmisión a partir del significante.

CÁLCULO: Entendida como técnica y aplicada a sistemas automatizados que son capaces de reproducir operaciones programadas, que es lo que entendemos como los algoritmos.

Nos interesa esta capacidad de elaborar un nuevo sistema de cálculo que se basa en un código binario que solo se basa en dos códigos: el paso y la recepción de la corriente, que es lo que llevará esta información, este mensaje. Y esto es precisamente lo que se aplicará a los ordenadores cuánticos.

LAS TECNOLOGÍAS DE LA INFORMACIÓN

Nos basamos en aquello dispositivos que nos permiten procesar la información:

-Blaise Pascal, Pascalina, 1642:

Este invento fue considerado como la primera calculadora de la historia la cual funcionaba a base de ruedas y engranajes. Realmente era una máquina de cálculo muy básica, pero ya se ve esa intención de que una máquina haga unos cálculos por ti.

La inventó en 1642 el filósofo y matemático francés Blaise Pascal. En un principio a este invento se le llamó “máquina de aritmética” luego se le llamó “rueda pascalina”, y finalmente “pascalina” que es como nos ha llegado hoy. Este invento es un antepasado muy remoto del actual ordenador.

Otra máquina algo más compleja:

-Charles Babbage, una parte del Difference Engine, 1820

Es una teoría que se desarrolló de una máquina diferencial que es una calculadora mecánica diseñada para calcular funciones polinómicas. Esta máquina es considerada como uno de los primeros dispositivos que se parecen conceptualmente a un ordenador.

“Es un dispositivo de naturaleza mecánica para calcular e imprimir tablas de funciones. Más concretamente, calcula el valor numérico de una función polinómica sobre una progresión aritmética obteniendo una tabla de valores que se aproxima a la función real (basado en que cualquier función puede ser aproximada por polinomios).”

-Alan Turing y los límites de la computación:

Alan Turing (1912-1954):

Fue un personaje muy multidisciplinar, fue matemático, lógico, informático teórico, criptógrafo, filósofo, biólogo teórico, maratoniano y corredor de ultra distancia inglés.

Y este hombre es considerado como uno de los padres de la ciencia de la computación y precursor de la informática moderna. Una de las razones por las que es considerado así es porque teorizó una máquina abstracta que es el modelo de referente conceptual de los ordenadores contemporáneos:

Máquinas de Turing: (1936)

“(…) una ilimitada capacidad de memoria obtenida en la forma de una cinta infinita marcada con cuadrados, en cada uno de los cuales podría imprimirse un símbolo. En cualquier momento hay un símbolo en la máquina; llamado el símbolo leído. La máquina puede alterar el símbolo leído y su comportamiento está en parte determinado por ese símbolo, pero los símbolos en otros lugares de la cinta no afectan el comportamiento de la máquina. Sin embargo, la cinta se puede mover hacia adelante y hacia atrás a través de la máquina, siendo esto una de las operaciones elementales de la máquina. Por lo tanto cualquier símbolo en la cinta puede tener finalmente una oportunidad.”

Este es un modelo de computación que describe una máquina abstracta que es capaz de manipular símbolos en una cinta perforada de papel en base a una serie de reglas que están definidas.

La máquina es capaz de leer y escribir los símbolos en base a estos algoritmos que han sido definidos. Turing demostró que esta máquina era capaz de resolver cualquier problema matemático que se pudiese representar mediante un algoritmo concreto.

Turing a través de la máquina se propuso averiguar si existía un algoritmo general para demostrar si las matemáticas son definibles es decir, si hay un método definido aplicable a cualquier afirmación matemática que nos diga si esa afirmación es cierta o no.

Demostrará que no todas las afirmaciones matemáticas son definibles por una máquina y pondrá límites a las capacidades de la computación mecánica. Pero por otra parte demostró de que era una maquina capaz de resolver cualquier problema matemático a partir de unos algoritmos

Dos años después desarrollará estos dos conceptos:

Hipercomputación (1938): Que era la ampliación de las propiedades de la máquina de Turing con la máquina Oracle, que permitía abordar los problemas para los que no existía una solución algorítmica. Es decir que computaba funciones que son incomputables por una máquina de Turing. Esta computa funciones o números, resuelve problemas o realiza tareas que no pueden ser computados o resueltas por la otra máquina.

Máquina universal de Turing (1947): Se puede demostrar que es posible construir una máquina de Turing especial que pueda realizar el trabajo de todas las demás. Esta máquina especial puede ser denominada máquina universal.

Llego a esa definición de maquina como que era capaz de reproducir toda una serie de trabajos realizadas por sus anteriores maquinas descritas a lo largo de sus estudios.

Además había otros interesados en la época en hacer máquinas de cálculo:

-Konrad Zuse Z1, 1946-38, destruido en 1943: replica de la década de 1980:

La máquina original Z1 fue destruida en un bombardeo en Berlín en diciembre de 1943, durante la Segunda Guerra Mundial, junto con todos los planos de construcción de dicha máquina. Esta que vemos en la imagen es una réplica posterior.

Esta máquina fue uno de los primeros métodos funcionales de ordenadores que se realizaron, y en EE. UU. se diseñaron más, pero con unas funciones más limitadas que las que presentaba esta.

La máquina era una calculadora binaria, mecánica de accionamiento eléctrico, con programación limitada, que leía instrucciones de una película de celuloide perforada. fue la primera computadora libremente programable en el mundo que usó lógica booleana y números de punto flotante binarios, sin embargo no era confiable en la operación.”

 -Máquina Atanasoff-Berry para resolución de ecuaciones lineales, 1937-42.

Esta fue la primera computadora electrónica y digital automática que se usó con números y letras y se hizo a partir del uso del sistema binario para representar todos los números y datos registrados.

La creación de esta máquina aportó varias innovaciones en el campo de la computación como el sistema binario para la aritmética, la memoria regenerativa y distinción entre la memoria y las funciones del primer computador moderno en utilizar aritmética en binario y usar circuitos electrónicos, que hoy en día se utilizan en todos los computadores.

En el código binario se utilizan dos símbolos, 0 y 1, para representarlos valores numéricos y se usa internamente en casi todos los ordenadores actuales. Este computador fue el primero en implantar tres conceptos claves que hoy en día están presentes en los ordenadores modernos:

-Que lograba realizaba todas las operaciones usando la electrónica en lugar de ruedas.

-Lo que era la computación estaba separada del sistema de almacenamiento o memoria.

-Y que además usaba una memoria regenerativa, del mismo modo que la DRAM de los ordenadores actuales.

-Konrad Zuse, Computadora Z3, 1941, destruido en 1943: replica de la década de 1960:

 Esta fue una versión perfeccionada de la Z1 que fue destruida años antes en un bomardeo.

En Reino Unido se desarrollaron más máquinas:

-Tommy Flowers, Colossus Mark I y II, Reino Unido, 1944:

Era una máquina que servía para leer mensajes de máquinas de encriptación más complejas, y estas fueron fundamentales para poder entender cuáles eran los movimientos de las distintas armadas del ejército alemán nazi y así poder posicionarse mejor durante la guerra.

Estos fueron los primeros dispositivos calculadores electrónicos usados por los británicos. Y el colossus fue uno de los primeros computadores digitales.

-Howard Aiken, IBM, Mark 1, 1944, Universidad de Hardvard, diseño de Norman Bel Geddes:

Fue el primer ordenador electromecánico, construido en IBM y enviado a Harvard en 1944.

El diseño de esta máquina es mucho más elegante. Es uno de los ordenadores de la primera fase, estos ordenadores eran edificios enteros y eran muy complejos y complicados de usar. Tenía hasta 760.000 ruedas y 800 kilómetros de cable.

Estos se usaban para operaciones muy importantes como las reacciones de la bomba atómica o cañones de artillería de marina, para todas las operaciones de elevados cálculos y poco tiempo de procesamiento. El computador empleaba señales electromagnéticas para mover las partes mecánicas pero ejecutaba operaciones matemáticas básicas y cálculos complejos de ecuaciones sobre el movimiento parabólico.

-John Von Neumann, esquema de la arquitectura de un ordenador, 1945:

Se diseñaron muchos modelos de ordenadores distintos en muy poco tiempo, y con cada invento se redefinía la arquitectura para que el dispositivo diseñase funciones determinadas.

John von Neumann realizará un esquema de la arquitectura de un ordenador, basándose en los programas almacenados en la memoria de la máquina. Hay por lo tanto una unidad lógica y otra de control que es el sistema cpu que almacena los programas y la memoria principal.

CÓMO SE CONCEBIÓ EN LAS DÉCADAS SIGUIENTES:

-J. Presper Eckert y John William Mauchly, UNIVAC 1 (Universal Automatic Computer); primer ordenador comercial, 1951-57.

UNIVAC (UNIVersal Automatic Computer I):

Fue diseñada principalmente por J. Presper Eckert y John William Mauchly, que fueron los autores de la primera computadora electrónica estadounidense, la ENIAC.

Estos ordenadores ya no eran solo usados en grandes centros, este será el primer ordenador comercial ya que se pensó que estos grandes dispositivos podían ser utilizados y demandados para otras aplicaciones como la oficina del censo de EE. UU. que fue la oficina que recibió la primera máquina comercial.

Estos parecían armarios metálicos que eran conocidos como mainframes (sería como el disco duro y todo lo que guarda y procesa la información) y el interfaz de la máquina que era el “teclado” de la época que consistía en un panel de mandos y una unidad en forma de máquina de escribir y era donde el usuario interactuaba y controlaba la máquina.

-IBM 705, 1957:

Esta máquina presentaba una estructura muy similar a la anterior, se basaba en este sistema de cintas magnéticas que almacenaban y registraban la información y la interfaz era también muy similar.

Una máquina que presentó un cambio más sustancial fue:

-Whirlwind, 1955, integrado en el programa de detección aérea SAGE Semi-Automatic Ground Environment de la USAF.

Esta máquina se realizó para la dirección aérea.

Fue desarrollada por la aviación militar de EE. UU., para detectar cualquier amenaza aérea que pusiese aproximarse. En ese momento querían protegerse del ataque nuclear de la posible amenaza de la Unión Soviética.

La máquina contaba con radares y sistemas de detección precoz, si la información salía en un papel era muy difícil interpretarla en tiempo real y se necesitaba poder interactuar a tiempo real con la información, de un modo rápido y no perder ni un segundo para poder tener tempo de defenderse en caso de amenaza real.

DÉCADA DE LOS 60s

Se produjo un gran cambio por la invención de los transistores en el 57.

Los transistores son un dispositivo electrónico semiconductor que son utilizados para entregar una señal de salida en respuesta a una señal de entrada. Esto permitirá crear circuitos integrados. El término «transistor» es la contracción en inglés de transfer y resistor («resistor de transferencia»). Actualmente se encuentran transistores prácticamente en todos los aparatos electrónicos de uso diario como pueden ser las radios o televisores.

Gracias a ellos se pudo reducir el tamaño y volumen de lo que hasta el momento habían sido máquinas gigantes.

Aun así, los ordenadores grandes aún eran concebidos como dispositivos donde se trabajaba:

-Eliot Noyes, ordenador IBM System/360, 1964:

Es otro de los modelos que desarrollará IBM en la época. El 360 hace referencia al concepto de que el ordenador es una serie de componentes que pueden ser añadidos por las necesidades del usuario, es decir, que es algo flexible. En este modelo además ya se empieza a ver un sistema de pantallas que puede recordar un poco más a los ordenadores contemporáneos.

-Dennis Crompton, Computer City, 1964:

Ese mismo año uno de los integrantes del grupo Archigram describía lo que llamaban computer city. Este modelo sirve de infraestructura para que esta se pueda desarrollar. En este concepto la ciudad se formaría por los canales de información que fluyen entre las personas.

“Las actividades de una sociedad organizada toman lugar en una red equilibrada de fuerzas que interactúan naturalmente con el fin de crear una cadena continua de cambios. La metrópolis se sitúa en el punto dónde la energía interactiva producida es más fuerte, allí donde los campos de fuerza son más complejos.

En la Computer City este campo de energía se une a una sensibilidad mayor que está programado para responder a las transformaciones sufridas por la ciudad a través de las actividades.

Los cambios que se producen en el tiempo son procesados por un ordenador con el fin de que la respuesta a una causa natural sea la óptima.

Esta zona de la Computer City puede sustentar a unos cien mil habitantes. La red sensible descubre todos los cambios de actividad, los dispositivos sensoriales reaccionan en relación con los datos proporcionadas por el programa […]”

Este concepto estará muy relacionado también con:

-Peter Cook, Plug-in-City, 1964-65:

Eran concebidos como máquinas red conectadas como un sistema de transmisión de la información. Este conjunto con otras formas genera lo que llaman the plug-in city, que es teorizada e imaginada para una ciudad del gran número comparable con las ciudades que vemos en el metabolismo. Esta idea del plug-in es el enchufar, es decir, hay un esqueleto y se le acoplan cosas. Por lo tanto, vemos esa parte efímera, sustituible y reconfigurable que se acopla como se precise ese momento a un esqueleto más general.

Estos ordenadores que hemos ideo viendo también se usaban para las misiones espaciales que se estaban desarrollando en la época:

– Misión Apolo 12 IBM 360:

Este desarrollo de la tecnología americana fue la más conocida, la soviética también se desarrolló mucho durante este periodo, pero no se conoce tanto como la americana, es mucho más confidencial.

Entorno más doméstico: otros proyectos de Archigram: vivienda reconfigurable del futuro:

En este proyecto imaginaban cómo sería la casa del 1990 cada vez se ve una mayor interacción con los dispositivos electrónicos y más aplicados al día a día de las personas.

“Un producto más apto para el consumidor debe ofrecer algo mejor y distinto que la vivienda tradicional; debe estar íntimamente relacionado con el diseño de coches y neveras y en directa competencia con la tradición… Buscamos una idea, un nuevo idioma vernáculo, algo que nos aproxime a las cápsulas espaciales, a los ordenadores y a los envases desechables de esta era atómico-electrónica.”  Warren Chalk La arquitectura como producto del consumidor, 1967

Vemos que se plantean la concepción de la casa moderna hasta el punto de probar por muebles inflables, componentes reconfigurables y programables y todo lo que imaginan.

-Peter cook, Future development of the house and information in an “Infornmaison”, 1968:

Peter Cook, uno de los miembros de Archigram hablará de la evolución de la casa del futuro y hará un contexto para elaborar su discurso, a partir del informe zone.

-Microprocesador Intel 4004-1971:

Este invento se creó el 15 de noviembre de 1971 y también permitió disminuir notablemente el tamaño de los ordenadores. Fue el primer microprocesador en un simple y pequeño chip, así como el primero disponible comercialmente. No tenía nada que ver en comparación con los ordenadores previos.

Intel 4004 por lo tanto, es considerado como el primer procesador comercial de la historia y el primero en integrar una unidad de proceso completa en un único chip.

Gracias a este invento se logrará que los ordenadores sean mucho más pequeños y asequibles, y gracias a eso ya se podrían poner por completo encima de mesas.

– Paul Allen, Bill Gates, Basic 1.0 para Altair 8800, 1975:

El Altair fue un intérprete que se creó para el lenguaje de programación BASIC. Este fue el primer producto de Microsoft (como Micro-Soft), distribuido por MITS bajo un contrato. Altair BASIC fue el inicio de la nueva gama de productos Microsoft BASIC.

En aquel momento había un ambiente de las universidades americanas de tecnología donde era común que los estudiantes construyesen sus propias máquinas y programas.

En ambientes como aquellos se llegaron a desarrollar muchas operaciones empresariales de gran éxito como fue esta de Paul Allen y Bill Gates el Basic 1.o.

Aunque al año siguiente Bill Gates, se quejaba de los estudiantes y aficionados a la tecnología que hackeaban en sus garajes y usaban el programa. Él se planteaba si esto era algo justo y ético.

-Stephen Wozniak, Steve Jobs, Apple 1, Prototipo, 1976.

Stephen Wozniak: (1950) Es un ingeniero, empresario e inventor estadounidense y cofundador de la compañía Apple. Se le considera como uno de los padres de la revolución de las ordenadores, habiendo contribuido a la invención de una computadora personal en los años 70s.

Steve Jobs: (1955-2011) Fue un empresario y magnate de los negocios en el sector informático y de la industria del entretenimiento estadounidense. Fue cofundador y presidente ejecutivo de la famosa empresa Apple y máximo accionista individual de The Walt Disney Company.

Otros de estos interesados en las tecnologías y los ordenadores como Jobs y Wozniak desarrollarán el apple 1 que será completamente revolucionario. Esta era una máquina construida a mano y vendida a los aficionados. Nunca fue producido en grandes cantidades, pero inició muchas de las características que harían de los productos Apple un éxito.

Fue el primer producto Apple y este fue además uno de los primeros computadores personales, y el primero en combinar un microprocesador con la conexión con el teclado y un monitor.

Este primer prototipo presentaba una estética muy “do it yourself”. El sistema estaba contenido en cajas de madera con un teclado y sistema conectado a un televisor.

Los productos de apple a partir de ahí serán cada vez más estructurados:

-Apple II Apple III, 1977:

Apple II fue la primera serie de microcomputadoras de producción masiva hecha por Apple entre 1977 y los 80s. El Apple II tenía una arquitectura de 8 bits basada en el procesador 6502. Era completamente diferente de los posteriores modelos Macintosh de Apple y como hemos dicho se creó ya orientado a la venta.

Fue vendida de modo ocasional también a usuarios de negocios. Después del lanzamiento de VisiCalc, la primera hoja de cálculo para los ordenadores, las ventas del Apple II se dispararon.

IBM generó una respuesta por parte de la compañía que se había centrado en la comercialización de los grandes ordenadores corporativos. La empresa decidió centrarse en el nuevo sector más activo, la que estaba destinada a usuarios que cada vez menos habían de ser expertos en informática se empieza a producir la cotidianización de estas máquinas y el incorporarlas en el día a día de cada vez más gente.

En ese periodo se lanzó el primer ordenador portátil:

-Osborne 1,1981, el primer ordenador portátil:

Como hemos dicho fue el primer ordenador “laptop” de éxito comercial. El modelo se presentó en la Feria de Computación de la Costa Oeste. El diseño presentaba una pantalla diminuta, de unas 5 pulgadas, que son como 13 cm, además de que tenía unos discos flexibles que no tenían suficiente capacidad para las aplicaciones de negocios.

El diseño era similar a un maletín muy pesado en el cual la tapa se desplegaba abriendo así y dejando a la vista el teclado.

-Ivan Sutherland, Casco 3d, 1968:

Ivan Sutherland está considerado como “el padre de los gráficos por ordenador” y como uno de los pioneros de la realidad virtual.

Paralelamente a la evolución de los ordenadores Sutherland investigaba otras aplicaciones de esta tecnología a partir de la visualización con estas máquinas.

Realizó el casco 3d considerado como el primer dispositivo de realidad virtual que comúnmente era conocido como HMD (Head-Mounted Display). Era un dispositivo bastante primitivo y solo se veían imágenes en 3D sin movimiento.

-IBM 2250 Mod4, 1968, primeros sistemas de computer graphics

Este era un sistema de visualización de gráficos vectoriales de IBM que fue diseñado para el Sistema 360.

Fue uno de los primeros sistemas de computer grafics, y lograba visualizar en pantalla unas formas e interactuar con ellas.

-Douglas Engelbart, X-Y position indicator for a monitor system, 1968

Engelbart fue un pionero de la interacción humana con los ordenadores y fue considerado como el inventor del primer prototipo del ratón de ordenador.

Como hemos dicho es el antepasado del ratón actual, era capaz de localizar un punto en la pantalla.

Esta primera máquina fue construida artesanalmente en madera, y se patentó en un principio con el nombre «X-Y Position Indicator for a Display System». A pesar de que su aspecto parece muy arcaico el funcionamiento básico que presenta sigue siendo prácticamente igual hoy en día.

-Xerox, Alto, 1974 y 8010, enseñando el principio what you see is what you get, 1981:

En estas investigaciones del xero alto ya se ve esta idea del ratón y pantalla y teclado. Aquí nos muestra la representación de lo que define como what you see is what you get, donde vemos un entorno que simula lo que uno puede tener en el escritorio.

Como vemos ya hay documentos y algo que simula ser una hoja virtual en la pantalla.

-Apple LISA, 1983:

Este fue un ordenador diseñado y fabricado por Allen y Gates, es decir por la Apple Computer a principios de la década de los 80s.

Este fue además el segundo ordenador en tener una interfaz gráfica de usuario. A pesar de que no tuvo un gran éxito comercial en su momento y desapareció del mercado a los pocos años de su lanzamiento el ordenador presentaba un microcomputador muy avanzado para su época y fue el pionero en integrar un conjunto de avances tecnológicos a nivel de hardware y software que acabaron convirtiéndose en estándares de la industria de la computación.

-FrogDesign, Apple Machintosh SE, 1984:

Lo que se popularizó mucho en ese momento fue el modo de interacción que presentaba el Apple Macintosh el cual introducía esa forma en la que el ordenador es user friendly y te dice hello.

Aquí podemos ver cómo era muy parecida la concepción del elemento central que unía la pantalla y el mouse y de que se podían añadir otros elementos como por ejemplo impresoras.

-Tim Parsey, impresora Apple Stylewriter II, 1992:

Esta será una de las impresoras que se diseñaran como pieza que se pueda acoplar a los diseños de apple. Se diseñará manteniendo ya una estética entre los distintos productos de la marca.

-Susan Kare, Iconos para Apple Macintosh SE, 1984:

Susan Kare era una joven diseñadora /de hecho empezó siendo escultora) pero se paso al diseño de interacción. Fue muy importante en la compañía Apple ya que fue la que se encargó de elaborar los diseños de los iconos que se aplicaron en los ordenadores.

Además, es la autora de muchos de los elementos de iconos que aun usamos. Con ellos conseguía resumir el comando u orden de interacción básica y las páginas de cómo se veían las distintas ventanas.

Con esto no consiguió solo hacer más fácil de usar los distintos productos, sino además logró darles ese tono más “simpáticoy “cercano” con los usuarios.

También fue la encargada de diseñar muchas de las tipografías que se empezaron a usar en estos primeros modelos de ordenadores. Eran por lo tanto unas tipografías no mono espaciadas para ordenadores.

Aquí podemos ver algunos de los dibujos originales que hizo a partir de cuadrículas para luego poder aplicar a los mapas de bits que presentaban los ordenadores:  

Los dibujaba en retículas de 32×32 píxel y así es como conseguía reproducir el sistema de mapa de bits.

Por lo tanto, a la hora de comprar un ordenador, comprabas un producto que venía ya completo con todos sus programas y el software, por lo tanto, ya era un producto útil para lo que se necesitaba realizar.

-Johnatan Ive, iMac, 1998, iBook, 1999, G4 Cube, 2000

La estética de los productos Apple cambió en esta presentación. Este nuevo producto que se produce busca una interacción diferente mostrando unos aspectos más evidentes y visuales como lo es el color.

Con aspectos como estos hay ya una cierta personificación, hay una cierta distinción del gusto y el estilo haciendo que el cliente pudiese escoger sintiéndose aun más cerca del producto.

Otra innovación que se vio en algunos otros productos fue que fuesen transparente, dejando ver el interior y haciendo un producto más “honesto” y transparente. Otra innovación que vemso que ya se mantendrá será por ejemplo el icono como un elemento fundamental de reconocimiento de la compañía además de esas esquinas curvas que lo libran de un tono frío y calculador, para hacerlo más acogedor.

Además, vemos también esa capacidad de fabricar elementos en polímeros cogerá un elemento de reconocibilidad y lo aplicará a una gran serie de productos, hasta los laptops.

-Johnathan Ive, Chasis de aluminio de un portátil MacBookAir, Apple, 2010:

Johnathan Ive fue un diseñador que elaboró para el Macbook air una estructura con un envoltorio. Con él quería reducir el volumen de los componentes manteniéndolo con un volumen lo menos posible, pero al mismo tiempo que siguiese siendo ligero pero resistente, robusto, con una forma impecable y un diseño minucioso y preciso.

Este entorno tecnológico se comunica con la gama de todos los productos que se elaboraron.

Todo venía configurando la filosofía de Apple y un paso más de ello serán los espacios comerciales diseñados por el gran Normal Foster:

-Norman Foster, Apple Store Union Square, San Francisco, 2012-16:

San Francisco en ese momento es la capital de estas nuevas interacciones y por lo tanto como centro de la tecnología.

-Norman Foster, Apple campus 2, Cupertino, 2009-2017:

Foster también será el autor del campus Cupertino  de Apple, el cual presenta un entorno natural donde la tecnología y la naturaleza se suman para darle y proporcionarle a los trabajadores unos espacios de calidad y relajación fomentando así al mismo tiempo su productividad.

5.1. EE. UU. Costa Este en la Posguerra

EEUU COSTA ESTE EN LA POSGUERRA:

Estados Unidos tras la guerra será el líder del mundo. Llevará a cabo el plan Marshall como vimos para potenciar, entre otras cosas, la expansión de su mercado.

Veremos una división en el país y dos modos distintos de llevar esa modernidad.

En la costa este se buscará que el diseño llegué a todas las casas americanas, y lo harán a partir de revistas para promover el diseño orgánico y racionalizar los costes para hacerlo accesible a toda la población. Dentro de los Estados Unidos Nueva York será concebida como la capital y epicentro del mundo. Ahí se darán los mayores avances artísticos como vemos con movimientos como el Expresionismo Abstracto Norteamericano donde se popularizará la idea de libertad y los happenings, manifestando que lo importante de la obra es el proceso de creación en sí. Aparecerán artistas de gran relevancia como Pollock.

Dentro de este mundo moderno americano y del diseño orgánico surgirá una gran estética de la comodidad que ya vimos con los países escandinavos. Habrá ese retorno a la mirada centrada en el cuerpo y el hombre, es decir, que vuelve a ser medida de todas las cosas. Será ese intento de humanizar las nuevas tecnologías y darle una cara más amistosa al diseño.

Pero realmente toda esta grandeza de los Estados Unidos de la época se debe a la apertura de fronteras que vimos que se producirá y cómo a partir de esta muchos europeos emigrarán al continente americano como Gropius o Mies van der Rohe.

Para demostrar esa grandeza americana se construirán numerosos rascacielos con una gran atención al detalle. Además se darán casas que presentarán casi una arquitectura abstracta como la casa Farnsworth.

Muchos de los avances tecnológicos de la guerra se redirigirán introduciéndolos en las vidas cotidianas de los barrios residenciales suburbanos americanos. Habrá por lo tanto una re conversión de la industria bélica en industria de consumo como veremos también con otros temas.

Al ser los Estados Unidos en estos años la «capital del mundo» (culturalmente hablando), todo lo que suceda allí será relevante e influenciará en todo el mundo al igual que a la actualidad.

MINDMAP PREVIO:

ESTADOS UNIDOS 1: 1945-1965:

La Segunda Guerra Mundial fue un factor clave para la sociedad norteamericana. Estados Unidos entró en la Segunda Guerra Mundial, el 8 de diciembre de 1941, a raíz del ataque de Japón a la flota norteamericana del Pacífico ubicada en Pearl Harbor, Hawái.

Y es que sin la participación de Estados Unidos el desenlace del conflicto no habría sido el mismo, fue precisamente el peso económico e industrial norteamericano lo que facilitó la derrota del fascismo.

De hecho, fue la guerra la que sacó a Estados Unidos de la Gran Depresión y la que transformó su estructura social incorporando a millones de mujeres y de hombres negros al trabajo industrial y la que convirtió a este país en una potencia mundial. En la guerra Estados Unidos no sólo desarrolló su gran poder económico, militar y nuclear, también acumuló un poder simbólico y estratégico a partir de proclamarse como defensor de la democracia y de la libertad.

Y es por ello por lo que USA tras la guerra mundial, se convertirá en la primera potencia del planeta en la órbita occidental capitalista, marcará como será todo: el diseño, el cine, … Será el modelo central en todas las industrias.

-EE. UU. AMO DEL MUNDO, arbitro de cualquier conflicto internacional:

La Bomba atómica, aunque fue algo cruel fue una forma de marcar terreno a lo que ya parecía como el gran rival de EE. UU. que es Rusia. Tras la guerra mundial el mundo se dividirá en dos partes: occidental y comunista.

EE. UU. MODELO (Resumen):

Surgirá a partir del plan Marshall, unas medidas que impartirá Norteamérica a Europa.

 Estados unidos será una ciudad en red, y el automóvil tendrá mucho que ver con eso, con la gestión del territorio norte americano al igual que la ausencia de centros históricos.

La industria bélica se convertirá en la mayoría de los casos en industria doméstica, y potenciará así el consumismo, lo que ya se anunciaba con Ford, será un antecedente de una sociedad fundada en el consumismo: es aquel lugar donde producto no nace para cubrir una necesidad, sino que la genera.

Será por lo tanto el líder o el faro del mundo.

Organic design in homefurnishings– Se hace un concurso el 1 de octubre de 1940

Se monta para diseñar el mueble orgánico moderno, Esto en NY, MoMa

En la costa oeste en cambio:

-Revista los ángeles: arts & architecture: plan el case study houses

Se intentará a través del trabajo editorial implantar un nuevo diseño más moderno en el ámbito de la vivienda

(Hoy veremos más NY y costa este)

ORGANIC DESIGN IN HOMEFURNISHINGS:

Será un departamento de diseño industrial llevado a cabo por el MoMa.

El concurso nos da una definición de “orgánico” según sus bases:

“Un diseño puede nombrarse orgánico si al objeto, como un todo, hay una relación armónica entre los elementos individuales, estructura y finalidad”

Ponían como condiciones:

Costes racionales, Funcionales, Tecnológicos y crear una lista de muebles Contemporáneos.

“Organicismo”: el primero en usar el término es Frank Lloyd Wright, aplicado al diseño y arquitectura, quedará muy vinculada luego a toda la arquitectura escandinava, pero habrá luego esta versión americana, aunque no será exactamente lo mismo.

La arquitectura orgánica u organicismo arquitectónico es una filosofía de la arquitectura que promueve la armonía entre el hábitat humano y el mundo natural. Mediante el diseño busca comprender e integrarse al sitio, los edificios, los mobiliarios, y los alrededores para que se conviertan en parte de una composición unificada y correlacionada.”

MoMA (Museum of Modern Art):

Es un museo de arte situado en el Midtown de Manhattan, en Nueva York. Abrió sus puertas al público el 7 de noviembre de 1929.

Con este concurso quería modernizar la vida. Ahí, en Estados Unidos la modernidad tenía prestigio, no se podía seguir estando anticuado, y esto es un modo de potenciar ese camino hacia la modernidad.,

El organicismo es lo opuesto al mecanicismo:

El mecanicismo sería lo de le Corbusier, está hecha por piezas, se puede descomponer y las piezas siguen teniendo sentido por sí mismas, individualmente.

La organicista no, sería como el art Nouveau, es difícil extraer un trozo y que cobre sentido.

 El organicismo se plantea modernizar casa, racionalizar los costes para que se expanda por todo el territorio americano de un modo más rápido y efectivo, ser funcional y con una gran tecnología, que aquí se ve con buenos ojos y no como en otras culturas como Japón.

La silla que ganará el concurso:

-Organic Chair, Eero Saarinen y Charles Eames (1940): Eran dos diseñadores muy importantes.

Para ellos era una silla de lectura pequeña y cómoda.

La cosa orgánica se ve clara en el objeto: las patas y el asiento son piezas distintas pero la parte que acoge el cuerpo es un sola forma. Está pensada en términos modernos de función, no hay nada en ella que sobre: la silla tenía un bastidor de madera contrachapada y moldeada, revestida con espuma de látex, sobre unas patas de madera.

Eero Saarinen y Charles Eames fueron unos grandes pioneros en el diseño industrial al concebir los primeros diseños de mobiliario fabricados en madera laminada moldeada.

En ese momento no se pudo fabricar en serie porque no existían las técnicas de producción adecuadas y hasta 1950 (10 años más tarde) no fue posible fabricar y comercializar en grandes cantidades estas carcasas de asiento curvadas con formas orgánicas.

Aquí vemos una nueva situación, en la que uno compra los objetos, ya no hay un diseñador único, buscamos los muebles por nuestra cuenta en distintas fuentes y lugares. La silla moderna, por lo tanto, ha de ser combinable con más muebles: ha de ser fácil de combinar con cualquier cosa y estilo. Y eso es algo que también vemos en esta silla.

VANGUARDIA AMERICANA

NY será la capital cultural mundial:

Sobre los años 30-40-50 aparece el Expresionismo Abstracto Norteamericano o escuela de nuevo york

El Expresionismo abstracto es un movimiento pictórico contemporáneo dentro de la abstracción, en concreto, las tendencias informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Surgió en los años 1940 en Estados Unidos y se difundió, décadas después, por todo el mundo. Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense dentro del arte abstracto, y ejemplo del liderazgo que, en materia de artes plásticas, asumió Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial.”

Miembros del grupo: Jackson Pollock, Willem de Kooning, Arshile Gorky, Robert Motherwell, William Baziotes, Barnet Newman, Clyford Still, Ad Reinhart, Mark Rothko, Franz Kline, Philip Guston, …

Toda esta idea de lo orgánico participa de una estética que se ve en el expresionismo abstracto y se ve en cómo EE. UU. intentará imponerse en el mundo y proponer su modelo.

Estos artistas forman parte de una operación para proponer Norteamérica como modelo de modernidad: es un arte de vanguardia, un arte experiencial y reflexivo y que muestra la condición social y una de sus principales características es la libertad.

Como decimos los expresionistas abstractos no tienen un estilo cohesionado ni unitario, pero sí unas características comunes, que son los grandes formatos y la abstracción alejada del racionalismo analítico europeo o la abstracción figurativa de los expresionistas, sino más bien una mezcla de los dos. Habrá dos tendencias muy marcadas: la pintura de campos de color (color field painting), que hace que el espectador se sumerja en las grandes superficies coloreadas viviendo una experiencia sinestésica que conecta la emoción con lo que percibe por la vista. La otra tendencia es la pintura gestual del “action paining”, el mayor exponente será Jackson Pollock, el cuerpo del artista conecta con la obra y el automatismo tienen un papel principal pasando el protagonismo al proceso de pintar en sí mismo, que será lo más importante.

“El artista moderno trabaja con el espacio y el tiempo, y expresa sus sentimientos en lugar de ilustrar. “- Jackson Pollock

-Harold Rosenberg (1906-1978):

Rosenberg fue un escritor, educador, filósofo y crítico de arte muy importante estadounidense. En 1953 utilizó el término Action painting para describir la pintura de los expresionistas abstractos y en concreto la de Jackson Pollock.

-Clement Greenberg (1909-1994):

Greenberg fue un influyente crítico de arte estadounidense que estuvo muy relacionado con el movimiento abstracto norteamericano y tuvo relaciones muy estrechas sobre todo con el pintor Jackson Pollock.

Es decir que los dos fueron teóricos del expresionismo abstracto muy importantes y trataron distintos aspectos:

-La materia y la textura (la abstracción), lo gestual (la expresión), el all over (cubrir toda la superficie, que no haya jerarquías), el Surrealismo (el automatismo: el arte de lo inconsciente).

Este será el primer movimiento de vanguardia puramente norteamericano, no se alimenta de nada europeo. el deseo de los jóvenes artistas americanos de desvincularse de las influencias provenientes de Europa y crear, de ese modo, un lenguaje con características propias.

El movimiento combina dos cosas que parecían incompatibles: la abstracción de movimientos como el neoplasticismo con la reivindicación de lo intuitivo y lo subliminal del surrealismo.

Se verá una reivindicación del cuerpo.

-Willem de Kooning, Woman IV

Es una pintura de una vista frontal abstracta de una mujer semidesnuda sentada. Está hecha con trazos aleatorios de unos colores estridentes. Este cuadro forma parte de una serie de obras de arte abstractas llamada mujeres considerada la serie más famosa de De Kooning porque es importante para la historia de la posguerra y los eventos sociales, como el Movimiento Feminista Americano en la década de 1960. Esta pintura es un buen ejemplo de la transición del arte contemporáneo de la pintura tradicional europea al expresionismo abstracto.

Willem de Kooning, Ashville, 1948

Asheville es un ejemplo importante de las pruebas de De Kooning en la «pintura de collage» de finales de la década de 1940. En ellos combinaba diferentes materiales como papel rasgado y dibujos para crear ilusiones que podrían usarse como fuente de ideas visuales. Estos gestos de tracería negra se parecen a las marcas espontáneas e inconscientes del automatismo surrealista, pero revelan el gran dominio técnico de De Kooning del pincel y reflejan su fascinación por una línea precisa. En el cuadro vemos el rastro de la mano, el cuerpo, del pintor a partir del gesto, y cómo queda grabado en el cuadro.

Los de De Kooning no son cuadros tan abstractos como lo son los de Mondrian. El artista se expresa en cuanto a sujeto individual.

Barnett Newman, The Promise:

Esta fue una de las primeras pinturas de Newman conocidas como «zip». Que comenzó a pintar en 1949, estas obras eran de una gran abstracción. Estaban compuestas por fondos monocromáticos divididos por rayas verticales de colores contrastantes.

Para hacer The Promise Newman colocó dos tiras de cinta para delimitar las cintas y pintó el fondo de negro. Luego quitó la cinta y pintó la franja azul grisácea de la derecha con una espátula, generando un efecto texturizado e irregular. Cuando la pintura negra estaba seca, rellenó la raya a la izquierda, pegando cinta en los bordes para crear una línea definida con precisión en blanco roto. La yuxtaposición de las dos rayas provoca tensión visual, activando la superficie del lienzo.

Este cuadro es más abstracto por ej., por lo tanto, una vez más vemos que es posible abarcar distintos grados de abstracción.

Ilustra muy bien esta dualidad: una línea a mano y la otra bien, perfecta.

-Mark rothko

Rothko fue junto a Pollock el máximo representante de la abstracción americana.

 Con su pintura quiso expresar las más básicas emociones del universo. Conoció y se empapó del espíritu de las vanguardias que veía en las exposiciones organizadas por el MoMA. Tras la guerra empezó a investigar el color field painting (pintura de campos de color).

Sus obras eran grandes formatos que envuelven al espectador y le rodean, con la finalidad de hacerle parte de una experiencia mística, ya que el artista le daba un sentido religioso a su pintura. Son colores borrosos, que flotan suspendidos en el lienzo.

Con esta división crea un delante-detrás, un fondo, además de que juega con la (no)geometrización y la (no)regularidad.

 Era uno de los protegidos de la mecenas y amante del arte Peggy Guggenheim y sus éxitos serán notables, pero a finales de los 60, en medio de una crisis depresiva, y tras pintar su famosa serie de obras con acrílico negro, se acabó suicidando.

Jackson POLLOCK: Convergence (1952)

Esta obra es un óleo hecho sobre lienzo de casi dos metros y medio de alto (242 cm) por cuatro de ancho.

Aquí ya hay más que el gesto, vemos también la idea del AZAR, un tema muy dada y surrealista. Vemos también el driping que inventó, que se hacía con un trapo chorreando pintura o se ponía encima del lienzo y bailaba. Con esto pone en duda la idea de cuadro como algo vertical, de ventana al mundo, esto habla mucho del arte indio de arena: es un arte efímero y el siempre pinta los cuadros tumbados en el suelo: para él es un ritual mágico interés. Con esto quiere buscar mecanismos que no pasen por su mezquino yo individual, es una reivindicación de que lo más importante no es la obra acabada, sino el rastro de una cosa que ha pasado. Era una combinación de espontaneidad y control.

Lo que hará será meterse en el cuadro físicamente y con el resultado no deja espacio sin pintura (horror vacui).

Jackson Pollock (1912-1956 ):

Pollock fue un pintor estadounidense muy influyente y el principal artista del Expresionismo abstracto. Alcanzó reconocimiento por su estilo conocido como dripping y fue el autor de unas 400 pinturas y alrededor de 500 dibujos, sin embargo, no sabía dibujar. Siempre le dio mucha importancia al cromatismo y a los valores materiales de sus obras.

Él era sin embargo el más interesante y el menos representativo del grupo quizás.

Pollock sufrió graves problemas de alcoholismo a los cuales se enfrentó durante toda su vida, lo que le acabó matando en un accidente de coche al conducir estando ebrio a los 44 años.

-Number 8:

Con todo esto podemos decir que inventa el happening en parte, lo importante para él es que es un acontecimiento, y esto es algo muy contemporáneo y japonés.

-The Deep, Pollock (1953)

“No fue por nada que el blanco fue elegido como la vestimenta de pura alegría y pureza inmaculada. Y negro como la vestimenta del luto más grande y profundo y como el símbolo de la muerte. El equilibrio entre estos dos colores que se logra al mezclarlos mecánicamente forma el gris. Naturalmente, un color que ha surgido de esta manera no puede tener sonido externo ni mostrar ningún movimiento. Gray está sin tono e inmóvil. Sin embargo, esta inmovilidad es de un carácter diferente de la tranquilidad del verde, que es el producto de dos colores activos y se encuentra a medio camino entre ellos. Gray es, por lo tanto, la falta de movimiento desconsolada. Cuanto más profundo se vuelve este gris, más se enfatiza el elemento desconsolado, hasta que se sofoca. «- Wassily Kandinsky , Sobre lo espiritual en el arte

En la pintura usa una combinación de pinturas en blanco y negro que gotean, con algunos pequeños toques con toques de amarillo.

En el cuadro logra esta profundidad donde la figura es comida por el fondo, el expresionismo juego mucho con estas percepciones.

ESTÉTICA DE LO ERGONÓMICO:

Ergonomía:

es la disciplina que se encarga del diseño de los lugares de trabajo, herramientas y tareas, de modo que coincidan con las características fisiológicas, anatómicas, psicológicas y las capacidades del trabajador”

Ergon (trabajo)+ Nomos (ley)

Es un término laboral, por lo tanto, está enfocado al trabajador: lucha también por conseguir una vivienda ergonómica, concebido como un espacio de trabajo.

ciencia que trata de la adaptación del trabajo a las condiciones psicológicas y anatómicofisiológicas de la persona, a fin de que el biomio persona-máquina alcanza la eficacia más grande posible”

Se podría decir que esta es un arte ergonómico ya que es una abstracción que no entendemos sin el cuerpo.

El espacio doméstico no deja de plantearse así.

LA ABSTRACCIÓN NO ES SIEMPRE UN IMPEDIMENTO:

-Piet Mondrian Composición con amarillo, azul y rojo, 1921

-Joan Miró, Dona de l’aixella rossa pentinat-se la cabellera a la lluor dels estels, 1940

Esta comparación es una síntesis de la abstracción más racional y del automatismo

Pero esta idea también se puede ver y apreciar en los objetos:

-Rietveld, Cadira vermella i blava (1916)

 -Eames i Saarinen, cadira Orgánica:

Aunque las dos sillas son objetos pensados y racionales la silla orgánica con las curvas y forma continua recuerda más al automatismo o al cuadro de Miró mientras que la de Rietveld es claramente relacionable con la abstracción racional y Mondrian.

BEBOP JAZZ

1947

El bebop jazz es un estilo musical del jazz que se desarrolla en la década de los cuarenta del siglo XX. Cronológicamente sucede al mismo tiempo que el swing.

Sus principales iniciadores fueron Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Max Roach, Bud Powell y Thelonious Monk.

Junto con el estilo musical se inventan una moda de ropa donde lo que les caracteriza son los trajes anchos, los sombreros con alas hacia arriba o las gorras. Son músicos y lo que quieren es ir anchos al escenario, buscan un traje ergonómico que deja libre al cuerpo. Es importante porque en términos de moda se ve esta estética de la comodidad, serán de los primeros que lo harán. Además, se inventan la palabra hípster: que definen como alguien que es enrollado, que vive a su manera, al margen de las convenciones, muy moderno.

Con este estilo musical aparece una comunidad marginada y generan una expresión cultural a su medida: los negros.

Se habían inventado el swing, pero era para el mundo blanco, y ellos no dejaban de ser negros. Con esto será la primera vez que los blancos no se apropiarán: hacen una música que ellos no pueden entender, y será la primera vez que plantea una estética al margen de los valores blancos. Será un precedente muy importante: el orgullo de raza al margen del imperativo blanco.

-EUROPA EN USA:

Europa está en ruinas tras la Guerra Mundial, los nazis han matado a millones de judíos y muchos europeos se largarán a estados unidos como Mies, Gropius, … Gran parte de los protagonistas de la cultura artística europea se irán a Estados Unidos.

-Some like it hot (Billy Wilder, 1959) (Con faldas y a lo loco):

-Anatomía de un asesinato (Otto Preminger, 1959)

Estas dos películas son dos de los hitos que mejor representan a Norteamérica, pero, sin embargo, están creados uno por un alemán y el otro por un ruso. Ambos serán dos cineastas que emigrarán por el conflicto europeo. Con todo esto sacamos que muchas cosas de las que entendemos como norteamericano surge de europeos. Así que la grandeza de Estados Unidos se debe en gran parte a Europa.

Lo que le ha hecho grande es la apertura de fronteras:

En arquitectura y diseño pasa lo mismo

-WALTER GROPIUS pan am building (1963)

Este edifico es un rascacielos de 59 plantas situado en Midtown Manhattan, en Nueva York. Fue construido entre 1960 y 1963 con el nombre de Pan Am Building, sede entonces de la aerolínea Pan American World Airways.

 Cuando se inauguró fue el edificio de oficinas más grande del mundo por superficie, y sigue siendo uno de los cien edificios más altos de los Estados Unidos y es uno de los rascacielos más reconocibles de la gran manzana.

Gropius será una figura fundamental para el desarrollo de lo que ahora identificamos como la cultura americana, ya que llamará a muchos otros e irá colocando a las principales personalidades europeas en América.

SEAGRAM building – Mies van der Rohe (1954-1958):

Es uno de los edificios que mejor explican esta nueva modernidad de vanguardia.

Es la sede central de la corporación Seagram, fundada por un contrabandista enriquecido por la venta de alcohol durante la Ley Seca. Y es el símbolo del mundo industrial contemporáneo, ilustra el lema del arquitecto de “menos, es más.

El edificio tiene 39 pisos en 157 metros de altura y fue construido entre los años 1954 y 1958.

Mies Van der Rohe lo que logrará en EE.UU. es llevar al máximo este ideal que no es funcional, pero saca el orden perfecto a partir de lo industrial, lo que él llama como el espíritu de los tiempos.

Para la abstracción era asombrosa en esa época la altura, pero es esa idea abstracta, querían ordenar el mundo a partir de la influencia de la abstracción. Y eso los llevará a hacer rascacielos.

Pero no es una abstracción fría como a veces se cree, y esto es en parte porque son artes poco imitables y se intentará imitar, pero no se hará igual, aquí se ve una atención al detalle, al símbolo, a la concepción espacio que en muchos otros no se conseguirá.

Como en el color de los cristales por ej.

Segram recuerda a un color ocre, como el de los licores, el wiski, y el color de los cristales busca que recuerde a eso.

Realmente con menos elementos el edificio también se aguantaría, pero Mies busca unos temas de proporción que hacen q el resultado final sea el que es.

Otro elemento interesante del edificio es el muro cortina, es uno de los casos más interesantes o potentes.

Lo que hará Mies es ir repitiendo las mismas ideas y conceptos y se va perfeccionando.

Un elemento más destacable es la idea de plaza. Los otros edificios que veíamos en el momento son escalonados, eso es por una ley de NY que dice que la altura máxima que podía alcanzar un edificio no era un número concreto, sino como una elevación visual en función de la calle, como una pirámide.

Con la plaza lográ jugar al margen de esta regla y creó una procesión hasta la entrada del edificio, haciendo que el umbral uniera la ciudad con el rascacielos.

Además, esta manera era una forma de asegurar que el sol tocaba en la calle.

Mies para poder hacerlo sacrifica lo que saldría si fuese escalonado generando un prisma perfecto y se inventa otra cosa que será fundamental y es que “el prestigio de tu edifico no está en el tamaño sino en lo que ofreces a la ciudad con la plaza que le regalas”. Ese espacio libre que le da la importancia y valor al edificio, es como en el palacio de Versalles, se ve la importancia con la plaza de armas, o en San pedro de roma, esta idea será lo que Mies incorporará al lenguaje moderno, la fundación de la ciudad típicamente americana se debe al espacio público que incluso es privado, son mecanismos de la construcción de lo público de Norteamérica, que mostrará esta extraña simbiosis público-privada.

Incorpora o da forma a esta manera de hacer una ciudad compleja.

-FARNSWORTH (1946-52):

Esta obra representa uno de los mejores ejemplos de la arquitectura de la vivienda unifamiliar del siglo XX, y en general del estilo racionalista.

Se hizo como vivienda para la doctora Edith Farnsworth, quien quería una segunda vivienda en la que pasar algunas temporadas en un ambiente relajado y solitario.

Independientemente de las polémicas que surgieron entre el autor y la clienta con la casa Farnsworth presenta algunos problemas de diseño.

La casa Farnsworth, es un icono de la arquitectura del Movimiento Moderno, se encuentra situada en un paisaje natural, muy próxima a un río, con uno de sus lados orientado hacia un bosque, que la separa de la corriente de agua y otro hacia un pequeño prado. Se encuentra en Chicago que será el otro gran paradigma hecho por un alemán (mies van der rohe).

La casa muestra un discurso arquitectónico, sobre “lo menos es más” o sobre “el casi nada”, que es lo que dirá Mies.

 Esta casa supone una renuncia absoluta a una de las características básicas de los espacios domésticos: la privacidad. Y es que este es un templo más que una casa ya que muchos no podrían vivir, te sientes observado todo el tiempo, toda de cristal, es una intemperie visual, vives en una lámpara, por la noche solo te ves a ti, aunque es cierto que muestra un diseño orgánico y unitario.

La separación de la casa del suelo sobre pilares ha sido asociada a una idea de pureza, muy presente en la arquitectura tradicional japonesa. El predominio absoluto del cristal alude además a la idea de conexión entre lo interior y lo exterior, entre lo público y lo privado.

Con esta casa nos propone una arquitectura no humana, para superhombres, una arquitectura abstracta que busca poner en escena todo el potencial de la modernidad. Da una caja de herramientas para que Norteamérica construya una modernidad basada en la industria y estética de esta casa.

Esta casa cambia según el paisaje y la estación, muestra una clara relación con el entorno que la rodea.

Muestra una lógica moderna de la vivienda.

TECNOLOGÍA BÉLICA APLICADA A LO CIVIL:

La reconversión bélica, en la guerra se desarrollarán todos los proyectos y tecnología y de ahí se aplicará a lo civil.

Entre los conflictos se aumentó la potencia y alcance de los proyectiles, además de mejorar los vehículos de guerra como tanques, submarinos, buques de guerra y, sobre todo, aviones bombarderos para atacar las ciudades enemigas. Pero, sin duda, el más grave e importante de los avances armamentísticos fue la bomba atómica.

Todos estos avances en la tecnología bélica serán aplicados posteriormente a los objetos que toman protagonismo en la cotidianidad de la vida de los americanos de la posguerra.

-Jeep willys. 1942-45:

Alguno de los avances en la tecnología serán los cauchos sintéticos a partir de macromoléculas y polímeros. Un ejemplo de esto en lo que será aplicado será en el Willys MB. Era un vehículo todoterreno de tracción en las cuatro ruedas, que fue desarrollado y fabricado por la empresa estadounidense Willys-Overland Motors.

Su diseño en un principio, no estaba basado en ninguna otra clase de vehículo, ya que se creó con el fin de proveer a sus tropas de un vehículo ligero y de tracción integral, para el traslado de los soldados por el frente de batalla, sobre cualquier tipo de terreno. La presentación del Willys MB marcó un hito en la industria automovilística mundial.

Años más tarde sacarón el Willys Jeep, versión comercial del MB y que con el paso del tiempo dio forma a un nuevo concepto de automóvil que fue precisamente bautizado como jeep. Donde ya vemos cotidianizado y que salió de ese avance tecnológico de la guerra.

Otro avance tecnológico será que lograrán también la curvatura de los cristales para los aviones que luego se podrá aplicar a más objetos, trasnportes y productos en general.

LA VIDA SUBURBANA:

Modelo suburbano sociedad norteamericana

A los ciudadanos norteamericanos se les ofrecían viviendas construidas con los adelantos tecnológicos y materiales que anteriormente se habían utilizado para la guerra, pero que gracias a la investigación financiada por el gobierno se ponían al servicio doméstico.

Gwendolyn Wrigh dirá: “Los estímulos para la investigación en nuevas tecnologías para la construcción tuvieron un gran respaldo. La prefabricación parecía un camino prometedor para la construcción de bajo coste y mayor número de unidades. Con el financiamiento del gobierno los materiales que habían sido usados durante la guerra resultaron exitosos: paneles aislantes de madera contrachapada para las paredes, techos de madera laminada, entramados de acero soldado para techos, paneles de pared con marcos de acero con revestimientos de madera, tablas de yeso “predecoradas” para los techos, todo producido en fábricas. Las compañías que habían desarrollado los nuevos materiales demandaron del gobierno un apoyo continuo.”

Todo forma parte del modelo norteamericano y de reconvertir el interior e incorporar esa modernidad bélica a la vivienda es ahí donde aparece el consumismo con la tecnología.

Con la producción de automóviles en Detroit tan rápida como era posible, los habitantes de áreas urbanas abandonaron sus pequeños apartamentos en busca de un estilo de vida suburbano centrado en los niños y las esposas, con el esposo trabajador trasladándose en su coche para ir al trabajo. Los suburbios americanos contenían un tercio de la población del país en 1960.

Estas mujeres eran las que habían trabajado en las industrias de la guerra y se les dijo que su nuevo deber patriótico era llevar su fuerza de trabajo al hogar para ser amas de casa, madres y especialmente consumidoras, para que la economía se pusiera en marcha nuevamente.

Habrá una reconversión de la industria bélica en industria de consumo:

Como la nevera: implica muchas cosas como LLENARLA

La innovación de los frigoríficos americanos que se caracterizan por su doble puerta. El congelador nacerá de llevar al límite tecnológico el concepto de refrigerador inventado siglos atrás hasta conseguir temperaturas ultrabajas para conservar los alimentos.

Ir con el coche a la compra está íntimamente relacionado, ya que si vas en coche llenas el maletero. A más capacidad, más consumo. Te obliga a aumentar un mayor consumo. El mundo del consumo también se basa en pensar los mecanismos de relación social.

El tupperware: Mostrará ese avance tecnológico del plástico además de que no se entiende sin la lógica del gran frigorífico. Será un producto que saldrá en función del invento del otro.

Earl Silas Tupper fue un famoso inventor estadounidense de productos hechos de plástico para conservar alimentos. Fundó la compañía Tupperware el año 1938.

En 1946, salieron a la venta en tiendas y almacenes los primeros productos de Tupperware. En los primeros años de la década de los años 50, las ganancias de su empresa comenzaron a aumentar rápidamente y se convirtió en un hombre multimillonario.

Coche con gran maletero: 1950. Usa Plymouth Magazine Advert:

Será otro concepto fundamental.

En esta ciudad suburbana anónima Los años 50s fueron esenciales para la industria automovilística americana. La era que continuó después de la segunda guerra mundial trajo consigo un gran rango de tecnologías al consumidor de automóviles.

 La industria creció en una era de rápido cambio tecnológico; la producción en masa y los beneficios de las economías de escala, llevaron a diseños innovadores y ganancias mayores, creando una alta competencia entre las compañías. La producción de automóviles se convirtió en el segmento industrial más grande de los Estados Unidos, y el más largo que jamás haya existido y fue una de las cosas que convirtió al país en lo que fue.

En EE. UU. se verá un amplio imaginario de objetos que nos plantean como sería el futuro.

4. El Welfare State y la Crisis del Movimiento Moderno

ÉXITO Y CRISIS DEL MOVIMIENTO MODERNO:

Tras la guerra como vimos en EEUU se llevará a cabo el Welfare, potenciando así la reconstrucción de los distintos países europeos. En numerosos países se realizarán propuestas urbanísticas para reconstruir las ciudades y mejorarlas, poniendo como centro de todo al hombre.

Surgirán en muchos países construcciones basadas en la Unité d’habitation que vimos con Le Corbusier, buscando así una mayor optimización del espacio, tendencia que ya veíamos en el Metabolismo.

En Reino Unido se impartirá lo que se conoce como New Towns, pero además de todas estas propuestas de carácter urbanístico surgirán con las mismas ideologías muebles y productos pensados con un bajo coste para promover un diseño sencillo, barato pero funcional y de calidad a todo el mundo.

Pero estas propuestas urbanísticas del movimiento moderno acabarán fracasando y se empezarán otros proyectos de mayor escala en ciudades como India, Brasil o Pakistán. Se usará todo ese desarrollo de las tecnologías y las nuevas cualidades y concepciones de materiales como el hormigón para proyectar esas grandes ciudades.

Además estas ciudades se pueden realizar con la idea que ya vimos de apertura de fronteras, ya que muchos de los personajes que llevarán a cabo estos proyectos de construcción de estas ciudades son de origen europeo, pero se adaptarán e incorporarán la tradición y cultura del país para el cual construyen. Esto habla de incorporar y mirar a nuevas culturas que también harán otros grupos como el Team X.

Todas estas ideas por lo tanto serán intentos de reconstrucción tras la guerra que buscarán generar un diseño accesible a todo el mundo y que hablará con un lenguaje intercontinental. Será cuando se empiece a generar un diseño más unitario entre los distintos lugares como el que vemos a día de hoy.

MINDMAP PREVIO:

El WELFARE STATE: era considerado el estado de bienestar, era el nuevo programa político y social desplegado en la posguerra en el Norte de Europa para que las sociedades tengan una situación más equilibrada poniendo a cargo al estado cosas como la educación o construcción publica: se pone a cargo del estado como función pública. Este “pacto” se realizó para ayudar a los países a reconstruirse en todos los aspectos tras la Segunda Guerra Mundial.

El urbanismo del contexto europeo se exportó a otros ambientes

PROPUESTAS URBANÍSTICAS PARA LA RECONSTRUCCIÓN:

-Le Corbusier publicó varias aportaciones completas sobre la temática entre el 1940 y el 1950.

J. L. Sert recogía las conclusiones del congreso del 1933 donde se elaboró la carta de Atenas.

Josep Lluís Sert (1902-1983):

Era un arquitecto español nacido en Barcelona pero que a raíz de la guerra civil se refugió en París y luego en EE. UU., participando allí en varios proyectos. Colaboro entre otros con Le Corbusier.

La Carta de Atenas es un manifiesto urbanístico creado en el IV Congreso Internacional de Arquitectura Moderna (CIAM). Explicaba lo que era la ciudad funcional. Era aquella dividida por funciones y zonas según las actividades principales que eran las viviendas, el trabajo, el ocio y cultura y el transporte y comunicación.

Esa era la estructura básica para plantear las ciudades modernas.

“Para el arquitecto encargado de planificar la ciudad, las necesidades y la escala humana de valores son las claves para realizar todo tipo de composición arquitectónica”

 J.l. Sert, ¿Can Our Cities Survive? An ABC of Urban Problems, their Analysis, their Solutions. Cambridge: Hardvard University Press, 1942.

La escala humana y el hombre son considerados de nuevo el centro de la reconstrucción urbana.

-Plan de la reconstrucción de las ciudades de san Diego- Le Corbusier, 1946:

Se basa en una división funcional, no es una ciudad homogénea, densa: hay elementos discretos, un centro cívico, es una ciudad de la guerra.

Hay un modelo residencial que Le Corbusier desarrolla conocido como Unité d’habitation, Marsella, 1947-53:

Este fue el primer proyecto a gran escala del famoso arquitecto Le Corbusier. Fue el encargado de diseñar un proyecto de vivienda residencial multifamiliar para la gente de Marsella que habían sido desplazada después de los bombardeos en Francia.

La unité será una de las obras más importantes, se usará para reconstruir y está pensada como una alternativa de la ciudad, se convierte en un punto intermedio entre casa y ciudad.

En el edificio hay una inspiración trasatlántica, de los paquebotes y se ve el contacto con la naturaleza, hay una gran presencia del verde.

Contrapone la utilización extensiva del suelo y la compara con la superficie de la habitación, son un gran número de habitantes en un lugar bastante reducido. Lo que busca es no consumir tanto suelo, este queda libre para otras funciones y así mantiene más espacio verde, concentra la población en un espacio más despejado.

La unité está concebida como un bloque en altura aguantado por piloties.

 Los piloties son apoyos tales como columnas, pilares o zancos que elevan un edificio por encima del nivel del terreno o del agua, fueron muy usadas por Le Corbusier.

Estos separan y soportan la estructura. Vemos además en el edificio una calle interior cada tres plantas y las viviendas con doble exposición. En la parte superior hay también un terrado destinado a las funciones comunitarias como una guardería de la que disponen, pero además se ve la arquitectura de la expresión, el hormigón armado genera formas más simples que conectan con el paisaje.

 La quinta planta es la calle comercial, se puede disponer de los servicios y comercios básicos para los habitantes del núcleo.

Es por lo tanto un gran edifico de hormigón armado. Los piloties generan una gran presencia y dan una gran expresividad al conjunto. Se ve en estos aspectos el brutalismo enlazado.

La construcción del edificio está basada en el modulor: es un sistema de medida elaborado por el propio Le Corbusier que presento en el 1948 en su libro Le Modulor donde busca una relación matemática entre las medidas del hombre y la naturaleza lo usa como base para construir todo, es tomado como la medida de todas las cosas y está representado también en la entrada.

El puente como hemos dicho antes recuerda a los paquebotes conectando el exterior con el interior.

En la distribución interior vemos algunos muebles diseñados en 1930 por Charlotte Perriant y otros, y los usará y colocará le Corbusier ya que no dispone del tiempo ni del dinero para generar una nueva colección de muebles.

Como podemos apreciar la cocina está conectada con la sala de estar a partir de un mueble, funciona como separador y al mismo tiempo como conector.

Charlotte Perriant había diseñado un equipo más complejo para la cocina, pero por falta de presupuesto no se pudo desarrollar y se puso este en su lugar.

-Le Corbusier, Unité d’habitation. Briey-en-Foret.

-Le Corbusier, Unité d’habitation, Nantes-Rezé

Son otras que se hicieron en Francia ya que se usó como modelo, es decir que están construidas siguiendo el mismo sistema.

LA RECONSTRUCCIÓN EN EL REINO UNIDO: LAS NEW TOWNS Y EL NEW BRUTALISM:

Las NEW TOWNS: Fueron muy importantes, especialmente en Inglaterra, que fue muy bombardeada durante la Guerra, hacía falta un programa de reconstrucción, era un plan básico para entender si la ciudad había de extenderse hacia el exterior o si había que estructurarlo en nuevos núcleos. Finalmente se optó por hacer esta última entre los 40 y 70s. Así pues, este nuevo sistema buscaba racionalizar los procesos de crecimiento y mejorar las condiciones de vida de la clase trabajadora.

Los primeros modelos estaban relacionados con el empirismo nórdico, eran de ladrillos, cosa que recordaba a la tradición local en Inglaterra, con un tejado con tejas y a dos aguas.

-Allison y Peter Smithson, The Economist, Londres, 1963-67:

La revista londinense The Economist quería ampliar su sede y promovió un proyecto de remodelación urbana necesitaba reestructurar sus instalaciones. A pesar de las propuestas radicales que solían caracterizar al matrimonio de arquitectos Smithson a lo largo del período posterior a la guerra, este edificio es más bien conservador y no tan de aspect duro brutalista.

-Allison y Peter Smithson, Proyecto para la universidad de Sheffield, 1953:

Este fue otro de los proyectos que elaboraron Alison y Peter Smithson para ampliar la universidad de Sheffield.

Se elaboraron programas de vivienda social que se realizaron en muchos países:

(De todo este tema hay más información en la entrada anterior, si hay ausencia en algún tema probablemente ahí estará más elaborado.)

-Allison y Peter Smithson, Robin Hood Gardens, 1966-72:

Este edificio diseñado también por Alison y Peter Smithson a finales de los 60, fue defendido como una reinvención de la vivienda social, un intento de materializar el concepto de “calles en el cielo” aunque también ha sido catalogado como “cloaca social”.

-L. C. Daneri y E. Fuselli, Barrio INA casa Forte Quezzi, Génova 1956-68:

El conjunto está ubicado casi en la cima de una colina, es claramente visible desde una gran parte del centro de la ciudad, y, aunque ofrece una dificultad para acceder y conectarse a la ciudad y una condición inevitable de aislamiento, es uno de los puntos de vista más bellos de Génova. Puede llegar a albergar a unos 4.500 habitantes, está formado de cinco cuerpos lineales con un gran desarrollo (el más grande ocupa más de 500 metros de longitud), cosa que era un gran tamaño en comparación con la arquitectura del momento. Los cinco edificios que componen el complejo se caracterizan por la presencia de dos «paseos» destinados a socializar entre los habitantes y para que los niños jueguen.

 Eran grandes conjuntos que entraban en relación con el paisaje, una gran edificación con un bloque abierto, abrazando así lo que le rodea.

-Minoru Yamasaki, barrio Pruitt Igoe, san Louis, Missouri, 1954-55:

Fue un proyecto urbanístico, poco tiempo después de haberse construido, las condiciones de vida en Pruitt-Igoe comenzaron a decaer. En los 60s la zona se encontraba en pobreza extrema, y con una gran criminalidad. A menos de 20 años después de su construcción, uno de los 33 gigantescos edificios fue demolido por orden del gobierno. ​ Los otros 32 restantes fueron derruidos en los siguientes dos años:

-Demolición del barrio Pruitt Igoe, San Louis, Missouri 1972:

Esto será lo que marcará el nacimiento de la cultura post moderna, el fracaso de estos programas de viviendas residenciales de gran tamaño.

-London County Council, Alton Estate, Roehampton, 1952-58:

Esta propiedad tiene un paisaje a mayor escala. Los edificios aquí son de arquitectos más jóvenes, influenciados por Le Corbusier. Era el modelo de la unité de le Corbusier, pero a menor escala y en bloques lineales aislados. Aquí hay una mayor variedad, más zona de vegetación y ajardinada.

Otros ejemplos:

-Park Hill Estate, Sheffield, 1957-60, rehabilitado, 2004:

Park Hill es una urbanización municipal en Sheffield  donde también se ve claramente el Brutalismo en el uso de los materiales. Fue uno de los más ambiciosos proyectos de vivienda colectivan en Inglaterra que se llevó a cabo en la posguerra. Tenía alrededor de 1000 apartamentos.

INTERIORES- Inglaterra

Robin Day (1915-2010):

Fue un artista de referencia, era un diseñador industrial de mobiliario británico y uno de los más importantes del siglo XX. Se hizo especialmente conocido por el diseño de la silla propylene. Se dedicó a diseñar muebles de bajo coste, pero de alta tecnología y producidos en masa, creyendo en el poder de los muebles modernos y el diseño para hacer del mundo un lugar mejor.

 “Creo que es importante que las cosas perduren. Hay un planeta nuestro muy vulnerable con recursos limitados. Los arquitectos y diseñadores tienen, creo, una responsabilidad justa para conservar energía y materiales, y hacer que las cosas sean duraderas”

Ya había participado en el 48 en moma en Nueva York en un concurso de sistema de mobiliario de bajo coste. apoyado en la pared: mobiliario ligero y adaptable:

Lucienne Day (1917-2010)

Era mujer de Robin Day y también fue muy apreciada como diseñadora de elementos textiles, de hecho, fue una de las diseñadoras textiles británicas más influyentes de los años cincuenta y sesenta. La pareja conjuntamente diseñó espacios y estancias.

-Robin y Lucienne Day, Stand en la IX Triennale di Milano, 1951:

También ella se dedicó al diseño de elementos domésticos y servicio de té y café, elaboraba modelos más naturales y vegetales.

-Robin Day, Reclining chair,1952:

Esta pieza fue considerada como uno de los diseños más exitosos e icónicos de Day.

Cumplía con altos niveles de confort y una estructura articulada.

Muestra una estructura ligera de madera blanda con espuma y cincha elástica. Con un cojín ajustable para la cabeza.

Tiene, además, un apoyabrazos que sirve de mesita está pensada para estos espacios pequeños, en los que no se puede disponer de una gran cantidad de muebles y con el resuelve el no tener que disponer de una mesa, cumple y satisface una doble función.

Ernest Race: (1913-1964)

 Es otro diseñador de referencia en Inglaterra durante esta época. Diseñó muebles que se podían encontrar en todas partes, en todos los ambientes, desde la casa suburbana inglesa hasta el transatlántico más lujoso.

-Robin Day, Hillestack chair and desk, 1953. Producido por Hille:

Estos son muebles con estructuras de madera de contra chapado hillestack elaborados por Day.

-Ernest Race, Heron Lounge Chair, 1959:

Este es uno de sus muebles más conocidos de Race, donde vemos una estructura de madera delgada que soporta elementos como cascaras revestidas por tejidos y elemento acolchados.

ROBIN DAY form group of sofa, 1960:

Este tipo de muebles, son muebles fácilmente límpiables, con formas claras y muy económico. Esta pensado para las casas más humildes y falcillitar la vida y el mantenimiento de estos.

También elaboró entre otros sofás cama, muestran una gran flexibilidad con el entorno. Optimización del espacio.

-Robin day propylene chair, 1967:

Robin Day es conocido en especial por el diseño de esta silla inyectada en plástico, de la que se fabricaron más de 20 millones de unidades en todo el mundo. Fue la primera pieza de mobiliario que utilizó las oportunidades de la tecnología de inyección en plástico.

EL PERFECCIONAMIENTO Y LA SUPERACIÓN DEL URNBANISMO DEL MOVIMIENTO MODERNO SEGÚN SUS MAESTROS:

INDIA –Chandigarh

  • Le Corbusier y Pierre Jeanneret, Chandigarh, nueva capital del estado de Punjab, India, 1951.

Fue encargado a le Corbusier y su primo, Pierre Jeanneret construyen lo que se conoce como Chandigarh; “la Ciudad de Plata” de la India. Este proyecto de gran importancia histórica ya que también ha dejado una huella en el mundo del diseño gracias a los muebles diseñados por Jeanneret para los edificios públicos de la capital. Le Corbusier fue llamado por el primer ministro indio Nehru, que quería que la India entrara en la modernidad, propuso a Chandigarh como la nueva capital. El proyecto fue inicialmente asignado al arquitecto ruso Matthew Nowicki y al urbanista Albert Mayer, pero debido a un accidente el proyecto se le confió a Le Corbusier.

Realizaron una retícula por la ciudad para la estructuración nueva que plantearían. La «Ciudad de Plata» tomaba la forma de un cuerpo humano. Los edificios gubernamentales y administrativos eran la cabeza, el distrito de negocios el corazón, el comercio en el centro eran las entrañas de la ciudad y como extremidades quedaban las áreas industriales por un lado y las de educación por el otro.

Le Corbusier diseña el conjunto capitolino, que son los edificios públicos de la ciudad, hechos a partir de grandes volúmenes aislados: edifico asamblea, nuevo parlamento también el de los ministerios, palacio del gobernador, edificio alta corte de justicia y otros monumentos.

En todos ellos vemos una estética brutalista claramente identificable con la unité elaborada anteriormente, aunque sí que le dará más importancia a la fuerza expresiva del hormigón.

-Palacio de la Asamblea, Chandigarh, 1951-62, Le Corbusier y Pierre Jeanneret:

Tiene una doble cubierta paso aire, es decir con un sistema de climatización natural.

-Edificio del Secretariado, Chandigarh, 1951-58:

-Edificio del Alto Tribunal, Chandigarh, 1951,55:

En estas construcciones vemos disposiciones equilibradas y dinámicas con este uso frecuente del hormigón. Le Corbusier desarrolla aquellas ideas que ya había aplicado del uso del material adaptándose a las posibilidades de construcción, pero buscando siempre una expresividad de las formas.

Luego vemos estos otros espacios, monumentales como este, que no tienen una función concreta, pero que caracterizan el espacio urbano:

-Torre de las Sombras y Mano Abierta, 1951-65:

Es el monumento simbólico de la ciudad por excelencia. Está representado por una mano extendida hacia el cielo, La Main Ouverte, un verdadero «logotipo de Chandigarh» creado por Le Corbusier. Medía 26 metros de altura y estaba realizado en chapa, representa un signo de paz y la prosperidad.

Pierre Jeanneret a partir del 1955 se establece en Chandigarh y desarrolla el mobiliario de la nueva ciudad; cañas de bambú, piel, cañas… y reinterpreta alguna de las piezas típicas del mobiliario indio.

Una de las principales motivaciones de Pierre era involucrar directamente a los artesanos locales, beneficiarse de la cercanía al sitio de construcción y emplear maderas locales, más adecuadas al clima y a trabajos duraderos.

Los métodos de trabajo que descubrí en la India me enseñaron autoestima, después de tantos fracasos en Francia. Chandigarh fue, para ambos, una especie de claro en la jungla humana»- P. Jeanneret.

-Perre Jeanneret, muebles en caña y cuerdas, Chandigarh, 1955.

Pasará a diseñar piezas sobre todo en madera de teka:

-Silla con madera de teka y caña de india, 1965:

-Banco de madera de teka y caña de india, 1965:

Realizará toda una gama muy extensa de piezas que se adaptan. Las patas en compas será un elemento que lo caracterizará mucho, esta expresividad de la estructura es lo que se enlaza y recuerda a la del hormigón.

 Le Corbusier participa en el diseño de alguna mesa, pero prácticamente todos los muebles los hará Jeanneret solo.

Mucho de este mobiliario fue abandonado posteriormente, cuando años más tarde entró en decadencia.

Con su gama de mobiliario cubre prácticamente todas las necesidades, hasta para la escuela de arte.

-Butaca Pj St-48-A, Chardigarh, 1960:

Otro proyecto será la:

 CIUDAD DE BRASILIA:

Será la nueva capital de Brasil, construida por voluntad del presidente, se propone reequilibrar la distribución de la población, rompiendo el protagonismo de las ciudades de la costa como Rio o San Paulo. La construcción de la ciudad comenzó el 23 de octubre de 1956, siendo Lúcio Costa el principal urbanista y Oscar Niemeyer el principal arquitecto. En 1960, se convirtió oficialmente en la capital de Brasil. Es una de las ciudades capitales de más reciente construcción en el mundo

Brasilia no solo gran tenía un gran contenido simbólico en cuanto a arquitectura también en cuanto a trazado.

En un principio se ideó con dos ejes que se cortaban en ángulo recto, que formaban una cruz, esta caracteriza a las ciudades antiguas como Roma Grecia y Mesopotamia, los dos ejes que se combinan y que cruzan con el residencial adaptado al rededor del lago en el cual surge la ciudad. Esta cruz a lo largo del proyecto se tuvo que ir adaptando y acabó en una forma más similar a la de un avión. Está integrada en el entorno con la edificación de las súper manzanas. Se construyó un lago artificial, el lago Paranoa.

Oscar Niemeyer será el principal artificie de los edificios monumentales de Brasilia. Buscaba generar algo monumental y simbólico en los volúmenes, representar la imagen del poder, pero haciendo una representación contemporánea acentuando la expresividad.

Oscar Niemeyer (1907-2012):

Era un arquitecto brasileño y será considerado como uno de los personajes más influyentes de la arquitectura moderna internacional. Era además un gran seguidor de Le Corbusier y promovía sus ideas.

-Catedral de Brasilia, 1958, Oscar Niemeyer:

El nombre completo de la catedral es Catedral Metropolitana de Nuestra Señora Aparecida. Hace una catedral como la corona de espinas de Jesucristo. La estructura de esta es hiperboloide y de hormigón. Niemeyer buscó una forma compacta y limpia, un volumen capaz de surgir con la misma pureza desde cualquier perspectiva y a la vez, de transmitir una gran expresión religiosa. La catedral tiene 40 metros de altura y capacidad para 4 mil personas.

La base del edificio es circular y de unos 60 m de diámetro. Su techo de cristal mate comienza en la planta y cuenta con el apoyo de 16 columnas curvas de color blanco, que empiezan separadas y luego se tocan para separarse de nuevo. Su estructura circular evita la existencia de una fachada principal, haciendo que la visibilidad des de cualquier punto sea prácticamente la misma.

-Palacio de Alvorada, Brasilia, 1958.

Este es otro de los edificios que realizó Niemeyer para la ciudad. A diferencia de la catedral es plano y de poca altura. Aquí juega con la horizonmtalidad y le da mayor dinamismo a la fachada de cristal del edificio con el uso del hormigón. El palacio está rodeado de un gran terreno de vegetación.

-Supermanzanas, Brasilia, 1956-63, Lucio Costa y Oscar Niemeyer:

Se realizan edificaciones de bloques abiertos, con grandes espacios para el tráfico ya que es una ciudad con gran población y circulación. De hecho, estaba pensada como una ciudad para el automóvil, y la idea original planteaba que hubiese barrios para vivir y otros sectores para trabajar. La ciudad sería una gran infraestructura donde los medios de transporte serían obligatorios para la vida de cualquier ciudadano que tuviese que trasladarse desde las zonas residenciales a las áreas de trabajo. Alrededor de la Brasilia surgirán otros barrios obreros, se generará una ciudad más informal a lo largo del tiempo. El planteamiento de Brasilia elaborado por Costa era, en este aspecto demasiado utópico.

-El tercer ej. Significativo es ISLAMABAD, 1959 la nueva capital de Pakistán:

La palabra Islamabad significa: «ciudad del islam». Pakistán se separará de la India y se pensará como una ciudad planificada para reemplazar a Karachi como capital pakistaní.

Está situada al lado de otra ciudad: Dynapolis.

Conceptos que desarrolla/ defiende: un sistema jerárquico entre las distintas comunidades, y de transporte, una ciudad de baja densidad y una ciudad evolutiva, es un crecimiento en el tiempo, es decir progresivo.

Será una ciudad proyectada por un arquitecto griego: KONSTANTINOS DOXIADIS

Konstantínos Apostolos Doxiadis (1913-1975)

Es el arquitecto encargado del proyecto de Islamabad, lideró el movimiento llamado Ekística, y formuló el concepto de la ecumenópolis.

En el 1942 había inventado la Ekistica:

Es la conocida como «ciencia del hábitat«. La ekística es una ciencia que coincibe los establecimientos humanos desde todos los puntos de vista, logrando así el desarrollo de técnicas que solucionen sus problemas inherentes

 Es un estudio del desarrollo de la ciudad en la historia. La ciudad de dimensión óptima respecto a la escala humana donde la tecnología se pone al servicio de las necesidades humanas.

Entiende que la ciudad ha de ser definida como la síntesis de todos los elementos a distintas escalas, hay una preocupación real y consciente por el gran número y la gran escala.

La ekistica trabaja a diferentes escalas: la habitación y la casa, la aldea, el barrio, la ciudad, la metrópolis (1 mill), La megalópolis (150 mill), la ecumenopolis (50000), …

-Constantinos Doxiadis, Viviendas en Islamabad, nueva capital de Pakistan

Hará modelos para los barrios que servirán alrededor del mundo. Diseña alrededor de 40 ciudades por todo el mundo.

Él quiere, a diferencia de en las otras ciudades que los edificios monumentales estén hechos por distintos arquitectos, no impone formas o conceptos comunes, se invita a varios a participar en los proyectos.

-Proyecto para el Parlamento de Pakistan, Islamabad, 1962:

-Louis Kahn, Proyecto para el Parlamento de Pakistan, Islamabad, 1963-64:

Varios artistas y arquitectos de prestigio participarán en los proyectos, pero ninguno convence a los gobernantes y al final se realiza algo similar a lo que presentó el arquitecto Edward Durell

-Edward Durell, Proyecto para el conjunto del palacio presidencial, Islamabad, 1966.

Este mismo arquitecto fue el encargado de diseñar otro edificio más:

-Edward Durrell, stan Institute for Nuclear Phisics and technology, Islamabad, 1966-70

Otros arquitectos internacionales como Gio Ponti también colaboraron:

-Gio Ponti, Conjunto administrativo, Islamabad, 1960-71

Estas renovaciones y generaciones de nuevas ciudades crearán un diálogo intercontinental y mundial donde arquitectos de todas las partes del mundo, con ideologías y pensamientos muy distintosn trabajarán conjuntamente en un proyecto común. Un ejemplo de ello sería el exmetabolista Kenzo Tange también trabajará allí.

-Kenzo Tange architects, Corte Suprema de Pakistan, Islamabad, terminada en 1993:

También encontramos otros monumentos hechos por Vedal Dalokay que realizará una de las mezquitas más grandes del mundo:

-Vedat Dalokay, Mezquita Fasai, Islamabad, 1969-86:

 La Mezquita Faisai es una de las mezquitas más grandes de Asia y de las más grandes del mundo. Es muy conocida en el mundo islámico y es renombrada por su inmenso tamaño ya que puede llegar a alojar alrededor de 300.000 personas.

En 1969 hubo un concurso internacional donde arquitectos de 17 países presentaron 43 propuestas y finalmente se eligió el diseño del arquitecto turco Vedat Dalokay. La construcción del edificio tuvo un coste de más de 130 millones de riyales saudíe.

La arquitectura de esta es una salida de la historia larga de la arquitectura musulmana asiática del sur, no obstante, en cierto modo hace un puente entre las tradiciones arquitectónicas musulmanas del árabe, turcas y pakistaníes.

La mezquita es el punto central de Islamabad, y es considerado como el más famoso y reconocido ícono de la ciudad.

 Todo este será un modelo de ciudad bastante más heterogéneo.

-La muerte de la CIAM después del congreso de Otterlo, 1959: los Smithson, Voelcker, Bakema, van Ginkel, abajo Van Eyck y Lemco.

El Team X tuvo como miembros más activos: Jaap Bakema, Georges Candilis, Guiancarlo de Carlo, Aldo Van Eyck, Alison y Peter Smithson y Shadrac Woods. Participaron también: José Antonio Coderch, Amancio Guedes, Ralph Erskine, Owald Mattias Ungers y Stefan Wewerka, entre otros.

CIAM: (Congreso Internacional de Arquitectura Moderna)

 (1928-1959)

Ante los problemas que la Revolución Industrial generó en las ciudades se creó una corriente de pensadores que se unían en conferencias y debates y se centraban en dar con una solución para transformar y mejorar la sociedad. Se convirtieron en el principal foro de debate del funcionalismo.

Para ellos el espacio se debe dividir y organizar según las principales actividades humanas, que ellos consideraban que eran las siguientes: trabajo, vivienda, transporte y ocio. Cada función hay que tratarla de un modo arquitectónico específico y concreto, en un espacio separado y diferenciado del resto.

El grupo estaba formado por un grupo de 28 arquitectos europeos organizado por Le Corbusier, Hélène de Mandrot y Sigfried Giedion.

Los conceptos de la CIAM eran cada vez más criticados y cuestionados hasta que se formó el Team X, con arquitectos más críticos.

Team X:

Estaba integrado de arquitectos procedentes de distintos países europeos y con arquitectos invitados que participaban de forma más irregular.

Se dieron a conocer con el Manifiesto de Doorn, ​ en el que reflejaron sus ideas de arquitectura y urbanismo. Los miembros del Team X exponían, discutían y analizaban problemas arquitectónicos contemporáneos. Sus escritos y manifiestos no estaban expuestos a manera de dogmas, sino de ideas y de opiniones.

El núcleo del grupo consistía principalmente en los siete miembros más activos y con mayor responsabilidad del CIAM: Jaap Bakema, Georges Candilis, Giancarlo de Carlo, Aldo Van Eyck, Alison y Peter Smithson y Shadrac Wood. Aunque muchos otros arquitectos de importancia participaron puntual o esporádicamente en sus conferencias y encuentros.

Ellos decían que eran “una pequeña familia de arquitectos quienes se veían unos a otros debido a que la ayuda de los demás era necesaria para el desarrollo y entendimiento de su trabajo individual”.

  • Team X, Manifiesto de Doorn:

“1- La Casa no puede ser entendida como unidad individual funcional (existenxminimum) sino como célula que es parte de una comunidad. – Casa célula.

2- La calle es el lugar de encuentro social entre personas. – Calle encuentro social entre los integrantes de la sociedad: Sociabilidad.

3- El Distrito un espacio con identidad propia de la ciudad y representa el entorno próximo y conocible. – Idea de “Neibourhood”.

4- La Ciudad le expresión de es una comunidad que necesita desarrollar una conciencia compartida, es decir, una identidad y un sentido de pertenencia también a nivel de arquitectura y espacio. – Pasado memoria, construir una narrativa ha de ayudar a construir esta imagen.

5- Las ciudades son dinámicas, se transforman: se necesitan estructuras urbanas susceptibles de crecer y cambiar. – Organismos que evolucionan en el tiempo, diseño no definido, cerrado, determinado, continuamente evolutivo.

6- Racimo: tronco de equipamientos y servicios al cual se unen de distintas maneras las unidades residenciales. – Racimo: complejidad, superposición de funciones.

7- Red: Trama indiferenciada y des jerarquizada de vías de circulación y espacios que permiten un orden y uso flexible. Red: puede reconfigurarse a lo largo del tiempo.

8- Mat Building: edificio de trama des jerarquizada, denso y homogéneo, generalmente de baja altura.” Mat building, como una gran alfombra.

Algunos de estos los conceptualizan en el manifiesto

Buscaran formas de entender el espacio que no pertenece a la cultura europea. Se basarán en la investigación de nuevas culturas y en la interpretación del espacio privado y público.

Un ejemplo de investigación de otras culturas que realizarán:

-Aldo van Eyck, poblados Dogon y planta de un poblado indio de nuevo México:

Buscarán la aplicación de ideas y conceptos de estas culturas para complementar sus teorías y pensamientos y llevar a la arquitectura a nuevos lugares.

El cluster (racimo) era reconocible fácilmente, y también fácilmente recorrible, eran espacios intermedios entre las calles:

-Allison & Peter Smithson, primer diagrama de un cluster, 1953 y propuesta de calle elevada, 1953:

Otros no del team x pero relacionados que también realizan estructuras complejas:

-Aldo Van Eyck, Orfelinado en Amstelveensweg, Ámsterdam, 1955-60:

 -Este es un gran ejemplo de matbuilding. Es un orfanato, los huérfanos han de encontrar su comunidad, su familia. Se construye todo el espacio a partir de núcleos que se repiten generando una trama con espacios vacíos, con huecos, que se combinan con espacios edificados, no hay un centro propiamente identificable y podría seguir extendiéndose irregularmente hacia cualquier exterior y la idea de la estructura no cambiaría.

Elementos interiores:

Hace que elementos funcionales que sirvan como objeto de interacción.

-George Candilis, Alexis josic, Shadrach woods, Toulouse-le-Mirail, 1961-71:

Barrio que mejor sintetiza las ideas del team x, toulouse-le-mirail, se construye para absorber la inmigración procedente de Argelia, es un nuevo fragmento de ciudad.

Se usan los principios fundamentales y este será el mejor intento de interpretar y materializar eso.

Se ven distintos sistemas arquitectónicos que se enmarcan igualmente en la búsqueda del Team 10 hacia estructuras más complejas, con respecto a los sistemas racionales del Movimiento Moderno; más versátiles, y adaptables al contexto específico, ambiental o urbano, de cada proyecto. Este Matbuilding es un sistema capaz de generar una estructura homogénea y flexible, que puede crecer y transformarse, abierta desde el interior hacia el exterior, y que puede generar una gran variedad de actividades. Está compuesta por una retícula base con la posibilidad de crecer horizontalmente y que permite además combinar aleatoriamente módulos de llenos y vacíos en su interior.

-Georges Candilis, Alexis josic, Shadrach Woods,Proyecto para la Freie Universidad, Berlín, 1963:

 Es otro matbuilding, construido a partir de espacios abiertos que se enlazan unos con otros, todo se va entrelazando como una alfombra que se extiende. Genera esta mega estructura. El proyecto se lanzó en el 64.

3. NUEVO BRUTALISMO

NUEVO BRUTALISMO:

El Nuevo Brutalismo será un movimiento que surgirá en la posguerra y se caracterizaba por el uso honesto de los materiales, es decir dejándolos a la vista y sin tratarlos demasiado.

Se inspiraba en el Brutalismo que trataba esos principios aplicados al hormigón, que fue un material crucial en la reconstrucción de la posguerra por su bajo coste. En este aspecto destacarán los proyectos iniciados por Le Corbusier como vemos con los proyectos de viviendas residenciales que inspirarán a muchos otros arquitectos.

El hormigón en todo caso, había sido un material que durante mucho tiempo había quedado oculto y ahora se empezarán a potenciar sus cualidades estéticas, no solo realizando acabados de gran belleza sino además aplicándolo a nuevas disciplinas como el diseño de mobiliario, abriendo y ampliando así las posibilidades del material.

Estos principios impuestos por el Brutalismo de Le Corbusier y el Nuevo Brutalismo se aplicarán en numerosos diseños y construcciones enfatizando la belleza natural de los propios materiales, huyendo del racionalismo y pulcritud que se había visto en muchas de las escuelas en décadas anteriores.

MINDMAP PREVIO:

ESTILO ARQUITECTÓNICO, hoy en día identificamos con el hormigón y grandes edificios de los 60-79, surgió del Movimiento Moderno. En sus principios estaba inspirado por el trabajo del arquitecto suizo Le Corbusier (en particular en su edificio Unité d’Habitation. El término tiene su origen en el término francés béton brut u ‘hormigón crudo’, un término usado por Le Corbusier para describir su elección de los materiales. El crítico de arquitectura británico Reyner Banham adaptó el término y lo renombró como «brutalismo» (brutalism, en inglés), término que identificaba el estilo.

-Pero se empezó a usar el término en los 50 con otro significado:

El hormigón durante mucho tiempo fue un material de construcción que quedó oculto.

Cuando empezó a ser defendido por sus calidades estéticas hemos de ir hasta el Futurismo con Marinetti:

El Futurismo es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del S. XX mientras el Cubismo aparece en Francia. Gira en torno a la figura de Marinetti, quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto.

“La belleza nueva del hormigón y del acero se ve profanada por la superposición de carnavalescas incrustaciones decorativas, que no hallan justificación ni por la necesidad constructiva ni por el gusto.”– Manifiesto de la arquitectura futurista.

Se ve la belleza desnuda del hormigón en las obras de le Corbusier y será cuando se empiece a usar este término más en profundidad.

– Charles-Édouard Jeanneret-Gris, más conocido​ como Le Corbusier: (1887-1965)

Fue un arquitecto y teórico de la arquitectura, urbanista, diseñador de espacios, pintor, escultor y hombre de letras suizo nacionalizado francés en 1930. Es considerado como uno de los más importantes exponentes de la arquitectura moderna y uno de los arquitectos más influyentes del siglo XX.

Después de la 2ª Guerra Mundial le Corbusier cambiará de estilo.

El Hormigón era el material menos costoso en la Europa de posguerra. Sin embargo, también podría interpretarse como una aplicación materialista con objetivo de caracterizar el estado condicional de la vida después de la guerra – áspera, desgastada e implacable.

-Maison Jaoul, Neuilly-sur-Seine, París (1955):

 Son dos casas cerca de parís y tienen fachadas muy diferentes.

Hecha de hormigón visto sin pintar y madera contrachapada.

En el interior vemos por ejemplo una bóveda catalana, tiene un aspecto más cálido que antes. Se ha relacionado con la arquitectura tradicional y con el brutalismo ya que los materiales están tal cual sin retocar ni cubrir.

-Le Corbusier, La unité d’habitation de Marsella (1947-52):

Este fue el primer proyecto a gran escala del famoso arquitecto Le Corbusier. Fue el encargado de diseñar un proyecto de vivienda residencial multifamiliar para la gente de Marsella que habían sido desplazada después de los bombardeos en Francia.

La unité será una de las obras más importantes, se usará para reconstruir y está pensada como una alternativa de la ciudad, se convierte en un punto intermedio entre casa y ciudad.

-Antecedentes soviéticos: Moisei Ginzburg, Ignati F, Milinis, Unidad residencial del Narkomfin, Moscou /1928-30):

Había unos dúplex y unos espacios comunes, se ve la idea del barco y los cruceros, todo el edificio recuerda a uno, se ve las ideas que promovía en Vers une architecture.

 Es un edificio con una capacidad para 1600 habitantes.

-Le Corbusier, La unité d’habitation de Marsella (1947-1952):

La Unité d’Habitation fue el primero de una nueva serie de proyectos de vivienda de Le Corbusier, que se centró en la vida comunal para todos sus habitantes, un lugar para hacer las compras, jugar y vivir, una «ciudad jardín vertical». Con cerca de 1.600 habitantes divididos en dieciocho pisos, el diseño requiere un enfoque innovador hacia la organización espacial para dar cabida a los espacios de vida, así como los espacios públicos comunales. Curiosamente, la mayoría de los aspectos comunes no ocurren dentro del edificio, sino que se colocan en la cubierta.

En el centro encontramos un pasillo que distribuye por cada lado una vivienda. Todo el edificio está íntegramente construido en hormigón visto.

Aquí ya se ve como Le Corbusier usa los pilotes.

Los pilotis son apoyos tales como columnas, pilares o zancos que elevan un edificio por encima del nivel del terreno o del agua, fueron muy usadas por Le Corbusier.

La texturización que muestra el hormigón es el que se obtiene cuando se saca del encofrado.

En el edifico había también en lo más alto una terraza.

Usa el hormigón crudo, visto, servirá esta palabra, este concepto para convertirse en un movimiento: brutalismo.

En una visión más moderna se relacionará con la deshumanización del material.

-Mario Fiorentino, Corviale (Roma, 1971-1982):

L’unité fue un modelo de éxito, se hicieron varias en Berlín y Francia…. Y se usó en la periferia de Europa como en algunos barrios de Roma. Este es un ejemplo:

-Capilla de Notre-Dame-du-Haut a Ronchamp (1950-55):

Es un edificio colosal, una capilla de notre-dame-du-haut, y es una capilla para peregrinos colocada en lo alto de una colina.

En el interior recuerda a las catacumbas romanas por los huecos por los que entra la luz.

En el edificio vemos algunas referencias a otros movimientos y símbolos.

-Convento de La Tourette, Sainte-Marie de la Tourette, Eveux (1952-60):

En el diseño del convento Le Corbusier contó con la colaboración de Iannis Xenakis, compositor y arquitecto de ascendencia griega y que en 1948 entró en el estudio del arquitecto y que colaboró sobre todo en la fachada y en la estructura interior.

En el diseño de la fachada Xenakis recurrió al concepto del Modulor, consiguiendo un efecto asimétrico gracias a una progresión de rectángulos de diferentes anchos, buscaba la abstracción a partir de la línea recta y la repetición. El resultado fue del agrado de Le Corbusier, llegando a denominar la obra como “El convento de Xenakis”.

El programa necesita combinar las habitaciones privadas para los monjes con sus necesidades de espacios comunes entre los que Le Corbusier propone un jardín en la azotea. Estos usos diferentes fueron apilados uno encima del otro, habitaciones privadas en los dos pisos superiores, por debajo los espacios comunes.

Es decir por, lo tanto, que este es multifuncional ya que aparte de tener iglesia consta de viviendas, claustro, … aquí lo hace lleno de pasillos y de formas hechas de hormigón. Es un edifico de hormigón crudo y tiene un tratamiento en las fachadas típicas del brutalismo, menos en la cripta que si se usa algo de color y no es por lo tanto el hormigón al natural.

Le Corbusier creó un edificio de belleza austera. La dureza y la ‘brutalidad’ del diseño revelan una empatía con la vida de los monjes.

NUEVO BRUTALISMO YA SI 2020:

Considerarán los que lo empiezan a usar que el primero es el de le Corbusier.

Se empieza a usar en Gran Bretaña, serán los jóvenes que usan un nuevo tipo de estética criticando el movimiento moderno hacia la construcción, y por lo tanto habrá un rechazo hacia algunas propuestas del movimiento moderno, la posición historicista. También tendrá algo de éxito en Suecia con el nuevo empirismo.

-Gran Bretaña lo desarrollará con las New Towns. Los rasgos característicos principales es que es una arquitectura más amable hecha a escala humana, que intentaba relacionarse con el ambiente.

Nace, por lo tanto, como una oposición a las nuevas tendencias.

Ambiente cultural estará relacionado con un grupo donde hay algunos miembros como Reyner Banham: (1922-1988)

Es un famoso escritor y crítico de la arquitectura británico. Se hizo famoso con su tratado “Theory and Design in the First Machine Age” (1960) y con su libro de 1971 “The Architecture of Four Ecologies”.

Dos obras conocidas suyas y relacionadas con el brutalismo son:

  1. Un artículo: Banham, Reyner. “the New Brutalism” The Architectural Review. Vol. 118. (1955)
  2.  Y un libro en el que muestra una ampliación de las investigaciones teóricas: Reyner Banham, The New Brutalism

Él defiende y define el brutalismo, aunque ahora lo identificamos con otra cosa, con los edificios grandes de hormigón de los 60-70.

Pero en esa época no solo era el hormigón, había 2 significados: uno más artístico y otro más arquitectónico

Algunos de los referentes artísticos a los que hará referencia en sus publicaciones:

Jean Dubuffet (1901-1985) Art Brut:

                 – Grand Jazz Bans (New Orleans) 1944:

-Childbirth, 1944:

En esta obra el artista quería que su arte molestara a sus espectadores. Dubuffet utilizó estas estrategias de composición, combinadas con pinceladas de aspecto áspero, contornos pronunciados y colores oscuros y vívidos para lograr este impacto desconcertante. Quería que su pintura fuera tan inquietante que cambiaría la forma en que las personas ven el arte, la forma en que las personas sienten sobre el arte e incluso las formas en que definimos qué es el arte.

Son obras que no tienen tridimensionalidad, parecen dibujos de niños, son más irracionales que antes, se ve un mayor primitivismo.   

-Otro autor será Jackson Pollock (1912-1956):

Pollock fue un influyente pintor estadounidense y principal artista del Expresionismo abstracto norteamericano, de las segundas vanguardias. Pollock alcanzó reconocimiento por su estilo de chorrear pintura comúnmente conocido como dripping.

Su obra es el resultado de un proceso violento e impulsivo conocido como el action painting. Con él lograresultados atormentados.

-Otro sería Alberto Burri (1915-1995):

         -Sacco (1953):.

Usará materiales pobres como se en sus obras con sacos además de que muestra una actitud de negación de la estructura formal. Usa la materia bruta de contar el drama existencial de la Segunda Guerra Mundial.

-Eduardo Paolozzi (1924-2005):

  -Yo era el juguete de un hombre rico (1947):

Será un gran precursor del pop art pero lo que le interesa son los materiales pobres, que utiliza como recortes o la escultura:

   – Cyclops (1957):

Paolozzi lo hizo presionando piezas de metal en un lecho de arcilla húmeda y luego vertiendo cera fundida en el molde de arcilla. Construyó el modelo a partir de estas láminas de formas de cera y finalmente lo fundió en bronce.

El Cíclope era un gigante inmensamente fuerte con un solo ojo en el centro de su frente, aquí lo que busca es mostrar la fealdad exaltada en una escultura.

-Independent Group, Parallel of Life and Art, ICA (Instute of Contemponary Art)

 El Grupo Independiente se reunió en el ICA original en Dover Street desde 1952-5 y estuvo compuesto por los arquitectos Alison y Peter Smithson, James Stirling y Colin St John Wilson; los artistas Magda Cordell, Richard Hamilton, Nigel Henderson, John McHale, Eduardo Paolozzi y William Turnbull; el productor musical Frank Cordell y los escritores Lawrence Alloway, Reyner Banham y Toni del Renzio. El Grupo trabajó con arte, ciencia, tecnología y cultura popular. Desde películas de terror hasta teorías de la evolución, desde la arquitectura moderna hasta Marilyn Monroe, este proyecto grupal trabajó más allá de los límites tradicionales y las áreas disciplinarias convencionales.

 Entre todo lo que harán celebrarán una exposición con dibujos y fotografías de la calle que retratan la vida de la calle de los obreros de la época:

   -Nigel Henderson (1917-1985), Peter Samuels, 1951:

Eran fotografías como estas que muestran la gente y la vida real de las calles en ese momento. La tiza de la pared de la fotografía recuerda a los cuadros.

Todo eso se traduce en una estética que busca ser estética e inmediata: busca mostrar la realidad sin que haga falta realizar un proceso de reflexión.

-Alison y Peter Smithson:

Peter Smithson (1923-2003) y Alison Smithson (1928-1993) eran un matrimonio de urbanistas y arquitectos ingleses que trabajaron activamente en los aspectos teóricos de la arquitectura de las décadas de los 50 y 60. Están considerados cofundadores del brutalismo y estructuralismo. Formaron parte del Team X y del Independent Group.

Entre sus proyectos destacan el Golden Lane Housing (Londres, 1952), ​ y la urbanización del Robin Hood Gardens en Londres, construida entre 1966 y 1972. En esta foto vemos que parecen obreros, es decir era una sociedad muy obrera la inglesa.

-Otro gran referente será Le Corbusier con su libro Vers une Architecture (1923):

“La arquitectura tiene que establecer. Con materias primas, relaciones conmovedoras.”

Alguna de las obras brutalistas nombradas en los escritos de Banham son:

-Casa en Soho (1952) Alison y Peter Smithson:

Esta casa no se llegó a construir, pero habría sido el primer exponente del brutalismo: era una estructura totalmente vista sin acabados interiores y era algo totalmente rompedor en la época, se habría situado en el barrio londinense de Soho, de ahí el nombre.

-Escuela Hunstanton (1954), Alison y Peter Smithson:

Era la obra más importante del brutalismo y se hizo cuando Alison Smithson tenía 21 años y Peter 26 en 1950. Ambos ganaron un concurso para una escuela secundaria en Hunstanton. El plan es simétrico y tradicional, su salón central está ubicado entre dos patios, alrededor del cual se ubican aulas y laboratorios en los pisos superiores sobre pasillos, oficinas y guardarropas de la planta baja.

Este edificio no es de hormigón, como las obras prototípicas brutalistas pero define exactamente las características del brutalismo: 

  • Tiene una planta muy fácil de leer des del punto de vista formal
  • La estructural es de acero con paredes de ladrillos y por lo tanto consta de una estructura visible, no oculta. Los materiales son visibles y expuestos tal cual salen, al natural.
  • Esta será la tendencia que se empezará a utilizar.
  • Hasta las instalaciones de las tuberías están a la vista, nada está oculto.
  • Banham critica y discute esto y sigue y defiende el imperativo de ser honesto: usar los materiales de manera honrada y no esconder nada. Las características de los edificios brutalistas que él define es que son crudos, duros y no importa el resultado estético, hay que tener cierta actitud hacia el uso de los materiales.

El edificio tiene un marco de acero soldado, diseñado según el principio del diseño plástico que no tiene un punto débil, se inspiró en las formas clásicas y en Mies van der Rohe. En el interior, los techos son también de acero sin adornos y las tuberías expuestas son sorprendentes. El uso de componentes fuera de la clavija culmina en un tanque Braithwaite ubicado en el centro.

-Louis Kahn, Centro de Arte de la Universidad de Yale (1952-54):

Otro edificio que por la estructura cumple con las características propias de este movimiento:

-Instituto Marchiondi- Vittorio Vigano (1957):

Viganò planeó esta institución cerrada para jóvenes delincuentes sobre la base de un nuevo concepto pedagógico. El orden se demuestra por la lógica interna fácilmente comprensible del edificio y también por el hecho de que los materiales utilizados son fáciles de ver y las tuberías y el cableado están expuestos. Los muros de media altura aseguran que las partes más grandes del complejo sean siempre legibles como un todo. Banham lo elogió como «una de las principales sorpresas de la arquitectura europea a finales de los años cincuenta”. En el edificio se ve por lo tanto una idea dura y una gran exhibición de la estructura y de los materiales.

    “El brutalismo intenta seguir el imperativo moral que entró en la tradición de la arquitectura moderna a través de los pioneros del siglo xix. El empleo de hormigón al natural o de estructural de acero sin pintar es sólo un síntoma de esta aspiración. Peter Smithson dijo una vez: “Nosotros admiramos también los dorados, donde sean necesarios”. El objeto fundamental del brutalismo era, en aquellas fechas, encontrar una concepción que, en frase de Smithson, fuera la adecuada para un determinado edificio, en cuanto a construcción, departamentos, organización y materiales. “– Banham, Reyner. “Bruatlismo”, Diccionario ilustrado de la arquitectura contemporánea. Barcelona Gustave Gili, 1979.

El brutalismo no es solo el hormigón, es ese uso honrado y honesto y al bruto de los materiales.

Alison y Peter Smithson, los arquitectos más representativos, decían que el brutalismo era como una filosofía para ellos: 

“Para nosotros Brutalismo significa directo; para otros acabó siendo sinónimo de tosco, grosero, sobredimensionado, significaba utilización de jácenas tres veces mayores de lo necesario. Brutalismo era lo contrario, era lo preciso para adaptarse a la nueva situación, tal como se adoptó la obra de Kahn en Yale. Y eso no era tosco, ni grosero ni sobredimensionado. “

Estos eran sus principios, y dirán que también se podrán ver en la estructura japonesa.

Criticaban lo moderno, pero querían ser contemporáneos, criticaban el academicismo y el seguir las pautas.

-Robin Hood Gardens, Londres (1972), Alison y Peter Smithson:

Este edificio diseñado por los arquitectos Alison y Peter Smithson a finales de los 60, fue defendido como una reinvención de la vivienda social, un intento de materializar el concepto de “calles en el cielo” aunque también ha sido catalogado como “cloaca social”.

Esta construcción fue derribada hace poco ya que desde el momento en que comenzó a ser habitado no dejaron de surgir problemas relacionados con la habitabilidad de las viviendas, además de la delincuencia. A principios de 2008 las autoridades inglesas pusieron en la mesa de debate el posible derribo de los edificios

Pese a los problemas que arrastra funcional y socialmente Robin Hood Gardens, se trata de un diseño que forma parte de la mitología de la arquitectura contemporánea.

Muchas de estas estructuras se usaron para construir edificios con funciones sociales. Eran espacios de relación con una gran vida amable en los edificios.

Los edificios no curvos se adaptas y se asoman a un interior, están hechas en una colina.

Es una fórmula como hemos dicho que fracasó y muchos se convirtieron en guetos que acabaron derivando en problemas sociales.

Alguna de las obras brutalistas de la época que seguían esta idea de crear habitáculos con altas capacidades de habitáculos eran:

-Jack Lynn, Ivor Smith, Park Hill, Sheffield (1961):

-Erno Goldfinger, Trellick Tower, Londres; 1972:

Este edificio tiene una escalera lateral que se conecta con la parte central del edificio, parece una estructura industrial.

Alguna otra obra típica que también cumple con las características:

-GLC Architects, Hayward Gallery and Queen Elizabeth Hall, Londres (1968):

-Denys Lasdun, National Theater, Londres, 1977:

Pero como hemos comentado antes no se tiene que relacionar solo con el hormigón, un gran ejemplo de ello serían las universidades de los años 70, que muestran una estructura brutalista de ladrillo principalmente:

-Paul Rudolph, The Art and architecture Building at Yale University in New Haven, Connecticut (1963):

-Sir Basil Spence, University of Sussex, Brighton, 1962:

-Richard Sheppard, Robson &Patterns, Churchill College, Cambridge:….

 En estos se ve por ejemplo el uso de la bóveda a la catalana en hormigón:

Y también es remarcable la arquitectura de las iglesias construidas en Suecia, utilizando el ladrillo visto: es la manera en la que se usa, de un modo tosco, rudo, irregular y que hace que parezca de pueblo.

-Sigurd Lewerentz, Iglesia de St Mark, Bjorkhagen, Estocolmo (1956-60):

-Sigurd Lewerentz, Iglesia de St Peter, Klippan (1966):

Muchas obras muy de moda

-Paul Rodolph, casas para estudiantes en yale (married student´s housing), 1962:

-Atelier 5, Siedlung Halen, Beerna, Suiza (1961):

Otro personaje destacable será:

– Marcel Lajos Breuer 1902-1981:

Fue un arquitecto y diseñador industrial húngaro de origen judío. Uno de los principales maestros del Movimiento Moderno que mostró un gran interés por la construcción modular y las formas sencillas.

No está directamente relacionado con el brutalismo, pero si es muy recurrente el uso del hormigón en sus obras. Estudió en la Bauhaus de Weimar, Alemania, en la época en que Walter Gropius dirigía esta escuela de diseño y arte donde catalizaron las ideas estéticas más importantes del movimiento moderno. Breuer se hizo cargo más tarde del taller de muebles de la Bauhaus, será el autor de muchas obras importantes como la famosa Silla Wassilly (silla en la que le vemos sentado en la fotografía).

“el arquitecto puede expresarse plenamente como artista por medio del hormigón “

Tuvo un encargo muy importante que fue:

– Sede de la UNESCO (con Pier Luigi Nervi, Bernard Zehrfuss, 1952-58):

Se escogieron tres arquitectos de nacionalidades distintas para diseñar y llevar adelante el proyecto del edificio principal en forma de “Y”, internacionalmente famoso, no solo por ser la sede de la organización sino que también por sus destacadas cualidades arquitectónicas. Los tres arquitectos hicieron un uso expresivo del hormigón.

Se utilizó hormigón armado tanto en la construcción de los pilares, como en la estructura base, utilizando solo 4 encofrados de madera curva para la construcción de todas las columnas. La plasticidad del hormigón no sólo juega un papel importante en la elección de la estructura, sino que también permite mayor libertad, mostrándose en las formas conseguidas en la construcción de sus diferentes elementos.

También hizo otras en las que se ve este uso tan expresivo del hormigón como:

-Abadía y Universidad de St. John, Collegeville, Minnesota (1953-1961):

Es un benedictino monasterio en Collegeville. San Juan es una de las abadías más grandes benedictinas en el hemisferio occidental, con 133 monjes profesos. Se usará mucho en arquitecturas religiosas ya que este material transmite: humildad, sencillez y puedes generar formas simbólicas y permite hacer juegos con la luz.

Hay edificios en países excomunistas que se pueden relacionar:

-Igor A. Vasilevsky, Sanatorio Druzhba, Kurpaty, Ucrania, 1985:

-Georgy Chakhava, ministerio de Carreteras, Tiflis, Georgia (1974)

Esto recuera y parece futurismo y constructivismo soviético, no son bruatlistas pero el uso del hormigón visto sí que recuerda al brutalismo.

-Capilla Peter Zumthor:

 «Con el fin de diseñar edificios que tengan una conexión placentera con la vida, hay que pensar en una manera que va más allá de la forma y la construcción.» -Peter Zumthor

 

Es una capilla hecha por troncos y vertido de hormigón encima es más bien minimalistas. Con ello se consigue un interior místico y reflexivo está enmascarado por un exterior rectangular muy rígido. Se construye a partir de una tienda india hecha de 112 troncos de los árboles

Hay más obras que recuerdan y se ve esta posibilidad expresiva del hormigón:

-Herzog & de Meuron, Espacio de lectura, Parque de Arquitectura de Jinhua, China (2006):

-GAPP Architects & Urban Designars, Torre de agua de Midrand, Sudáfrica (1996):

-William Pereira  & Associates, Biblioteca Geisel, Universidad de California, San Diego (1970):

-Willy Guhl- mobiliario brutalista:

   -Silla para Eternit 1954:

Willy Guhl, era un modernista suizo que ante todo quería ‘alcanzar la mayoría con el mínimo de esfuerzo’ y el diseño de esta silla es una gran demostración de esto. Es un mueble de exterior hecho a mano en eternit y fibra de cidro cemento.

La silla es minimalista en aspecto, pero se diseña para la comodidad con sus curvas que apoyan el cuerpo en todos los lugares correctos.

Otros productos que no son brutalistas pero que sí que recuerdan en otros aspectos:

 Georges Candilis (1913-1995):

        – Silla Tissus 1967:

      -Georges Candilis & Anja Blomstedt, sillas para el resort “Les Carrats”, Port Leucate (1970):

Se ve el uso del material sin tartar la estructura de anclajes queda vista, nos recuera al tratamiento del hormigón, al dejar los materiales al natural, con su  belleza tal cual, sin decorados ni adornos extras.

Enzo Mari:

 – Proposta per un’autoprogettazione 1974:

Enzo Mari es un destacado artista modernista italiano y diseñador de muebles que se inspira en el idealismo del movimiento de artes y oficios.

En 1974, Enzo Mari hizo el libro Autoprogettazione , que trata sobre la construcción de muebles de bricolaje y vemos propuestas como estas.

Presentaba una colección de muebles que tu podías buscar el proyecto y podías hacerlo en tu casa.

Luego le tenías que enviar una foto, pero podías disponer del diseño de un modo gratuito. Era un diseño open source: no le importa la belleza del objeto sino más su funcionalidad.

2. Posguerra en los Países del Norte

El WELFARE STATE, NEW EMPIRISM + ORGANICISMO:

Estados Unidos para garantizar una mayor y más rápida recuperación del continente europeo tras la guerra, llevará a cabo lo que se conoce como «Plan Marshall».

Con esto logrará el resurgimiento y reconstrucción física, política y social de los distintos países que participaron. Esto lo llevó a cabo EEUU principalmente para poder abrir sus puertas comerciales y para evitar el avance del comunismo que derivará en la Guerra Fría.

A partir de toda esta reconstrucción que se dio en Europa surgirán nuevos movimientos o tendencias como las que veremos en los Países Escandinavos, como el New Empirism o la Arquitectura Orgánica.

En estas corrientes se buscará principalmente la humanización de la arquitectura tras esa concepción negativa que se tenía tras la guerra. Estos aspectos se trasladarán también al diseño, enfatizando y focalizándose en la idea de ergonomía.

Entre otras cosas, se buscará una gran funcionalidad y elegancia respetando al mismo tiempo la naturaleza.

Estos movimientos entre otros, no solo serán fundamentales para la Europa de la posguerra, sino que además influenciarán tanto que muchos de los diseñadores y arquitectos actuales aún se basan en sus principios y formas a la hora de diseñar.

MINDMAP PREVIO:

WELFARE STATE:  era comúnmente conocido como “el estado de bienestar” norte de Europa. Este concepto es con el que se denomina a una propuesta política o modelo general del Estado y de la organización social, según la cual el Estado provee servicios en cumplimiento de los derechos sociales a la totalidad de los habitantes de un país. El Estado financia a las instituciones gubernamentales para el cuidado de la salud y la educación junto con beneficios directos otorgados a ciudadanos individuales. Este “pacto” se realizó para ayudar a los países a reconstruirse en todos los aspectos tras la Segunda Guerra Mundial.

Es un proyecto que se despliega en la posguerra, pero en los 30 ya había circunstancias en las que se daba.

Principalmente se dio en dos contextos:

La social democracia del norte de Europa y también en algunos estados autoritarios como en Italia y Alemania donde predomina el fascismo y el nacismo, que también desarrollaron servicios similares

Nuevo orden de la posguerra tiende a dibujar el nuevo escenario político en los años que vendrán.

Se empieza a desarrollar en Yalta en una conferencia que se dio a finales de la guerra. Estaba claro que las potencias del eje serían derrotadas, los tres jefes de estado se reunieron para ver cómo sería el contexto de la posguerra.

-Churchill, Roosevelt y Stalin en la conferencia e Yalta 4-11 abril 1945 :

Reino Unido, EEUU y la Unión Soviética se reunieron y se decidió que el nuevo escenario mundial se quedaría dividido en dos bloques políticos y territoriales: el proyecto capitalista occidental con EEUU como nuevo protagonista global y el bloque comunista guiado por la Unión Soviética que había llevado su influencia a los países del este .

-El secretario de estado George Marshall 1947:

Plan lanzado:  european recover program comúnmente denominado plan Marshall” lanzado por él. Tenía el objetivo de favorecer la reconstrucción europea tras la guerra. EEUU estaba interesado en que Europa se reconstruyese lo antes posible para hacer frente juntos a los comunistas. Además de que la industria norte americana necesitaba una salida a sus productos, tener un mercado amplio como el europeo era un punto de gran interés para los estadounidenses.

Los estadounidenses dieron ayudas económicas por valor de unos 12 000 millones de dólares de la época​ para la reconstrucción de aquellos países de Europa devastados tras la Segunda Guerra Mundial. El plan estuvo en funcionamiento durante cuatro años desde 1948. Los objetivos de Estados Unidos eran reconstruir aquellas zonas destruidas por la guerra, eliminar barreras al comercio, modernizar la industria europea y hacer próspero de nuevo al continente; todos estos objetivos estaban destinados a evitar la propagación del comunismo, que tenía una gran y creciente influencia en la Europa de la posguerra.

El plan se ofreció también a la Unión Soviética pero no quisieron participar para no darle tanto poder a América.

-Cartel que ejemplifican que juntos, todos unidos saldrían de eso, juntos navegan unidos, son más fuertes. De esta unión y este pacto saldría la Unión Europea.

El nuevo orden de la conferencia de Yalta pronto derivó en un conflicto: la Guerra Fría.

La Guerra Fría se dio entre el 1947 y el 1991 y fue un enfrentamiento político, económico, social y militar que fue iniciado tras finalizar la Segunda Guerra Mundial entre el bloque Occidental-capitalista liderado por los Estados Unidos, y el bloque del Este, Oriental-comunista, liderado por la Unión Soviética. Las razones de este enfrentamiento fueron esencialmente ideológicas y políticas. La gravedad de los conflictos económicos, políticos e ideológicos, marcaron significativamente gran parte de la historia de la segunda mitad del siglo XX. Las dos superpotencias ciertamente deseaban implantar su modelo de gobierno en todo el planeta.

Llevó a una competición entre la URS y EEUU en distintos aspectos hasta llegar a la carrera espacial, para luchar por la primacía en los distintos aspectos de la sociedad.

LOS PAÍSES ESCANDINAVOS : EL NEW EMPIRISM Y EL ORGANICISMO:

Escandinavia, Noruega, Dinamarca y Suecia también hablará de Finlandia :” NORTHEN

BRUNO ZEVI (1918- 2000):

 Fue un italiano de origen judío que estudió en EEUU tras la guerra y fue muy importante en la posguerra y en la arquitectura moderna. Lanzó el concepto de ARQUITECTURA ORGÁNICA. Para él tenía que ver con una nueva manera de entender las arquitectura al servicio de la democracia.

La arquitectura orgánica es una actividad social técnica y artística cuyo propósito es crear el marco para una civilización nueva y democrática; esta concibe una arquitectura para el hombre, construida a escala humana, conforme a las necesidades intelectuales, psicológicas y contemporáneas del ser humano como miembro de la sociedad. La arquitectura orgánica es pues, lo contrario de la arquitectura monumental, que se utilizó para crear una mitología del estado.”

La arquitectura fue una base fundamental para la democracia.

La arquitectura orgánica atiende las necesidades del hombre y la sociedad des del punto de vista de las necesidades más extensas que hacen concebir al hombre como parte de una comunidad. Tenía la función de construir un círculo holístico entendiendo los aspectos de la naturaleza, las exigencias humanas y la arquitectura. La arquitectura es todo aquello que atiende a las necesidades del hombre como ser integrado dentro de sus contextos que le ayudarán a desarrollar su vida comunitaria.

Por arquitectura monumental entendemos en cambio, la de los regímenes totalitarios.

ALVAR AALTO: la humanización de la arquitectura 1945:

sin duda la arquitectura moderna entra ahora en una nueva fase en la que se trata de considerar y dar respuesta también a los problemas humanos y psicológicos. Esto no quiere decir que este periodo esté en contradicción con el precedente. Al contrario, hay que verlo como una ampliación de los métodos racionales para incluir sectores contiguos del conocimiento.

La arquitectura no es una ciencia (…) es un maravilloso proceso de síntesis (…) cuya misión es la de harmonizar el mundo material con la vida. Hacer más humana a la arquitectura significa hacer mejor arquitectura y ampliar el concepto de funcionalismo más allá de la técnica

Dar respuesta no solo a lo funcional del mecanicismo de la era de la máquina, no quiere decir que niegue lo anterior, es una profundización de estos conceptos. Busca la harmonización, hacer mejor la arquitectura y ampliar el concepto de funcionalismo más allá de la técnica y ponerla al servicio del hombre.

– Hugo Alvar Henrik Aalto: (1898-1976)

Era un arquitecto finlandés. Sus obras demuestran que la mejor arquitectura habla siempre en presente y comparte el idioma universal de todas las tradiciones. Insistía en la importancia de una educación humanista, de la necesidad de ir más allá de uno mismo y de la posibilidad de mirar hacia atrás para rescatar nuevas ideas.

-ALVAR AALTO, arte y técnica 1955:

“ Si en nuestra obra, sea ésta arte o técnica, olvidamos el “hombre”, ¿cómo podremos protegerle, “pequeño” como es, en el mundo mecanizado de hoy? Ciertamente no es suficiente una voluntad solo ideológica, La técnica, en cada su aplicación, siempre tiene que tener presente que, antes que nada, se mueve en función del hombre”

En el mundo mecanizado de hoy la técnica había demostrado su poder de aniquilación y destrucción con las bombas atómicas él hablará mucho de esto.

La técnica ha de estar al servicio del hombre y no al revés.

Esta visión la aplicará en muchos aspectos.

-Alvar Aalto Sanatorio antituberculoso, Paimio, 1929-1923:

Convertido en los años 60 en hospital general, esta obra fue el resultado de un concurso para un Sanatorio ganado en 1929, cuyas aclamadas críticas pusieron a Finlandia en el mapa de la arquitectura moderna.

El conjunto, claramente funcional, tiene una aproximación humana muy propia de la arquitectura de Aalto que va más allá del funcionalismo técnico y que se percibe sobre todo en el detalle de sus elementos. El Sanatorio Paimio supone un claro punto de inflexión en la obra de Aalto, pasando de una producción caracterizada por el respeto a la tradición hacia una arquitectura plenamente relacionada ya con la cultura del Movimiento Moderno.

Será el primer edificio representativo que hará. Lo construye basándose en los principios de una máquina que sirve para curar.  

Muestra un entorno de relajación y calma para los enfermos, rodeado por bosques y naturaleza.

Había grandes superficies acristaladas, una estructura diáfana en la que la funcionalidad se unía con la creación de un ambiente visualmente agradable.

Sus principios ya se iban orientando hacia la intención de pequeños detalles  y a las necesidades individuales. Esto se ve en varios aspectos del edificio como por ejemplo en las ventanas en los interiores que permiten ver el exterior para que los enfermos que no podían salir pudiesen ver  el paisaje lo más posible.

 La mesa esta ideada de tal manera que tapa lo menos posible el exterior:

También se aprecia esta intención en el diseño de la pica de las habitaciones dobles . Están pensadas para que el agua cayese con inclinación para que no hiciese ruido y no molestase a la otra persona que compartía la habitación.

-Aalto Silla Paimio 1931-32  mod 31 armadura de abedul laminada  y curvada, asiento y respaldo de madera prensada, curvada y pintada:

Además de hacer el edifico también desarrolló el diseño de una buena parte del mobiliario del sanatorio.

Los muebles, y en especial esta silla mostraban una estructura simple y “transparente”. Cogía  la madera y le daba las características que quería.

La silla fue creada bajo los ideales higienistas que se defendían en toda la construcción.

Aalto llevaba un tiempo investigando las posibilidades de curvatura de la madera laminada, idea que surge al estudiar el modo de fabricación de los esquís. Así, el material es curvado sin necesidad de cortes y uniones, similar al trabajo de Breuer en su silla.

Asiento con volutas le aportaban la unión y flexibilidad al asiento. La curvatura de la forma responde a una búsqueda por facilitar la respiración del enfermo. Es una silla de descanso y sanación.

-Pata en forma de L con refuerzo de chapa de madera patentada en 1933:

Se hacían los cortes y luego se añadían láminas finas de madera para conseguir la curva de manera natural.

Como algún otro arquitecto de la época hizo varios proyectos en colaboración con su mujer Aino Alto.

-Otro edificio representativo de la época fue – La biblioteca de Viipuri 1927-35:

Este proyecto fue fruto de un concurso para la construcción de la Biblioteca de Viipuri (perteneciente anteriormente a Finlandia y actual ciudad rusa de Vyborg). La biblioteca fue inaugurada en Octubre de 1935. El edificio fue bombardeado parcialmente en la Segunda Guerra Mundial, y abandonado durante más de diez años, causándole un gran deterioro. En los años 90 se inició un proceso de reconstrucción que se alargaría durante años.

En este se ve también cómo materializó sus principios. Fue construido cuando esta zona de frontera aun era parte de Finlandia, ahora es parte de Rusia

Con el edificio logra generar un paisaje donde los protagonistas son los libros. Subir las escaleras de la biblioteca es entrar en este paisaje con una iluminación como si estuviésemos leyendo al aire libre.

Al igual que en el Sanatorio también diseñará el mobiliario con el mismo sistema: elementos sencillos madera curvada. El respaldo podía adquirir formas diferentes, más arriba o más abajo:

Una habitación muy importante del edificio será la sala del auditorio:

Utilizará también la madera con listones de pino careliano, proveniente de la región finlandesa de Carelia, con esto consigue generar un techo de formas características, curvadas. En este techo la forma y la funcionalidad se unen, las curvaturas distribuyen el sonido para que las hondas de la voz lleguen al final de la sala, es decir que ayudan a la mejor propagación del sonido.

“…Alvar Aalto es, como Le Corbusier, uno de los pocos arquitectos que en nuestros tiempos, ha intentado algo nuevo para atacar el problema de la bóveda de una manera peculiar para su período. En el íntimo hall de la Biblioteca de Viipuri las curvas irracionales del techo se deslizan a través del espacio como las líneas de serpentina en una pintura de Miro. Por supuesto, el propio arquitecto puede demostrar, con meticulosos diagramas acústicos, que la forma de la ondulación que dio al techo permite que el sonido llegue al oído humano de forma más perfecta. Aquí, por lo tanto, el razonamiento científico y la imaginación artística se han fusionado con la arquitectura, libre de esa rigidez que hoy en día es una amenaza constante…” (Sigfried Giedion, historiador de arquitectura)

Además de eso los muebles complementan como taburetes, butacas o sillas, al igual que los ventanales que dan la sensación de estar en contacto con la naturaleza.

Logra hacer una forma interesante en los muebles aun cuando están sin usarse y son apilables. El taburete modelo nº 60, diseñado cerca de 1932-1933, demostraba el interés de Alvar Aalto en las formas básicas, funcionales y utilitarias. Está construido de abedul doblado laminado.

Artek 1935 será una empresa fundada en Helsinki por los jóvenes idealistas Alvar Aalto, Aino Marsio, Marie Gullichsen y Nils-Gustav Hahl. La crean para vender muebles y promover una cultura moderna de vida a través de exposiciones y otros medios educativos. Es decir, ahí vendían la producción de muebles y otros objetos domésticos que realizaron y promovían a artistas modernos del momento. Entendían la unión de arte y técnica (art-tek)

En 2007, el arquitecto japonés Shigeru Ban diseñó un pabellón de exposición para Artek.

Algunos de los productos más conocidos y representativos eran los siguientes:

-Carrito- bar mod 900 (1936-37):

-Exposición de los muebles 1987 París:

 Presentaron sus productos allí también

-Alvar y Aino Aalto, butaca mod 400 (1935-36) /chaise longue mod 39 (1936-37 ):                        

Las formas son similares a las del mobiliario de la bauhaus pero será más común la utilización de madera: connotación diferente, más expresivo.

Entienden que las gamas de productos realizados satisfacen prácticamente todas las posturas sedentes de las personas. Pero no fueron los únicos que se interesaron por la ergonomía, haciendo un estudio tan amplio, estos estudios también se vieron en Bruno Mathsson.

-Silla y tumbona pernilla (1934):

Hay una mayor acentuación en la forma sinuosa curva. Entre los dos diseñadores hay elementos comunes: la madera laminada curvada y los asientos  a partir de tiras, utilización del textil: continuidad del objeto con el arte del que procede pero síntesis, no imita exactamente el trenzado del mimbre tradicional pero recuerda y remite a eso.

Mathsson seguirá desarrollando sus diseños en las décadas de posguerra.

-Alvar y Aino Aalto, villa Mairea, Noormarku, Finlandia (1935-39):

Es una casa de veraneo que también fue realizada en el sur de Finlandia y fue diseñada para el matrimonio finlandés Gullichsen, compuesto por la pintora Maire Ahlström y empresario maderero Harry Gullichsen a mediados de la década 30. El matrimonio dio a los arquitectos la completa libertad de plantear una casa diseñada hasta el más mínimo detalle, por lo que garantizaron un presupuesto sin límites.

Está localizado en un claro del bosque y este claro es la zona del habitáculo. Tiene una forma compuesta por dos L que se juntan. La idea principal es la creación de un espacio en donde el arte y la vida cotidiana se mezclasen de manera natural. Está compuesta por dos plantas que forman un pequeño patio abierto con una piscina. Como podemos observar la piscina es de una forma abstracta, es curva y recuerda a un estanque o un lago como los que hay en Finlandia, es una metáfora de la naturaleza artificial en medio de la naturaleza real. Se ve claramente esta voluntad de estar en contacto permanente con el exterior y con la naturaleza. La casa se caracteriza por la aparición de una serie de componentes modernos y por otra un planeamiento tradicional en la forma de situarse en el terreno y definir el espacio libre.

A parte del edificio diseñará también el mobiliario. Podemos observar como en toda la casa se ve la voluntad del elemento natural de convertirse en un elemento arquitectónico, esto se ve en la marquesina de acceso a la villa, la chimenea, hay un uso directamente de elementos de la naturaleza como troncos o piedras y forma celosías con ellos.

La villa es un paisaje construido, tiene toda la complejidad de una topografía construida: los distintos niveles, troncos que generan biombos y separaciones entre los distintos espacios, espacios conectados los unos con otros pero van fluyendo y así va conectando las distintas partes de la vivienda .

En la casa también se ve la idea de singularización e individualidad como en la escalera donde el primer escalón se individualiza del resto. Nos da la bienvenida a toda la escalera y marca el cambio de nivel al mismo tiempo que queda envuelta también por un biombo hecho a partir de bambú.

Los diferentes espacios se van abriendo unos sobre otros. Los muebles de mimbre van complementando el espacio.

-A.Aalto Jarrones Savoy, 1936-37:

Otro elemento de conexión entre hombre y entorno, y construcción de formas de simbiosis son estos jarrones.  El material base utilizado es el cristal que recuerda a la forma de los lagos de Finlandia.

 -Ayuntamiento Saynatsalo 1948-52:

El empresario Enso Gutzeit encargó el edificio, para lo cual se organizó en 1949 un concurso para asignar un proyecto que pretendía hacer un ayuntamiento para el municipio. Ganó Alvar Aalto.

Es una construcción de una comunidad en la zona de los lagos: mira la tradición, la esencia del mundo antiguo: la acrópolis y en la época medieval las ciudades italianas. Estas connotaciones se ven con el ladrillo y las formas, se percibe una reinterpretación de los elementos.

Está pensado como un lugar que identifique la comunidad: aparece la idea de centro, de plaza, de espacio que recoge. Se llega a este espacio interior a partir de una escalinata. Es una comunidad que une la complejidad de todas esas funciones y se materializa cada volumen, se singulariza pero dentro vemos al mismo tiempo una armonía, como con las personas: cada una con su individualidad forma parte de una comunidad. Se usan materiales sencillos pero trabajados de un modo exquisito, se adaptan a las distintas necesidades y funciones.

-Escuela poliotécnica de Otaniemi, Espoo, 1949-74:

El edificio principal de la escuela politécnica Otaniemi fue proyectado por Alvar Aalto en 1955 y construido entre 1961 y 1964.

También busca esta idea de la singularización de los elementos.

Se ve la funcionalidad, bloques lineales, todo queda dividido, ninguno es igual que el otro, marcan características que hacen destacable cada elemento y el elemento que más destaca es la sala de actos: lugar que sintetiza esta universidad está tratada como un teatro, se ve la cultura y la observación de otros lugares como el teatro de Delfos.

Las aulas se ordenan alrededor de pequeños patios interiores. En este sector existen pequeños auditorios secundarios y los laboratorios. Se distinguen cuatro grupos principales. Estos grupos están concebidos de manera que cada uno de ellos pueda ser ampliado sin afectar al conjunto.

Y se materializa de una forma totalmente contemporánea uso de la naturaleza y tecnología para satisfacer las necesidades.

-Iglesia de las tres cruces, Vuoksenniska, Imatra, 1955-58:

Esta iglesia formaba parte del Plan Director de Ordenación de la comunidad industrial de Imatra, en el sudeste de Finlandia, acabado en 1953. Esta iglesia es vista como uno de los proyectos más originales que realizó. También confrontó los usos religiosos y funcionales para empezar el diseño del mismo.

Es también otro espacio que forma parte de la comunidad proporcionado por el Welfare.

Cultura del norte se ve la luz fría y mucho más homogenia.

-Palacio de congresos Finlandia, Helsinki, 1962- 71:

El Finlandia Hall es uno de los edificios más relevantes de Alvar Aalto, es un gran espacio con auditorio y salas para música y conferencias situado en pleno centro de Helsinki, con vistas a la bahía de Töölö, concebido dentro del plan maestro de Aalto a partir del cual reestructurar la ciudad.

 Es otro espacio de la comunidad.

Esta pensado como una gran roca varada a la orilla de un lago, es una gran sala de actos muy articulada y extensa, cada elemento adquiere singularidad y distintos protagonismos con respecto al conjunto.

Genera un gran volumen con fuerte carácter horizontal, haciendo frente a la bahía, culminado con una potente torre, un prisma que sobresale en altura del inmenso zócalo, truncado por un plano inclinado que crea una cubierta en forma de concha, bajo la cual se desarrollaría la innovadora idea del arquitecto para el gran auditorio.

Estos elementos que se ven en la obra de Aalton también se pueden reconocer en otros arquitectos.

– Sverre Fehn, pabellón Escanadinavo en la Biennale de Venecia, 1958-62:

Nos muestra también la sensibilidad y el respeto de los elementos naturales: la arquitectura respeta la naturaleza y se adapta a ella: eso potencia la arquitectura. Las vigas se enriquecen de los elementos preexistentes en el lugar.

– Sven Backstrom y Leif Reinius, barrio grondal, Estocolmo, 1946-56:

También se usarán estos principios para los construir barrios residenciales de las ciudades del norte. Aquí ya se busca una forma que intente evitar la simplificación de bloques lineales abiertos , es algo que consigue como identificación de la comunidad, espacios interiores comunes a partir de formas más complejas como la estrella de tres puntas: ya son casas con formas de casas, tejado a dos aguas, es decir se ve una mayor conexión con la tradición.

-Sven Backstrom y L. reinius, barrio vallingby, Estocolmo 1953-46, suburbio modelo work-dwelling-centre:

Será uno de los referentes para la época, es un barrio periférico pensado para que desarrollé completamente las necesidades de una comunidad: trabajar, habitar y tener un centro cívico que reúne las funciones principales con ser miembro de una vivienda y relacionarse, el transporte, ferrocarril llega hasta el centro de la ciudad y con ello  consigue formar parte de una comunidad más grande que es la ciudad en sí.

Se intenta rehuir de formas más genéricas para individualizar así cada pieza. Hay también una zona comercial central donde se trata también la madera singularizada.

Características principales del Nuevo empirismo:

Fue un movimiento arquitectónico surgido en Escandinavia después de la Segunda Guerra Mundial, desarrollado especialmente entre los años 1940 y 1950. En reacción a la arquitectura racionalista, se buscaba una mayor espontaneidad y adaptación a la naturaleza, por lo que este movimiento entroncó con la arquitectura orgánica. Reivindicó los materiales tradicionales y las formas artesanales de construcción, así como revalorizó la decoración tradicional y buscó la comodidad doméstica. Pese a ello, no renunció a las nuevas tecnologías, por lo que supuso una síntesis entre tradición y modernidad.

Es una definición crítica que se formará más tarde pero se entiende como aquella arquitectura con vocación social procedente de Suecia que vuelve a formas más tradicionales. No es lo que hacía Alvar Aalto, será una arquitectura de referencia para Inglaterra y busca una conexión también con formas y modos más tradicionales, será una modernidad moderada.

-Arne Jacobsen, escuela munkegaard, gentofte, Dinamarca, 1951:

Es un edifico escolar y fue muy mirado e imitado en la época.

Esta pensada a partir de la unidad básica e individual que es el aula. Tiene que ser como una célula, es el núcleo de eso que le da vitalidad, también dispone de un patio interior para poder salir al exterior y para proporcional la luz al interior: todo está pensado para promocionar un ambiente lo más relajante posible. Vemos el cuidado de los detalles de la arquitectura y de cómo el ser humano entra en contacto con esta, también se ve que el mobiliario son estructuras simples y resistentes de acero con un plano de madera que genera la doble superficie, es un diseño muy equilibrado y sencillo pero perfectamente pensado y adaptado.

Jacobsen será un maestro en buscar este equilibrio.

-Arne Jacobsen, hotel y terminal, Copenhague, 1958-60:

Estados Unidos será una referencia, pero buscan mejorar el contraste con el mobiliario. Hay un juego entra la retícula del edifico y luego las formas voluminosas y curvas en los muebles.

-Butacas egg y swan 1959:

Jacobsen elaborara toda una gama de productos muy amplia

– Diseño de objetos domésticos años 50-60:

Atendiendo a la necesidad de elegancia y funcionalidad pero forma significativa que identifique a los objetos. Vemos que las formas son limpias y esquemáticas pero adaptadas a distintos usos. El uso del acero satinado será un acabado muy característico del norte de Europa en esta época.

-Silla ant 1952:

Esta silla se convertirá en un clásico, tiene una estructura muy sencilla, es de metal cromado con un asiento de madera consiguiendo un objeto flexible, pensado para interiores ligeros.

-Ingvar Kamprad, ikea, a partir de 1943:

Ingvar Kamprad: (1926-2018) Fue un empresario sueco, fundador de IKEA, la mayor empresa de muebles a nivel mundial.

 Surgirán nuevas propuestas para amueblar y complementar los interiores de las casas como Ikea.

Ikea fabricará en un principio muebles de madera económico.

-Ruben Rausing tetra pak 1940 y tetra brick 1963:

Se verá una renovación de la forma de consumir. Habrá una sustitución de empaques de cristal o hojalata serán más ligero, reciclable y formas  más fácilmente variadas.

-Sexten season, Saab 92 (1947):

Industria de producción civil, una compañía de aviones Saab empezará a producir coches.

-Poul Henningsen, lámpara 1925 y lámpara alcachofa 1958:

Elemetos de iluminación usadas por otros como Van der Rohe

1960 estas propuestas se irán convirtiendo en un discurso coherente y serán presentados en en triennale di milano, Milán 1960: habrá una sección danesa.

1. MADE IN JAPAN

JAPÓN (reflexión previa):

En los años 60s, tras la Segunda Guerra Mundial se producirá una gran ruptura en muchos aspectos culturales de la sociedad, como iremos viendo a lo largo de este blog.

Entre uno de estos cambios drásticos que se producirán vemos la mezcla de culturas y cómo las civilizaciones de distintas partes del mundo empezarán a compartir un lenguaje e intenciones comunes.

Se producirá por lo tanto, una gran mezcla de culturas entre las cuales vemos la japonesa.

Japón es un país que estaba arrasado tras la guerra. Sufrió dos bombas atómicas, intensificando así la concepción de lo efímera que es la realidad, pensamiento que ya estaba muy arraigado a la tradición y mentalidad japonesa a causa de las muchas catástrofes naturales que se dan en el país.

En Japón se evidenciará el hecho de que la tradición y la ruptura pueden ir de la mano y esto se reflejará en el mundo del diseño y en todo lo estético y formal.

Además, a partir de esta simbiosis cultural, se incorporarán en las industrias japonesas los avances tecnológicos que se estaban dando en Occidente, esto hará que el diseño japonés evolucione aún más y de un modo más rápido.

En este contexto aparecerán grupos como el Metabolista, el cual principalmente se centraban en la arquitectura, pero que incorporarán unos conceptos e ideas que se aplicarán al mundo del diseño y que aún están presentes a día de hoy.

Por lo tanto, todos estos aspectos harán que el diseño se contamine de la cultura japonesa y que Japón se convierta, y siga siendo, en uno de los países más importantes en el mundo del diseño y el desarrollo de productos.

MINDMAP PREVIO DEL TEMA:

-Fecha de referencia 1945:

1945– es cuando termina la 2ª guerra mundial: cambio en la cultura y en el diseño -Segunda Guerra Mundial: Fue el conflicto armado más grande y sangriento de la historia universal, entre 1939 y 1945, siendo la Unión Soviética, China y Alemania, las naciones que más víctimas tuvieron. Una vez finalizada la guerra el mundo quedó divido en dos bloques, el bloque capitalista, liderado por los Estados Unidos y con influencia sobre Europa Occidental, y el bloque comunista, liderado por la URSS y con influencia sobre Europa del Este.

-Momento imp los años 60’s:  se plantean o abren una serie de preguntas que aún estamos intentando responder (economía, ecología, …). Se abrirá una crisis donde una serie de temas empiezan a estallar, fue un periodo de tiempo muy convulso en todos los aspectos de la sociedad, que produjo grandes fracturas pero que fue determinante.

-MADE IN JAPAN:

Se producirá una mezcla de culturas- globalización- se abre la mirada hacia otras culturas entre ellas la japonesa.

-JAPÓN-> Será la primera vez que una nación o cultura no europea marcará la pauta en el debate de la cultura.

 Metabolistas: referencia en la arquitectura muchos de los conceptos e ideas que se usan en arquitectura y diseño hoy en día salen de ahí.

-El movimiento metabolista fue una corriente arquitectónica formada por un grupo de arquitectos y urbanistas japoneses. Fue fundado en 1959. Nació con la idea de reconstruir las ciudades en la posguerra, cosa que hizo que el colectivo se planteó sobre cómo construir las ciudades del futuro, aunque centraban su mirada en japón.

En la década de los 50’s Japón estaba destrozado y empobrecido tras la guerra.

Alguna de sus principales características era: La apertura hacia el futuro, pero respetando la tradición, el dinamismo, el simbolismo, crecimiento orgánico y biológico, el orden, estructuras modulares, flexibles y adaptables, la optimización del espacio, la creación de una sociedad masificada, la tecnología, el futurismo y la impermanencia.

La primera vez que se dio a conocer el metabolismo fue en el Congreso Mundial de Arquitectura en Tokio.

A partir de eso Japón ya no es una inspiración exótica sino una influencia con voz propia.

Imágenes de arte:

-1956 Electric dress TANAKA ATSUKO:

Artista mujer- país tradicional, pero si reconocimiento a las mujeres artistas. Es una obra de arte muy extraña- vestido hecho con luces. Aún no ha aparecido el arte conceptual de los años 70.

Aquí ya se ve la idea de TECNOLOGÍA, el arte se empapa de esta y es un arte como algo EFÍMERO, no es algo fijo, se mueve se enciende se apaga ya se empieza a ver y se respira esta idea de mutabilidad.

-1956 MURAKAMI Saburo A la segon expo col.lectivo Dels Gutai:

Ponen una serie de lienzos uno delante de otro y los atraviesan.

DESTRUCCCIÓN, RUPTURA -> seguirá, en el caso japonés y se radicalizará. Pero al mismo tiempo habla de la Tradición: hace referencia a la típica puerta japonesa corredera.

Aunque parezca paradójico tradición y ruptura van de la mano

-YOSHIDA Toshio, Desfiament al sol de ple ESTIU

Es otra exposición, en el exterior, obra de arte estacas en el suelo: el contexto forma parte de la obra:  la relación con la naturaleza respeto con el medio.

-MONOTAGA Sadamasa Aigua 1957:

Son láminas tensadas, y el agua cae lentamente por ellas: algo muy moderno; se ve una concepción muy distinta de la temporalidad: valor de lo cambiante, lo transformable además de la referencia al tema acuático, que también será muy importante en esta cultura.

 -AKIO MORITA – SONY TR-55 1955:

Habrá una gran capacidad de diseño a partir de la incorporación de lo tecnológico.

Será la primera radio de transistor: la radio será algo que nos llevamos, transportable. Aquí ya se ve la miniaturización del diseño japonés. Lo que harán los diseñadores japoneses será tomar tecnología de occidente y la reformularán. La aplicarán para lo que les interesa.

Exposición año 70 en Osaka:

Fue del 15 de marzo al 13 de septiembre y el tema fue “el Progreso y la Armonía de la Humanidad «. La exposición tuvo un gran éxito y sirvió como escaparate para mostrar al mundo el gran desarrollo que había experimentado Japón durante los años 1960. El diseñador de la exposición fue Kenzo Tange.

Esta supuso el fin del metabolismo y también significó un gran despliegue tecnológico para el país.

Para la exposición se diseñó un robot (como el que se ve en la fotografía) que podía controlar la gente: tecnología + espectáculo (que también es algo que les gustará mucho a los japoneses)

CONTEXTO HISTÓRICO: 2ª guerra mundial

-La bomba atómica cayó en Hiroshima el 8 agosto del 1945 y supuso un cambio radical a muchos niveles.

Una bomba atómica es un dispositivo que obtiene una gran cantidad de energía explosiva por medio de reacciones nucleares. Se basa en provocar una reacción nuclear en cadena sostenida hasta legar a generar la explosión. Se encuentra entre las denominadas armas de destrucción masiva y produce una gran nube con forma de hongo cuando es detonada a poca altitud sobre la superficie. Una de las primeras bombas atómicas fue desarrollada por Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial, y es el único país que ha hecho uso de ella en combate (en 1945, contra las ciudades japonesas de Hiroshima y Nagasaki).

Al terminar la guerra se había destruido un 80 % de la población japonesa. Es decir, que supuso un exterminio salvaje para la población.

Pero la bomba atómica afectó en otros niveles como en la concepción del tiempo. Además, se empezó a ver la cara no amable de lo tecnológico se empieza a ver que la tecnología puede ser muy destructiva. Esta capacidad destructiva puede acabar con el planeta, pero además la destrucción ocurre en un segundo, desaparece todo de golpe, en un abrir y cerrar de ojos. Pero además puede destruir el FUTURO también con la radiación y las secuelas que esta causaba. Podrían afectar hasta a tus nietos y les condena.  Hasta el 1955 estuvo censurado hablar de la bomba atómica en Japón.

Por todas estas razones se entenderá la existencia, lo tecnológico y el diseño de un modo muy distinto a como se entendía en Occidente.

-TOSHIKO OKANOUE autumn 1954:

 NATURALEZA- jardines

Árbol con muleta para que la rama crezca todo lo que quiera: nosotros humanizamos la naturaleza, ellos piensan que el ser humano se entiende como que está al servicio de lo natural. Hay un concepto japonés que significa “deuda” y hace referencia a que tu naces con ella vives y la vas pagando, uno de estos pagos es dejar el mundo mejor, y uno de estos modos será ayudar a la naturaleza. El hombre japonés no crece a partir del mundo, sino que crece con él.

-Mapa imperio japonés 1895: tema AGUA

Los límites entre mapa y tierra están mucho más difuminados.

Usozaki era un arquitecto japonés muy cercano al metabolismo define que “la forma de Japón es un negativo de lo que el mar deja sin cubrir “es decir es allí donde al mar no se mete.

Lo acuático será algo central en Japón.

El mar es algo siempre igual pero que al mismo tiempo siempre cambia: hay una percepción de lo natural basada en la constante mutación.

Cuando EEUU le hace firmar la rendición a Japón escogen la bahía de Tokio: centro agua (no es algo casual) es un modo de humillación hacia ellos.

-JAPON: Se tiene una percepción de la realidad como algo efímero y en contante transformación: catástrofes naturales con una geografía inestable, huracanes… Todo esto influye mucho en el modo de ver el mundo, en el saber natural y popular esta esta conciencia.

-METABOLISMO: Surgirá 15 años después de la bomba atómica. La reconstrucción en los años 50 fue muy dura, no había gente, no había fabricas…

En la década de los 60s empezó la integración de Japón en el orden occidental.

El momento clave de inicio de este movimiento fue en el World design Conference en Tokio en el 1960.

Irá gente muy importante.

Kenzo Tange coge a sus discípulos y se encargaran de montar el diseño de la exposición y se les ocurre montar un grupo de vanguardia. Esta conferencia será también donde el Manifiesto Metabolista fue presentado por Kiyonori Kikutake, Kisho Kurokawa, Masato Otaka y Fumihiko Maki.

Crearán este manifiesto metabolista y tratarán de dar forma a la arquitectura del futuro, con una arquitectura ideal.

Los metabolistas creían en la separación de las diferentes partes de un proyecto en función de su tiempo de uso o duración. De esta manera, las partes estructurales de un edificio serían más duraderas y las partes susceptibles de sufrir un cambio de uso tendrían una vida más corta facilitando su flexibilidad. Estas ideas estaban en relación en cierta manera con la idea de Le Corbusier de ver la casa como la “máquina para vivir”.

Se basarán en los principios como la naturaleza o el arte y será influyente en todo el mundo.

Lo que incorporará en metabolismo al diseño es que la ciudad ya no deberá pensarse como una entidad fija sino como un metabolismo, como algo que constantemente se encuentra en transformación, como un cuerpo, nosotros cambiamos todo el tiempo. Las ciudades harán lo mismo. Concepción orgánica.

Gente muy joven sin trabajo, dibujaran las ciudades ideales como cosas que se acoplan, la ciudad se irá modificando en función de los usos y necesidades del momento.

Ciudad no como objeto inerte sino como un acontecimiento, como una red, un intercambio.

En lo superficial los cuerpos tocan el mundo la piel es el elemento en conexión con el exterior, ahí está la profundidad – forma en oriente muy distinta.

En el mundo en ese momento dominaban dos maneras de entender el mundo de maneras muy distintas y opuestas- asiáticos: eran capaces de vestirse y acoplarse a la cultura occidental pero no se ven europeos vestidos de orientales. Esto es lo que harán los orientales: alimentarse de occidente en cuanto a técnica.

Comandante Perry: un año después del Crystal Palace (es decir, el 1852) va con sus barcos a Japón y les pide que abran las puertas. Japón llevaba dos años cerrados y controlaban mucho las embarcaciones que entraban por el único puerto abierto el país. La cultura era muy distinta porque había estado muy al margen de la occidental Japón era la que más había resistido en el proceso colonial, fue el último en occidentalizarse. En los 60s habrá una mirada japonesa totalmente nueva.

-2ª guerra mundial: habrá una reformulación de un sistema -> modernidad será extraña

-MITSUBISHI: familia de samuráis fundación 13 mayo 1870 Yatao Iwasaki:

-Mitsubishi px33 (1937)

-En el fin de la segunda guerra mundial se verá una incorporación de nuevas marcas. Esto se deberá a los ZAIBATSU:

en el periodo anterior a la segunda guerra mundial los zaibatsus dominaron la economía japonesa, estaban controladas por poderosas familias, los cuatro grandes eran MITSUBISHI, MITSUI, SUMITOMO Y YASUDA. En 1937 controlaban un tercio de los depósitos bancarios de toda Japón, un tercio del comercio exterior, la mitad de la producción naval y la mayoría de la industria pesada.”

Era como un monopolio a varias familias. Al terminar la guerra muchas desaparecerán y aparecerán nuevas empresas que entienden la sociedad japonesa como que lo industrial forma parte del colectivo, es algo comunitario, lo individuo es algo q tiene q ver mucho con lo de dentro, ellos esta concepción no la tienen tanto.

Para ellos la modernidad es algo occidental enviarán a los jóvenes a Europa para que incorporen la modernidad a Japón: es por ello por lo que escuelas como la Bauhaus estará llena de estudiantes japoneses.

Oriente conoce mejor occidente que al revés porque Japón es consciente y quieren abrir fronteras. La copia japonesa ellos no tienen tanto esta concepción de la autoría, la copia es más como una supervivencia, han de incorporar lo occidental para sobrevivir.

-KATSURA imperial villa Kioto XVII- edificio moderno japonés.

-EL SANTUARIO DE ISE: Templo que cada 20 años se desmonta y se vuelve a montar, sigue con esta filosofía de transformación constante.

Algunos de los proyectos más representativos del metabolismo:

-Oceancity 1962 :                                 

Tiene mucho que ver también con la destrucción de la guerra, creencia de que la sociedad puede ser más justa en el agua, la tierra les ha fallado.

-KIROKAWA hélix city 1961:

Aquí se ve la referencia de lo genético, ADN, mega estructuras, también será una idea muy recurrente.

-RATA ISOZAKI- CIUDAD EN EL ESPACIO 1962:

Todo destrozado, lo que plantean es sobresalir por encima a modo árbol, tiene un tamaño colosal, todas estructuras que se acoplan y desacoplan, como enchufes, quita y pon.

-KENZO TANGE TOKYO BAY PLAN 1961:

En este proyecto se ve muy claramente lo de la idea de transformación, de lo acuático, Será un plan de crecimiento de Tokio, pero no en la tierra, en el mar.

Lo del mar no es una ocurrencia suya, la base del ayuntamiento lo plantea así, pero él no pone suelo artificial como muchos otros harán, lo quiere directamente poner sobre el agua-> PRAGMATISMO japonés, la tierra no aguantaría lo de arriba pues no la pone, innecesario.

Lo plantea como un crecimiento orgánico, no se elabora de golpe si no que iría creciendo poco a poco, progresivamente.

-AWAZU KIYOSHI -poster nippon 1972/ cubierta libro 1970/ theater poster 1972 /poster antiwar 1971

No todo serán arquitectos, este será un diseñador gráfico, en sus carteles se aprecia claramente el toque japonés.

  • KENJI EKUAN botella de soja kikkoman 1962:

Este será un diseñador de producto. Se realiza un diseño de producto, funcional, estético, pragmático, es tecnología pero conserva la forma tradicional de la botella- INNOVACIÓN TRADICIONAL:

  • KIKUTAKE, SKYHOUSE 1958

Es una casa que constantemente se va transformando , se puede ir estructurando, estructura de hormigon reticular, metabólico , al mismo tiempo estética aun con cosas traicionales de japon, casa levantada, puertas correderas tradicionales,… Es un espacio abierto y flexible, elevado respecto al suelo por cuatro pialares de hormigón a 6,4 metros de altura. Esta disposición abierta permite el eventual intercambio de espacios o la adición de éstos, variando la compartimentación. Todo ello nace de una particular visión; según Kiyonori Kikutake, la arquitectura necesita adaptarse al cambio.

ALGUNOS PRODUCTOS DESTACABLES EN LA CULTURA JAPONESA EN LOS 60s:

HONDA: Es una empresa de origen japonés que fabrica automóviles y todo tipo de elementos para la industria automotriz. Nacerá después de la segunda guerra mundial, en el 1948. Alguno de los primeros productos que realizaron:

– Honda d-type 1949-51  :

Honda será una fábrica nueva en el momento y tomará modelos occidentales

-Honda t360( 1963-1967):

Jugaba con el tamaño pequeño, parecen juguetes, y usan recurrentemente colores pasteles.

-S500 -1963:

-Fuji cabin 1955:

Era un trciciclo, barato. El diseño japonés de una forma muy rápida ira marcando una línea propia, se apoya en lo occidental en cuanto a tecnología pero rápidamente marca su propio camino.

-Japón, Alemania e Italia, los tres países con la Guerra Mundial, el bando de los aliados les prohibirán fabricar armas, entonces invertirán su esfuerzo creativo en generar productos como estos y no armas. El diseño japonés acabará conquistando el mundo. Al final se comieron el mercado americano de la automoción. Hoy en día los americanos conducen marcas japonesas.

Es increible como un pais arrasado conquistará a partir de los productos y esto pasará sobretodo en dos aspectos: automoción y en electrónica domestica (instrumemto…)

DISEÑO JAPONÉS PEQUEÑO, TECNOLÓGICO Y BARATO:

-1979 Koeg KR-33 Rhythm Machine 1979:

Calidad alta para tan bajo coste.

NINTENDO :  empezará como fabricantes de cartas de un juego tradicional japonés  el Hanafuda  23- sept-1889

El juego poco a poco empezará a pegar el salto en los 60s cuando un diseñador suyo GUNPEI YOKOI en el 66  hace el ultra hand.

Rebentará el mercado y el bate de beisbol.

Con este elemento se ve la americanización. todo lo que gana nintendo lo invierte en investigación y desarrollará una gran tecnología.

-1977 color TV-Game 6

-Videojuegos TOSHIHIRO NISHIKADO, SPACE INVADERS 1978

Un  pais arrasado triunfará, también se  verá lo de estar en deuda con la comunidad, estar a su servicio, todo eso son factores, también la copia como resistencia , el apropiarse del mundo.

-KUROKAWA CAPSULE tower 1972- Es una torre residencial y de oficinas diseñada por el arquitecto Kisho Kurokawa y situada en Tokio. Se ve esta idea de transformación, quita y pon, tecnología punta a partir de un modulo, de una unidad construye todo el edificio. Fue el primer ejemplo mundial de arquitectura de cápsulas construida para un uso permanente y práctico. El edificio sigue en pie, pero está en mal estado. Esta compuesta por dos torres de 11 y 13 pisos y con 140 cápsulas acopladas a estos dos núcleos. Hoy en día solo 15 cápsulas siguen habitadas.

Para los japoneses la Muerte es algo colectivo, cuando te mueres tu se muere un parte tuya.

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